ESCULTURA

Autor: MARTÍ MARÍ SILVIA.
Año: 2004.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: Dep. Escultura.
Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.

Resumen: La presente tesis efectúa un recorrido a través de la historia de la fotografía, así como un análisis de los conceptos teóricos de cotidianidad, realidad, sujeto e intimidad con el objeto de obtener una plataforma teórica desde la cual posibilitar la argumentación de la recolonización que, planteamos, se ha producido en la década de los noventa (y se sigue produciendo), tanto en los medios de comunicación como en el arte (fotográfico), de las emociones y del ámbito de la intimidad hacia una mercantilización, una espectacularización. También se pretende rastrear posibles causas de este fenómeno así como diversas estrategias que, tanto en la política cultural de exposiciones como en la obra particular de diversos artistas, que utilizan la fotografía como medio, fomentan esta banalización o, por el contrario, ayudan a potenciar un espíritu crítico. Para ello se lleva a cabo un análisis de exposiciones representativas de la década de los noventa respecto de estas temáticas, así como se analiza la obra de diversos artistas que trabajan sobre estas cuestiones.

Autor: LOZANO CHIARLONES ELISA MARÍA.
Año: 2004.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: Dep. Escultura.
Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.

Resumen: Esta tesis realiza un estudio sobre las continuas relaciones entre la creatividad y la espiritualidad. Así se demuestra que desde el siglo XX el arte se ha asemejado a las religiones de la experiencia o se ha visto directamente influido por ellas. Motivo por el que el arte se ha convertido en el medio a través del que los artistas tratan de buscar la razón de su existencia y la auténtica realidad del mundo. En esta búsqueda plástica y mística los artistas han dirigido su importancia hacia los procesos y las actitudes más que hacia las funciones estéticas o la experiencia visual de los objetos considerados arte. El molde, desde nuestro punto de vista es el eje fundamental que influye en la evolución del arte desde la prehistoria y que posibilita la creación de un arte del cuerpo auténticamente moderno y de su posterior evolución hacia el arte posmoderno. El estudio del molde del cuerpo y su técnica comienza a través de un recorrido por la historia desde los orígenes del arte hasta el siglo XX, y a partir del trabajo de escultores como Donatello o Rodin, fundamentales en el desarrollo de las capacidades creativas de las técnicas del vaciado sobre el cuerpo. Continúa la investigación con el análisis de la obra de algunos artistas del arte contemporáneo que han desarrollado su trabajo creativo a través de los moldes del cuerpo, como por ejemplo Marcel Duchamp, Bruce Nauman, Giuseppe Penone, George Segal y Antony Gormley, entre otros. En ellos el molde es fundamental como medio de búsqueda de la espiritualidad, y sigue siendo utilizado en muchas ocasiones como el lugar en el que se conserva la huella del cuerpo. De este modo el molde pasa a ser la obra en sí, y no como medio de reproducción. En concreto el molde como obra definitiva es para nosotros un punto de encuentro entre arte y espiritualidad donde se hace posible fundir el proceso plástico con un proceso vital de meditación, que crea, al mismo tiempo, una obra de arte y una modificación de la conciencia.

Autor: GÓMEZ GONZÁLEZ AMPARO.
Año: 2004.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: Dep. Escultura.
Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.

Resumen: En esta Tesis titulada: La luz como medio e instrumento en el discurso artístico contemporáneo. La vertiente española en los años 90 realizamos un trabajo de investigación, que gira entorno a las experiencias artísticas relacionadas con las obras que utilizan la luz en sus distintas formas de expresión. En principio, se hace una reflexión sobre la defmición de luz y la necesidad que tenemos de ella en todo acto de percepción. Posteriormente se hace alusión a la importancia de la evolución tecnológica en nuestros días y de sus consecuencias en el arte, ya que es imprescindible el conocimiento de estos datos, para comprender el uso que posteriormente se ha hecho de ellos en el ámbito artístico. Mediante un breve resumen se describe, tanto en España, como en el resto del mundo, las primeras manifestaciones de la luz en el arte, desde los orígenes más remotos hasta prácticamente mitad del siglo xx. En este punto hacemos otro resumen de lo que acontece hasta nuestros días ya que, a partir de los años cincuenta y sesenta, el arte relacionado con la luz sUITe un auge elevado, siendo numerosos los artistas que abandonan el hasta entonces inevitable concepto del arte como objeto, y se basan en el arte del" no-objeto ". En esta nueva práctica del arte, la luz como recurso artístico comienza a ser una práctica habitual, sobre todo en un grupo de artistas de la Costa Oeste de los EE. UD. que influirán directamente a todo el panorama artístico mundial, incluido por supuesto el español. El tema principal será el panorama artístico español de los años noventa, que dividiremos en dos partes. Una primera parte titulada: Investigación del medio. El campo experimental en la que se desarrolla un estudio de algunos grupos, que desde distintos ámbitos de instituciones españolas realizan un trabajo de investigación, en el que pretenden constatar la unión que se establece en nuestros días entre arte y tecnología. En este apartado hablaremos por tanto de unos grupos determinados.

Autor: GIMÉNEZ LORENTE ARACELI ENRIQUETA.
Año: 2004.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: Dep. Escultura.
Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.

Resumen: Como resumen tenemos una idea poética, qué es que el origen de la aiesthesi es nuestro propio origen. Qué el arte, en la doble vertiente ?de objeto? o ?de obra? es tan antigua como lo es nuestra especie humana. Es más, se podría decir que es patrimonio de la hominización, de cada una de las especies homínidas que nacieron en este planeta con una antigüedad conocida de tres millones de años hasta la actualidad. Que implica a especies homínidas comentadas como el Australopithecus africanus, el Homo erectus, el Homo heidelbergensi, el antecessor, el neanderthal y el Cromañón. Desde el primero acto humano, que fue el primer serendipity, encontrar un guijarro de río, y reconocerlo en el un rostro humano, haciéndolo así un objeto naturagénico , para ?a posteriori? hacerlo propio al asumirlo, cambiándolo del espacio físico natural al habitad humana; de ese primero aprendizaje a su enseñanza al clan y de la huella humana que no fosiliza; de esa primera empatía al sentir lo mismo cada uno de los Australopithecus africanus hace tres millones de años. Ese primer campo de resonancia mórfica de Rupert Sheldrake que abrirá un camino hacia el primer campo de sensibilidad escultórica de 230 milenios de la escultura de mujer neanderthal, y que llegará a desarrollarse en toda una gama de estilos de paleoescultures, desde las típicas Venus como la de Willendorf hasta otras de carácter ?moderno? como la de Dolní Vestonice. El campo de resonancia que generará una distorsión espacial y temporal en el campo de sensibilidad escultórica de la escultura contemporánea, traducida en convergencias, divergencias y analogías entre el pasado y el presente, como por ejemplo en les obres de N. Lang. Para poder entender los procesos creativos e incluso ?la dimensión creativa? hemos hablado de cinco líneas de pensamiento, que hemos dicho qué son líneas de pensamiento creativo, el pensamiento convergente, el pensamiento divergente, el pensamiento analógico, el pensamiento sintético, y el pensamiento transformador. El tema del museo es un punto de partida para analizar el concepto de obra extrapolado hacia un contexto diferente del suyo, y la diferencia que hay entre entender el museo como contenedores de otros espacios, como contenedores de otras temporalidades y como una síntesis de espacio tiempo. Y por último, los significados de las paleoescultures son diversos según diferentes autores, los cuales quedan completados con nuestro análisis.

Autor: GIL GARCIA YEVENES GRACIA.
Año: 2004.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: Dep. Escultura.
Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.

Resumen: La presente Tesis Doctoral observa y analiza la obra de tres artistas: Peter Eisenman, Angeles Marco y Bruce Nauman, un arquitecto y dos escultores. Su actividad profesional y su obra, correspondiente a dos ámbitos afines, se encuadran dentro de la Postmodernidad y la corriente de pensamiento de la Deconstrucción. El punto de partida de la investigación se basa en la idea de que si la Teoría de la Deconstrucción, defendía por un lado, la existencia de procedimientos que cuestionaran la tradición operando dentro de sus propios sistemas y por otro, la relatividad de la traducción única y absoluta, dentro de cualquier ámbito sociocultural y en efecto, era una corriente de pensamiento que daba lugar a un progreso cultural y filosófico, debía existir dentro de la diversidad de propuestas culturales y artísticas, un nexo oculto que fuese común a las mismas y no fuese incompatible con presencias materiales distintas. Partiendo de esta premisa conceptual, el presente trabajo de investigación ha consistido en primer lugar, en la selección de tres personalidades dentro del arte, cuya obra se encuadra en ámbitos afines y no mantiene ninguna relación de proximidad estética, por lo que las obras se encuadran dentro de planteamientos diversos. En esta Tesis Doctoral, hemos tratado de observar y analizar sus obras, para entresacar su trama conceptual y constructiva oculta. Es decir, hemos partido de datos visuales relacionados con la forma, la estructura, la organización y los referentes para adentrarnos en la trama oculta de sus procesos creativos y los conceptos que ellos han generado, intentando relacionar y observar las teorías de pensamiento a las que se acogen, a partir de los niveles propiamente artísticos y no a la inversa. Lo que pretendemos demostrar es como a través de obras divergentes, el pensamiento toma forma y genera forma precisamente a través de un modo de construir, cualificando de una manera nueva, diversas categorías y valores tradicionales dentro de unos sistemas de representación históricos. En consecuencia, el pensar deconstructivo por así decir, manifiesta convergencias que se reflejan en una manera de actuar creativa segun unas claves previas inscritas en la propia tradición, en los propios sistemas y da lugar a diversas claves que tienen el común denominador de crear unas tipologías formales, estructurales y espaciales semejantes en tres proyectos artísticos divergentes.

Autor: ZALAYA BÁEZ RICARDO .
Año: 2004.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: Dep. Matematica Aplicada.
Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.

Resumen: El objetivo principal de esta tesis doctoral es estudiar el tipo de Arte que hemos denominado "Escultura Matemática", y clasificar ésta de forma tan exhaustiva y completa como sea posible. No existe en la literatura científica ningún estudio que haya conseguido clasificar desde el punto de vista matemático este tipo de escultura. Esto nos llevó a elegir el desarrollo de esta taxonomía como objetivo fundamental de esta investigación. Además, ello le confiere la característica de innovación que se exige a todas las tesis doctorales. Empezamos por investigar de forma general los antecedentes históricos de las relaciones entre las Matemáticas y el Arte, y en particular entre la Escultura y las Matemáticas. Para lograrlo hemos efectuado un análisis histórico sistemático. A continuación y para desarrollar la taxonomía de un conjunto de elementos el primer paso es definir los objetos que se incluyen. Para este fin hemos tenido que definir el término,"Escultura Matemática". Pertenecen a esta tipología todos aquellos trabajos escultóricos en los que en su concepción, diseño, desarrollo o ejecución resulta necesaria la utilización de las Matemáticas. Estas características pueden variar desde las relacionadas con la geometría más sencilla, hasta la geometría no euclidiana o la topología más compleja. Por otro lado, creemos que el mejor criterio para realizar una estructura de la clasificación de la Escultura Matemática será plantear como grupos principales, diferentes áreas de las Matemáticas, y subdividir éstos, a su vez, según los conceptos matemáticos más importantes utilizados en los diferentes tipos de diseño de obras escultóricas. Los grupos principales que hemos establecido son: Escultura Geométrica, Escultura con Conceptos de Cálculo, Escultura con Conceptos de Álgebra, Escultura Topológica y Escultura con Conceptos Matemáticos Varios. El principal interés de esta investigación es ayudar a formalizar el estudio de la Escultura Matemática, lo que creemos que fomentará su inclusión en la enseñanza universitaria, bien como una asignatura independiente, o bien como una parte o un tema dentro de las asignaturas que traten las relaciones entre las Matemáticas y el Arte.

Autor: REGUILON MARTIN M. JESUS.
Año: 2003.
Universidad: PAIS VASCO.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES .
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: El estudio de la obra de Richard Deacon y de Anish Kapoor busca comprender la dinámica de su producción y como las obras se relacionan con el espacio expositivo. Este estudio de relaciones entre objeto y espacio expositivo se lleva a cabo también con nuestra producción.

Autor: MORENO ESPINA MANUEL.
Año: 2003.
Universidad: SEVILLA.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: En este trabajo de investigación se estudian las posibilidades de una serie de piedras, habitualmente explotadas para la producción de áridos, entre otros mercados, que son o han sido, por tradición o condicionantes petrográficos, poco o nada empleadas en el campo de la representación plástico-escultórica. se han investigado 10 piedras del conjunto de la provincia de Huelva, atendiendo a su clasificación geológica y condicionantes de obtención. las piedras seleccionadas han sido las siguientes: riolita, toba volcánica, diabasa, gossan, jaspe, grauwacka, calcarenita, pizarra, pencatita y mármol de Aroche. La metodología utilizada se ha basado en: a) el estudio de los antecedentes escultóricos hallados en la provincia de Huelva a lo largo de la historia. b) El estudio petrográfico de las rocas a través de investigaciones realizadas con el microscopio electrónico de barrido con espectrómetro de dispersión de energía (SEM) y el microscopio de luz transmitida. c) El análisis y estudio de las distintas herramientas mecánicas y accesorios en conjunción con la técnica y concepto de talla escultórica que se desarrolla. d) además, se analizan una serie de elementos perceptuales que intervienen en la lectura visual y conceptual de la obra escultórica, siendo estos: luz y color, forma y volumen y espacio. Los resultados obtenidos demuestran que estos tipos de piedras pueden ser susceptibles de ser empleadas en la práctica escultórica con excelente resultados en muchas de las mismas, mientras que en otras, las posibilidades de utilización quedan restringidas bien por sus características físico-mecánicas, petrográficas o plásticas.

Autor: BARRIONUEVO PEREZ RAQUEL.
Año: 2003.
Universidad: SEVILLA.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE LA UNIVERSIDAD DE SEVILLA.

Resumen: En las últimas décadas se han llevado a cabo investigaciones sobre temas de género, quedando un poco desfavorecidos los estudios sobre la mujer en el arte, especialmente en lo que respecta a la labor realizada en nuestro país, los encaminados a desvelar la imagen de la mujer como sujeto activo en el mismo. y por último, los centrados en las escultoras. Este trabajo pretende contribuir a esclarecer y documentar esa parcela poco o nada trabajada. 1. Objetivos A) Objetivo General Poner de relieve aquellos motivos que han impedido a las artistas a lo largo de la Historia desarrollar su carrera profesional, analizando las causas que han propiciado la escasez de escultoras, así como los recursos empleados por las mismas para salvar tales obstáculos. Tratar así mismo de mostrar el trabajo realizado por las escultoras en España, así como las aportaciones de las mismas en este campo de investigación. B) Objetivos específicos ·Revelar el grado de condicionamiento al que la mujer ha estado sometida a lo largo de la historia y como esto ha influido en su posicionamiento dentro del mundo de la escultura. · Exponer aquellos mecanismos que han sido utilizados para mantener a las artistas al margen de los puestos artísticos de decisión. · Mostrar los factores que han condicionado la creación de las escultoras, dentro del mundo del arte y de la escultura. · Reflexionar sobre el papel secundario tradicionalmente asignado a la mujer en el ámbito de la escultura, y mostrar los ejemplos de escultoras que han conseguido desarrollar su obra y ser conocidas 2. Metodología Esta investigación toma como punto de partida la hipótesis de que es al principio del siglo XX cuando surge de forma generalizada y definitiva el concepto de mujer escultora. Comienza mostrando diferentes mecanismos utilizados a lo largo de la historia, para obstaculizar el acceso de la mujer a los puestos artísticos de decisión y cómo algunas lograron superarlo. Posteriormente, se han abordado los problemas que a lo largo de los siglos han afectado a aquellas mujeres que han querido dedicarse a la escultura y que les han impedido crecer como colectivo hasta la llegada del siglo XX. En esta segunda fase del trabajo, se ha realizado una aproximación al tema de la plástica tridimensional y sus creadoras en nuestro país. Se ha sacado a la luz una amplia lista de nombres femeninos Se ha seguido como criterio para seleccionar a las escultoras estudiadas, ell que hayan desarrollado una auténtica trayectoria creativa a lo largo de toda su vida. Con respecto al espacio temporal, abarca un periodo que incluye las primeras nueve décadas de creación escultórica en nuestro país Ésta no es una investigación propiamente histórica. Tampoco es un trabajo que se haya realizado siguiendo una metodología feminista. Asimismo, este estudio no se plantea como un glosario de cuantas escultoras han sido y por tanto no pretende mostrar una lista completa, sino una selección. Con el desarrollo de esta investigación no se ha pretendido extraer un conjunto de cualidades y características comunes a todas las escultoras españolas dentro del siglo XX, ni siquiera dentro de cada década. En cambio, se ha aspirado a clasificarlas, dentro de unos límites temporales. 3. Conclusiones Las conclusiones obtenidas tras el trabajo de investigación desarrollado a lo largo de esta tesis podemos resumirlas en: ·a) Mecanismos de marginación artística femenina El que apenas conozcamos mujeres artistas de otros periodos históricos se debe a que sus nombres se han ido desdibujado y sus trabajos se han infravalorado por medio de una serie de mecanismos. b) Causas que favorecieron la escasez de escultoras. Igualmente se identifican una serie de mecanismos de marginación artística específicos del campo de la escultura c) Factores que han condicionado la producción artística de las escultoras.. Se identifican aquellos factores que han conducido la trayectoria artística de las escultoras d) Status de la escultora a principios del S. XX. Se pone de manifiesto la situación de las escultoras, al inicio del momento en el que se produce el cambio, la transición, que llevará a una nueva situación de las mismas. e) Factores que condicionan a las escultoras y su producción en EspañaSe muestra una breve trayectoria histórica de cambio del papel de la mujer escultora a lo largo del S XX en España identificando los principales factores que condicionan su creaciónf) Aportaciones de las escultoras en EspañaCon propuestas innovadoras, las escultoras van a participar en la evolución que experimenta la escultura en nuestro país. Se van a destacar una serie de elementos que representan las principales aportaciones de la mujer al mundo de la escultura

Autor: NOVEGIL GONZALEZ ANLEO XOAN MANUEL.
Año: 2003.
Universidad: CASTILLA-LA MANCHA.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE CUENCA.

Resumen: FLUXUS COMO UNA ENTIDAD TRANSNACIONAL, UNA ASOCIACION NO ESTABLE PROCEDENTE DE DIFERENTES PUNTOS GEOGRAFICOS: POSICION DE MESTIZAJE, DE HIBRIDO, QUE CAMBIARA EL CONCEPTO DE LA PALABRA MUSICA POR LO SONORO. LA MAYORIA DE LAS VECES EL FENOMENO VISUAL Y ACUSTICO CONSTITUIAN SIMULTANEAMENTE UN ACONTECIMIENTO UNICO, POR LO QUE EL EFECTO VISUAL NO DEBE SER DISOCIADO. LA PERCEPCION NO CORRESPONDE A PARAMETROS TRADICIONALES AISLADOS DE LO VISUAL, LA SINESTESIA SERA UNA DE LAS CLAVES, UNA REIVINDICACION DE PERCIBIR LA OBRA CON MAS SENTIDOS QUE EL PURAMENTE VISUAL. FLUXUS PONE EN EVIDENCIA LA COMPLEJIDAD EXTRA-AURAL AL CONSIDERAR QUE EL SONIDO NO PUEDE SER EL UNICO ELEMENTO A LA HORA DE DETERMINAR LO QUE ES MUSICA. FETICHISMO, ADORACION Y DESTRUCCION CONSTITUYEN EL INTENTO DE BUSCAR UN SONIDO NUEVO QUE RESULTA DE LA DESTRUCCION QUE PROYECTE LOS REGISTROS EXPRESIVOS DEL INSTRUMENTO. DE IGUAL FORMA, CUALQUIER OBJETO ES SUSCEPTIBLE DE EMITIR UN SONIDO.

Autor: JUANPERE HUGUET SALVADOR.
Año: 2003.
Universidad: BARCELONA .
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAT DE BELLES ARTS.

Autor: ROMERO GOMEZ JOSE FRANCISCO.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: Dep. Escultura.
Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.

Resumen: Desde que los museos de arte revisaron sus objetivos e incluyeron el de la difusión y comunicación de las obras que exponían como uno de ellos, hasta la actualidad; ha pasado el tiempo suficiente como para que en gran parte de ellos se consoliden las áreas didácticas y de comunicación, áreas que programan las actividades pedagógicas dirigidas a todos los públicos. En principio, el público potencial mayoritario está constituido por los niños y jóvenes de educación pre universitaria, por lo que las estrategias pedagógicas de los museos se dirige hacia los profesores con los que organiza las visitas guiadas, los talleres y los encuentros específicos. Por otro lado, debido a las necesidades políticas y sociales de lograr la mayor difusión y publicidad de sus actividades, la mayor parte de los museos cuentan con unos programas de comunicación bastantes complejos que incluyen la difusión de los contenidos de sus exposiciones temporales y permanentes dirigidas a todos los públicos. Desde las "Asociaciones de amigos" hasta los colectivos de discapacitados, todos encuentran un tiempo y a veces un espacio que se les dedica para completar su formación. Las visitas - conferencia guiadas, en las que un mediador explica al público los contenidos de las exposiciones en las salas que estas ocupan , es una de las actividades más demandadas de las que se programan regularmente por la institución, debido a la importancia adquirida por el carácter educativo del museo tras la segunda guerra mundial. El trabajo que aquí se expone, es un estudio realizado en el que a partir del análisis sobre la estructura educativa de los museos y de su organización interna se cuestiona los contenidos expuestos en las visitas-conferencia que transitan las exposiciones; ya que normalmente, los equipos del área pedagógica marcan los contenidos de estas charlas ofreciendo al conferenciante una documentación consistente en los textos del catálogo.

Autor: SIMÓ MULET ANTONI.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: Dep. Escultura .
Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.

Resumen: El trabajo de la tesis trata de manera transversal la posibilidad de una lectura histórica del procedimiento del montaje a través de la producción artística de dos artistas históricos de la vanguardia clásica como son Alexander Rodchenko y John Heartfield. El análisis sitúa el orígen de la conceptualización del montaje como práctica artística en el periodo decisivo para el arte del siglo XX, y por extensión del contemporáneo, en las vanguardias de entreguerra de los años veinte y treinta. En este periodo es dónde se sientan las bases para la práctica del arte del montaje. Los avatares históricos, políticos y sociales determinan de alguna manera el nacimiento de una concepción visual y perceptiva que rompe con el anterior modelo artístico, visual y perceptivo basado en la obra de arte como ventana abierta al mundo, conceptualizada según el modelo euclidiano del renacimiento. Este nuevo modelo que podríamos nombrar procedimiento del montaje se basa en parte en la apropiación del lenguaje técnico, científico e industrial de la nueva sociedad moderna que nace de la primera industrialización. Así como también, en la adequación de los mecanismos utilizados en el proceso de fabricación en cadena ?és a decir, en la cadena de montaje fordiana? a los principios formales y estéticos del arte. Estos mecanismos como el montaje de fragmentos, la yuxtaposición de realidades dispares, el corte visual de la realidad cosmopolita y la recomposición collagista del arte, forman parte del vocabulario esencial de la producción artística de Rodchenko y Heartfield. El estudio también se amplia en los movimientos del cubismo y el collage como una de las primeras fuentes del montaje. Asimismo, trata también de los sucesivos movimientos artísticos del siglo XX que han heredado estas prácticas como por ejemplo el assemblage o el montaje literario y fílmico.

Autor: LLAVERIA ARASA PEDRO.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: Dep. Escultura.
Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.

Resumen: Este trabajo trata sobre los cambios producidos en la consideración de la escultura para los espacios exteriores, el espacio construido y las interrelaciones entre ellos. Tres conceptos fundamentan y estructuran la tesis: El primero es la noción de lugar, como un espacio concreto que representa algún tipo de significación identitaria. El segundo es la obra de arte en los espacios exteriores, en particular, lo que tradicionalmente identificamos con la escultura monumental de tipo conmemorativo; y, por último, la noción de no lugar como una de las figuras, unas veces integradas en el diseño urbano y otras veces como espacios residuales de las nuevas formas del urbanismo contemporáneo. Para ello hemos visto la necesidad de indagar en el conocimiento y evolución del espacio construido o transformado por la acción humana y más en concreto del espacio público en relación a la escultura. Hemos considerado la plaza pública, en un sentido amplio, como el paradigma de lugar. Y a la escultura monumental, como una clase de arte que ha contemplado la relación entre lo ciudadano y lo simbólico y que ha representado desde siempre una vinculación privilegiada entre la dimensión creativa del artista y los procesos de legitimación y de asentamiento del poder, convirtiéndose en un indicativo de la evolución en los gustos y en la sensibilidad de cada sociedad y de cada época. Para entender la complejidad que actualmente encierra esta relación es preciso comprender como ha evolucionado el espacio público y la escultura, cual ha sido su estatuto, sobretodo en sus rasgos más sobresalientes, a lo largo de los periodos que guardan una relación más significativa con la deriva que en el momento presente ha tomado el arte en el urbanismo. La percepción del lugar da forma y estructura al espacio y a la evolución del sentimiento comunitario desde los primitivos asentamientos humanos, hasta los espacios temáticos y de ocio actuales, pasando por las actuales metrópolis.

Autor: CANO CASTILLA GONZALO.
Año: 2003.
Universidad: GRANADA .
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: En este trabajo se ha recopilado la vida y la obra de Aurelio López Azaustre, importante escultor e imaginero granadino con repercusiones en el panorama artístico nacional de este último S.XX. Este estudio no puede ser, ni lo pretende, una biografía absoluta sobre la vida y obra de Aurelio López Azaustre, ni tan siquiera, a pesar de ser, fundamentalmente, un trabajo catalográfico y biográfico, meticuloso y exhaustivo, se puede presentar como una obra definitiva, cerrada, pues permite, dada la cercania de los acontecimiento y la dificultad para localizar algunas de sus obras, que sea completada en lo sucesivo. La amplia documentación escrita consultada, de la que se adjunta una interesante selección (Tomo II), constituye los ejes fundamentales de la biografía, reforzada por la visión que de la misma da el catalogo de sus obras, que no deja de ser, en si mismo, la mas clara biografia profesional y artística de su autor y que se completa con un anexo a este catalogo que recoge obras escultóricas de las que se tienen datos fiables, pero qu eno ha sido posible, por el momento, su localización. El trabajo concluye con un catalogo de obras escultoricas restauradas por el protagonista de este estudio y otro que recopila algunos de sus dibujos. Este trabajo constituye el estudio más completo existente hasta la fecha, que recoge estas informaciones y las saca a la luz, juntas por primera vez, ordenadas cronológicamente, vertebrando un discurso coherente, que pretende reconstruir los aspectos más objetivos de la vida del escultor, con el mayor vigor científico.

Autor: ALVARADO SANCHEZ DAVID IGNACIO.
Año: 2003.
Universidad: GRANADA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: F. BELLAS ARTES.

Resumen: En este trabajo se ha recopilado la vida y la obra de Antonio Oteiza Embil. En ella se hace un recorrido biográfico y artístico de su obra como también una catalogación y análisis de su escultura. Este artísta de origen vasco, sacerdote capuchino y misionero es uno de los herederos y protagonistas de las corrientes artísticas del S. XX. Sus aportaciones en los cambios estéticos del a imaginaria religiosa han sido muy importantes. Posee una vasca cultura adquirida en sus multiples viajes por el continente americano, en las que ha escrito varios libros como por ejemplo: "Aventureros sin equipaje por el Amazonas", "Abuna (la aventura de los rios americanos)", "Las Islas Galapagos y el hombre".. A sus 77 años sigue creando esculturas con su estilo inconfundibles expresionista y con la maestría que da el ser un artista autodidactica. A esta tesis se la ha añadido un apendice que consta de 4 tomos, en los que se recoge la información fundamental, que ha servido para la elaboración de la misma.

Autor: PRADA BLAS ROCÍO PILAR DE.
Año: 2003.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Tesis doctoral que indaga en los principios fundamentales de la creación mítica y escultórica en un recorrido atemporal hacia los orígenes y esencia del ser humano: de sus sistemas de valoración y de creencias, de sus actividades artísticas, consideraciones estéticas, etc. La búqueda de las necesidades básicas permanentes, presente en todas las culturas en todos los tiempos, presenta la mentalidad creadora de mitos como origen de toda forma de conocimietno posterior. Las consideraciones míticas se presentan no sólo como origen sino como una forma presente a pesar del proceso de desmitificación y de racionalización ocurridos. Su permanencia hace pensar en la actividad mítica como satisfacción de una necesidad que, en conjunto con el desarrollo de actividades artísticas, componen y sustentan los recursos espirituales del hombre en relación consigo mismo, con la comunidad y con el entorno. Dentro de estos recursos básicos fundamentales se resalta la importancia del proceso de selección como el acto primario del cual deriva toda la actividad posterior de dar significación y sentido a aquellos asuntos que en principio carecerían de él. De acuerdo con estos estudios, se investigan los fundamentos escultóricos que coinciden con los principios de la mentalidad creadora de mitos como derivados de un acto hierofánico.

Autor: DÍEZ DE ULZURRUN ROZPIDE JOSÉ LUIS.
Año: 2003.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Delinea históricamente la situación y definición de la escultura en la era moderna y analiza los cambios que ha sufrido el paradigma escultórico en tres aspectos: * La naturaleza del trabajo escultórico. * La forma en que se exhibe. * La manera en que es contemplado por el público. Se hace especial hincapié en el impacto del minimalismo como movimiento ctalizador del colapso de las ideas preestablecidas y como de alguna manera la escultura minimalista pone en evidencia la posibilidad que tiene el arte de transformar su condición de objeto en experiencia y con ello relgamentar el tipo de relación que puede etablecer entre la obra y el observador-receptor.

Autor: VALERO MOLINA JOAN.
Año: 2003.
Universidad: AUTONOMA DE BARCELONA.
Centro de lectura: FILOSOFÍA Y LETRAS.
Centro de realización: ESCUELA DE POSTGRADO.

Resumen: Cuando a finales del siglo XIV llega a la Corona de Aragón el estilo gótico internacional, procedente del norte de Francia, surge una generación de escultores catalanes de gran nivel, al abrigo de la cual va a comenzar a formarse un jovencísimo Pere Oller. Las aptitudes que éste demuestra enseguida, demostradas a partir de un sueldo que va creciendo hasta equipararle al de artífices de segunda fila, cuando apenas contaría con 11 años, demuestra la importancia que tiene el conocimiento del contexto artístico que le reodeaba, y obliga a considerar con especial atención a las dos grandes figuras que le precedieron: Pere Sanglada y Antoni Canet. A pesar que el primero fue maestro de Olleral menos durante cuatro años, las notables diferencias estilísticas que les separan obligan a considerar la posibilidad de una segunda influencia más tardía (en la época de adolescencia de Oller), y quizás por esta razón más intensa, que podría personalizarse en la figura de canet, a tenor de las conexiones que se evidencian entre éste y las obras que posteriormente realizaría Oller. La personalidad artística de Pere Oller, muy característica y relativamente fácil de reconocer, es sin embargo el producto de un conjunto muy heterogéneo de influencias de procedencias muy diversas. A parte de las recibidas por los escultores anteriormente mencionados, se constata el gran peso específico ejercido por la pintura barcelonesa de finales del siglo XIV, especialmente la del taller de Pere Serra, claramente visible en numerosas esenas de la obra magna de Oller, el retablo mayor de la catedral de Vic. Junto a estos vínculos a la tradición trecentista previa al gótico internacional, tamibén se constata puntualmente la adopción de modelos mucho más avanzados, para alguno de los cuales no parece conocerse parangón en la Corona, remitiéndonos directamente al arte parisino. En cuanto a la escultura funeraria, de la que se ha conservado diversas obras documentadas o atribuibles a Ollero o a su taller, destacan también algunas peculiaridades que los diferencian del resto de escultores de su época y entorno. La tumba del cardenal Berenguer d'Anglesola, por ejemplo, sigue una particular tipología estructural que parece conducirnos hacia tierras nórdicas entre Tournai y el Mosa. Otras cuestión importante radica en el modo con que representa las efigies yacentes, con los vestidos cayendo por la fuerza de la gravedad. Tradicionalmente se ha considerado ésta como una característica de origen borgoñón, pero puede demostrarse que se encuentra ya en tumbas anteriores a esta corriente, especialmente en la zona parisina. Esto obliga a reconsiderar el supuesto peso de la escuela borgoñona o sluteriana en la Corona, ya que a pesar de que en numerosas ocasiones se haya usado este término para adjetivar obras de Oller, Canet, u otros maestros coetáneos, en realidad puede afirmarse que la influencia de esta tendencia será mucho más tardía y de carácter más episódico. Otro aspecto estudiado ha sido la relación del escultor con sus clientes, alguno de ellos muy destacado dentro del campo de la promoción. Sin duda, miembro de una familia muy proclive a la promoción artística. Bernat Despujol costeó el retablo mayor de la catedral de Vic, una obra que llevó al escultor a dedicarle ocho años, además del sepulcro y de otras obras menores. Otra personalidad importante es la de Sança Ximenis de Cabrera, una aristócrata que se ocupó de ocmpletar la decoración y mobiliario litúrgico de la capilla que poseía en la catedral de Barcelona: entre estas obras, un sepulcro que es, por el momento, la última obra documentada a Pere Oller.

Autor: SPINOLA ELIAS YOLANDA.
Año: 2003.
Universidad: SEVILLA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Analiza y estudia cómo y en qué momento comienza a tener consideración la estructura en la formra artística tridimensional, cómo es y qué repercursiones tiene en la materialización de la misma a través del hecho constructivo. Principalmente desde el arte contemporaneo, desarrolla esquemas de los procesos cognitivos de la formación de la forma así como de los tipos de estructuras físicas y los factores que le afectan. Se completa con un apéndice bibliográfico en un segundo volumen.