ESCULTURA, 2

Autor: VIVAS CIARRUSTA ISUSKO.
Año: 2003.
Universidad: PAIS VASCO.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Con la presente tesis doctoral pretendemos escrutar y poner en relieve el límite entre la escultura y el mobiliario urbano. Nuestro objetivo consiste en establecer unas pautas teóricas precisas para la apreciación y comprensión e ciertos fenómenos estéticos en torno a la concepción del mobiliario urbano sobre todo a partir del último tercio del siglo XX, el cual se relaciona con la objetualización de la escultura propiciada a raí de las vanguardias históricas y en sintonía con el modo de entender la aplicación sincrética de los postulados artísticos en el diseño e uso funcional preferente. Nuestra hipótesis principal se basa por lo tanto en la corrobación e la existencia de esta deriva o deslizamiento que imprime reminiscencias escultóricas al mobiliario urbano, cristalizándose en un territorio liminal, interticial e intermedio en el que palpan las sinergias entre la escultura pública y la arquitectura a escala mínima (microarquitectura), revirtiendo en el desarrollo del mobiliario urbano que interviene a nivel de detalle en la regeneración y rehabilitación de los espacios públicos urbanos de las ciudades. Sobre estos conceptos de ciudad, arquitectura, espacio público urbano, escultura pública y mobiliario urbano bascula el hábeas metodológico que hemos propuesto, implicándonos para ello en un escenario urbano concreto y localizado que constituye la ciudad de Bilbao, importante foco de atención por la evolución histórica y los trascendentales procesos de rediseño urbano y transformación que se están sucediendo en dicha ciudad caracterizada por su dimensión postindustrial. Es vital la relevancia de la traza urbana que se manifiesta en Bilbao -al igual que en otras ciudades que se citan, como Barcelona o Berlín-, en un modelo territorial que atiende a una planificación urbanística determinada, condicionada por los rasgos geográficos configuradores como la presencia de la Ría. Esa traza urbana junto con el planeamiento y las redes de comunicación y tránsito teje, en confluencia con la arquitectura, las escenografías de lo urbano materilizadas en los espacios públicos donde las permanencias monumentales y persistencias simbólicas- la presencia de la arquitectura o la escultura pública con valor de monumento- han e compartir en postmodernidad un complejo espacio-territorio conceptualmente cada vez más complejo y físicamente más indefinido con elementos singulares de mobiliario urbano, reminiscentes de excrecencias pseudomonumentales y/o escultóricas.

Autor: REY CRESPO SUSANA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: "El arte en el metro" es un tema apasionante que, pensamos, no ha sido hasta el momento suficientemente abordado, quizás porque no se ha visto con claridad necesaria su especificidad y sus posibilidades (lo hemos entendido como un espacio experimental, un amplio laboratorio de pruebas sobre el cual arrojar luz). Con este texto pretendemos cubrir ese vacío teórico en la medida de los posible. Inscribimos el trabajo aquí presentado, -ARTE EN EL METRO DE LISBOA, UN PUNTO DE PARTIDA PARA UN RECORRIDO SINGULAR POR EL ESPACIO-TIEMPO SUBTERRÁNEO-, en un trayecto, hasta cierto punto "incierto", por los túneles del metro. La principal aportación que hemos querido hacer con este texto es la siguiente: A raíz del estudio de un metro concreto sometido a análisis -EL METRO DE LISBOA- como punto de arranque de cara a nuestra particular indagación, hemos querido buscar las características y condiciones singulares que un espacio como este ofrece para que ahí se lleve a cabo la experiencia artística, de manera que, aplicando un método inductivo, esto es, trabajando desde lo concreto hacia lo general, lográsemos alcanzar conclusiones válidas y extensibles a todos los metros. En 1863, la North Metropolitan Railway inauguraba en Londres la primera línea de Metro. En ese mismo instante, cientos de desconfiados ciudadanos británicos podían estar preguntándose para qué un transporte que, además de oscuro, frío e inhumano, agujereaba el suelo de su ciudad y absorbía a los urbanitas hacia las profundidades de la tierra. Así comenzamos la introducción de este estudio. Igual que aquellos valerosos pioneros de la "cueva urbana", nosotros hemos bajado también el túnel armados con la voluntad espeleológica que se requiere, y nos hemos hecho la primera pregunta: ¿Que hace el arte bajo tierra? Al hilo de un espacio singular en el marco del arte público, han surgido nuevos interrogantes: ¿Cuáles son las condiciones y aspectos específicos de un espacio como este? ¿Qué criterios o políticas artísticas, si las hubiere, rigen este enclave? Y en consecuencia, ¿qué tendencias artísticas ..o, mejor, bajo que "formas" se instala el arte en el subsuelo? ¿Qué relaciones mantiene el metro con la ciudad?, ¿y el arte con la arquitectura? Estas y otras muchas de diferente índole, fueron las incógnitas que nos acompañaron durante todo el recorrido, configurando metas y marcando direcciones que, con el tiempo, habrían de despejar numerosas dudas. Finalmente, ¿qué arte proponemos para un espectador en tránsito? Pensamos que unida a esta última cuestión reposa, en buena medida, una de las claves para el estudio del metro como un todo global, un microcosmos multicolor como lo definíamos en alguna parte, teniendo en cuenta que el factor tiempo determina todas las relaciones que se puedan dar en un espacio como este. En algún momento del texto reflexionábamos en ese sentido de la siguiente manera: Si el espectador contemporáneo es ya de por sí el portador de una mirada apurada además de ansiosa, inconsciente, homogénea y vacua, el espectador-pasajero del transporte urbano de masas más rápido y eficaz hasta el momento, el metro, es por partida doble el que recibe la velocidad de la velocidad de las cosas.

Autor: RESÉNDIZ GONZÁLEZ JAIME ALBERTO.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Esta investigación, nace de la necesidad de experimentar con el papel como materia prima para generar diseño, desde el ejercicio profesional y la especialidad Envases y embalaje, con papel y cartón, de diseño gráfico. Se exponen los conocimientos acordes para establecer una serie de acciones, donde los resultados de la proyección se manifiestan en principios que fundamentan el diseño y su aplicación en productos, estructuras y sistemas objetuales o no objetuales. Ello permite analizar, describir, observar, verificar, explicar y concluir productos que antes no existían. El conocimiento y manejo del papel, permite visualizar otros horizontes para la solución de problemas prácticos de diseño gráfico de manera efectiva, estética y creativa, tanto en el terreno bidimensional como en el tridimensional. Se desarrolla una estrategia proyectual para el diseño instruciconal de la Escultura en papel, y se presentan obras con la temática del proyecto disciplinar conectando una utilidad cognoscitiva que tiende un puente entre conocimiento y proyecto. La investigación, verificación de hechos, y los temas presentados en cada una de las obras que ilustran la tesis, tienen como propósito satisfacer una exigencia didáctica. En este planteamiento se desarrollan experiencias concretas tanto en la fase técnica, como en el proyecto, aplicando una tecnología alternativa, donde se da el conocimiento del perfil tecnológico en que se reproducirá el sistema de productos a diseñar; un diseño acorde a las necesidades reales y específicas que incluye el manejo de técnicas de expresión y de representación, así como pruebas para precisar cómo debe ser el sistema de productos a detallar, alcanzando un modelo que permita genera conocimientos, donde la fluidez y resonancia, logran establecer la "actitud" de seguir buscando caminos que desarrollen las "aptitudes" del ser humano, y que estas no sigan siendo arrastradas por la tecnología, ni falsos paradigmas. Esta investigación estudia fundamentaciones teóricas y prácticas en las que se ha considerado la tendencia interdisciplinaria alejándose d emetodologías funcionalista su obsoletas sin bases suficientes; es aquí donde el método de investigación se construye a partir de una inter-relación entre naturaleza y objeto y las expectivas del proyecto todo lo cual es deliberadamente contextual y relativizador de sus propias condiciones de posibilidad. En el terreno de la comunicación se precisa atender a los "sentidos potenciales" que optimicen la búsqueda de la información puntual, donde la creatividad, va de la mano con el desarrollo; sin perder la capacidad reflexiva y de asombro.

Autor: ORTEGA PÉREZ IRMA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: El principal objetivo de este trabajo consiste en estudiar la relación "Poética del objeto cotidiano" en la escultura contemporánea. Para ello, la investigación se divide en tres apartados. El primer capítulo realiza un estudio teórico del objeto, concretando sus orígenes, clasificación y concepto de poética (imaginación, mundo imaginario, imagen poética..), desde una aproximación a lo cotidiano. El segundo capítulo repasa corrientes artísticas del siglo XX (Dadaísmo, Surrealismo, Neodadá, Arte Pop y Nuevo Realismo Francés), ilustrando la inclusión del objeto cotidiano dentro del mundo del arte contemporáneo; hasta considerarlo obra de arte. Joseph Beuys y Joan Brossa completan el ejemplo de artistas independientes que incluyen el objeto en su obra de forma recurrente. El tercer capítulo presenta una propueta escultórica personal: "Poesía de los Cotidiano". Una serie de 19 obras, principalmente en piedra, en las que la alcantarilla de la Ciudad de México se mezcla con objetos cotidianos, o transforma su apariencia habitual; creando un mundo poético como alternativa al a situación real de los "Niños de la calle" que habitan en su interior. Además, se establece una comparación de la propuesta con las obras de los artistas estudiados.

Autor: VILLAR QUIÑONES PEDRO DEL.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: Nuestro interés por identificar, predisponer y orientar las actitudes y las aptitudes necesarias para la producción escultórica nos ha llevado a realizar una interpretación global del proceso de creación en escultura, abordado des una perspectiva contemplativa y formativa, con dos perfiles: el teórico y el práctico, considerando la construcción de un sistema metodológico conformado por cuatro fases, no necesariamente consecutivas: sensibilidad, apreciación, creatividad y expresión. En donde el perfil, teórico correspondería a las dos primeras fases y el práctico se referiría a las dos últimas. El estudio de este sistema tiene como propósito proporcionar elementos que intenten habilitar las capacidades requeridas para el desarrollo y la práctica del arte dentro de un proceso, siempre con un sentido reflexivo, experimental y de exploración. De este modo, las experiencias creativas se desarrollan en la práctica, paralelas a la elaboración de los contenidos artísticos, en una propuesta programática que contiene lineamientos para el diseño de estrategias y ejercicios, con los cuales amplaira cada una de las fases de nuestra propuesta de interpretación, particularmente de la creatividad, apoyándose en las experiencias estética y conceptual, y concretándose en la configuración de una totalidad artística de ideas y materiales. Durante el desarrollo interpretativo, nuestros resultados se constatan al seno del arte en su historia contemporánea, y con un análisis comparativo de dos estudios de campo, uno de ellos, acerca de métodos de creación en escultores actuales, y el otro, sobre el papel de la creatividad y sus factores en la enseñanza artística con operativas aportaciones de expertos en el tema.

Autor: CREMADES JUAN MIGUEL ANGEL.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: Este trabajo pone de relieve la relación que la escultura ha mentenido con la fotografía desde su nacimiento hasta el período de las primeras vanguardias artísticas del siglo XX. Con esta finalidad, destacamos las poéticas de la experimentación llevada a término por sus autores en la creación de la obra artística. Aunque en un primer momento ésta relación fue fruto de un acercamiento práctico y, mientras que la fotografía comenzaba a tomar conciencia de sí misma y a ser considerada como arte, hubo escultores que encontraron en ella un medio idóneo para aportar nuevos sentidos a sus creaciones. Fue en el entorno vanguardista cuando la escultura acrecentó su interés por el hecho fotográfico, pues de sus planteamientos y representaciones surgieron múltiples aportaciones entre ambas disciplinas, dando como resultado un equilibrio de coherencias estéticas hasta entonces desconocidas. En ésta investigación se destaca que, como resultado de esta relación simbiótica, se ha ampliado el campo expresivo de la escultura y su lenguaje, y a su vez los de la fotografía. Alguna de las peculiaridades que se tratan están relacionadas con el formalismo, la fotoescultura, el fotodinamismo, la imagen y el objeto descontextualizado, la escultura cubista y dadaísta, el fotograma, la escultura de viaje, o el proyecto constructivista. También se estructuran las poéticas de la experimentación estudiando las aportaciones resultantes, tratando de analizar las obras y sus ocnsecuencias como lenguaje artístico, teniendo en cuenta sus contribuciones al momento histórico y la sociedad en la que se transforman, abogando en la mayoría de ocasiones por la libertad y el compromiso social. De éste modo se investigan las obras y los autores escogidos pro la libertad y el compromiso social. De éste modo se investigan las obras y los autores escogidos desde las características propias de cada medio y sus confluencias, mediante un planteamiento dialéctico, tanto teórico como práctico, permitiendo hallar los primeros cambios evidentes y su alcance posterior en el lenguaje escultórico y fotográfico. Éste análisis se desarrolla a través de marcos coneptuales vinculados al espacio, a la luz y al movimiento, resaltando sobre todo las correspondencias entre la materia, la imagen el espacio y el tiempo, que han sido utilizados en este amplio período, permitiéndonos aumentar el conocimiento de aquellas contribuciones a la escultura con una atenta mirada contemporánea.

Autor: FERRER GUAITA FELIPE MANUEL .
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: Estudiar la relación Arte-Naturaleza en escultura contemporánea, desde referentes naturales y arquitectónicos, constituye el principal objetivo de esta investigación, divida en tres apartados. Un bloque teórico, relaciona arte y naturaleza, definiendo los conceptos de Naturaleza y Artificio, Paisaje, Jardín y Convergencia entre los campos de la arquitectura y la escultura. Un bloque ilustrativo de referencias naturales y arquitectónicas, analiza obras de Earth Art, Land Art, Arte Povera, Arte Ecológico,y de escultores independientes del siglo XX, sintetizando los tipos de acercamiento a la naturaleza, los recursos utilizados, y las características de sus creaciones. Un bloque empírico, presenta la propuesta personal "Naturas y Hormigueros": 17 esculturas, principalmente en piedra, evidencian la artificial forma de vida humana: mediante referentes naturales y arquitectónicos, y la comparación con la sociedad de la hormiga. Finalmente, las obras se relacionan con las de los artistas estudiados.

Autor: AZNAR MINGUEZ ANTONIO.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: El título de la tesis indica el objetivo de la investigación, que consiste en vislumbrar "las funciones pedagógicas y didácticas más importantes de las técnicas del plegado en papel". En primer lugar se ha hecho un recorrido por la Historia, para documentar los antecedentes del plegado, conformando el primer capítulo: "génesis de las técnicas del plegado en papel". Aquí se descubre un punto de inflexión, donde dicha actividad abandona su carácter simbólico/ceremonial y su vertiente recreativa, para ser trascendida por los pedagogos, principalmente por Fröebel, que incorporará por primera vez los trabajos manuales en el sistema educativo y, por consiguiente, los plegados. Este descubrimiento dará lugar al segundo capitulo: "el plegado en papel como herramienta para el desarrollo del niño en la escuela". A partir de aquí, dicha actividad además de ser un medio pedagógico, va a convertirse en un material didáctico de interés, sobre todo para la enseñanza de algunos conceptos y relaciones de la geometría, tanto plana como volumétrica, determinando el tercer capítulo: "algunas consideraciones didácticas de interés con el plegado en papel". Observando la relación directa entre los plegados y la geometría, se puede interrelacionar con el diseño, la arquitectura y la escultura. Las experiencias con plegados realizados por el artista/pedagogo Josef Albers, en la Bauhaus, marcarán un segundo punto de inflexión, conformando el último capítulo: "el pliegue y el despliegue en el Arte; autores más destacados". Con la intención de poder convertirse en un eslabón para futuras investigaciones, la tesis finaliza haciendo constar algunas conclusiones. De las cuales se pueden subrayar las siguientes: Que la actividad de plegar el papel es una herramienta de algunos conceptos geométricos. Y que dicha actividad es útil para desarrollar en el individuo el sentido espacial y escultórico.

Autor: ZANÓN CUENCA M. JOSÉ.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: La presente Tesis Doctoral pretende darnos a conocer la relevancia que tiene color como elemento expresivo en el campo artístico de la escultura. Habitualmente, se ha venido tratando el tema del color como un componente esencial de la práctica pictórica. Sin embargo, el ámbito escultórico también recurre al empleo del color como concepto de soluciones de naturaleza profunda y compleja, y no únicamente como mero elemento de decoro o protección. A través de este estudio realizado, pretendemos dar a conocer cómo puede hacerse, y de hecho se ha efectuado desde los inicios del arte, un uso del color como recurso de la epxresión sensible de las ideas o del pensamiento en la experiencia escultórica. Para indagar en tales propósitos, nos centraremos en el análisis de las obras de cinco de los artistas valencianos contemporáneos que mayor interés nos han suscitado para dichas intenciones. Para ello nos centraremos en las obras de Ricardo Cotanda, Ramón de Soto, Maribel Doménech, Natividad Navalón y Gerardo Sigler. Artistas que, como otros muchos, utilizan el color en sus creaciones además de como efecto cromático, como medio de transmisión de los hechos básicos de su experiencia humana, expresando a través de éste los diferentes estados anímicos del ser. Y es que, el color es el agente generador más potente de emociones y sensaciones. Es una potencia oculta que afecta al espíritu, alegrando o entristeciendo, atrayendo o rechazando, configurándose como el elemento que concreta la impresión de un ambiente, la expresión de un carácter y, la síntesis de un símbolo. Sin embargo, para comprender mejor esta ininteligible pero enriquecedora cuestión, partiremos previamente de un básico estudio del color. Seguidamente, realizaremos un recorrido histórico de la utilización del color como cualidad expresiva en el arte escultórico, centrándonos únicamente en aquellos períodos artísticos que sí que hicieron un uso intencionado del color como valor significativo en la escultura. A continuación, pasaremos a realizar una reflexión sobre el concepto de símbolo, para pasar posteriormente a abordar el tema del lenguaje del color y de sus posibles significaciones para los individuos. Y decimos posibles porque la percepción del color y su posterior respuesta emotiva es muy personal, variando según la persona que lo contempla y dependiendo también de la cultura en la que se encuentra. En último lugar, analizaremos las obras de los artistas que hemos indicado anteriormente, mostrándonos en cada caso los colores simbólicos que utilizan como cualidades de expresión, emoción y sensación, así como de sus posibles significaciones. Pero además de los colores simbólicos, también analizaremos el resto de símbolos que dichos artistas emplean en sus obras puesto que, para la plena comprensión de un símbolo hay que tener en cuenta el resto de los símbolos que existen a su alrededor.

Autor: VILAR HERRERO MANUEL.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: Los años 90 fueron los de una nueva proliferación de artistas, colectivos y redes de la performance, la poesía experimental, el arte postal, etc.: el llamado arte alternativo o paralelo. Estas redes se caracterizan por la autogestión y el trabajo colectivo: festivales, exposiciones, intervenciones o publicaciones en los que se generan los vínculos, las identidades colectivas y los discursos. Por debajo de estos procesos autogestionarios hay una base de jóvenes artistas en la tradición de la bohemia clásica, capaces de anarquizar espacios y comportamientos, unidos por el rechazo a la institución arte, es decir, a sus aparatos de producción y distribución tanto como a las ideas sobre el arte hegemónicas en cada época. Este tipo de acción colectiva se analiza desde el punto de vista de la sociología: de un lado el concepto de campo artístico aportado por Pierre Bourdieu, cuestionado cuando la subversión "vanguardista" es subvencionada y demandada por el mercado o las instituciones. Y del otro con las herramientas analíticas aportadas por los estudios sobre los Nuevos Movimientos Sociales: aquellos capaces de causar conflictos antagonistas con los sistemas hegemónicos. Estas teóricas nos permiten una mirada desde una perspectiva distinta a la del fin de las artes, de la historia, etc.

Autor: HOYAS FRONTERA GEMA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: La investigación propone analizar el papel del tacto en la escultura contemporánea. Partimos de la convicción en la trascendencia del tacto en la creación y percepción de la escultura y en la necesidad de reconsiderar este ámbito perceptivo en los análisis críticos y la pedagogía artística. Para ello, en una primera parte, analizamos las bases científicas que explican cómo percibimos a través del tacto y los factores psicológicos y socilaes que condicionan nuestra apreciación. Nos servimos del concepto actual de percepción háptica que nos permite contemplar tanto aspectos táctiles como cinestésicos en la apreciación escultórica, revalorizando por tanto el papel propositivo de la acción y cuestionando la actitud pasiva del espectador. En la segunda parte, se evidencian las circunstancias que han provocado tanto el desprestigio del tacto como los intentos de destacar su importancia en los análisis artísticos y en el contexto museístico; la presencia constante de valores táctiles en la obra escultórica; así como las propuestas pedagógicas más relevantes surgidas desde el arte y que incorporan la educación de la percepción táctil en sus planteamientos educativos. En la tercera parte, tratamos de determinar diferentes enfoques con que el tacto está presente en la escultura contemporánea -la mirada háptica, las prótesis, la relación con el objeto, la relación con el espacio, el tacto como terapia, la exploración de los límites del dolor y en las propuestas de interactividad en la creación artística de realidades virtuales-. Estos ámbitos de desarrollo se demuestran a través de la obra de artistas -que de forma continuada y con perspectivas distintas-, insisten en la inclusión del tacto en su trabajo.

Autor: GIL IGUAL MOISÉS JOSÉ.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: La presente Tesis Doctoral surge de la necesidad investigadora personal en el campo de la reproducción escultórica en materiales sustractivos. Generalmente estos materiales, piedras, mármoles, maderas, etc., se han ido apartando del escenario escultórico contemporáneo, ¿POR QUÉ? Se ha planteado el trabajo desde la dualidad, la dicotomía y los conceptos y técnicas que se usan en la talla directa - talla indirecta. Con el fin de justificar los objetivos, es necesario realizar, en primer lugar, una revisión histórica sobre los métodos, procedimientos y sistemas de reproducción tanto directa como indirecta en los procesos sustractivos. Continuamente nos estamos apoyando en escritos y citas, así como en conclusiones extraídas del trabajo de campo sobre piezas de las que no existe documentación escrita; incluso, a veces, se deducen o intuyen procesos determinados, que se transcriben aquí. El segundo punto se ha planteado bajo un punto de vista descriptivo de los procesos escultóricos sustractivos indirectos por medición mecánica (por puntos), pudiendo ser susceptibles de publicación que ayude y apoye a Profesionales de la escultura y a Estudiantes de Bellas Artes, a postrados a clarificar técnica y conceptualmente los procesos técnicas de traslado de medidas en procesos sutractivos y sus aplicaciones en otros procedimientos y materiales. Las aportaciones personales cobran importancia en este apartado dado que no todos los escultores pueden permitirse la utilización de las últimas tecnologías, a no ser que se trate de algún encargo y, bajo el punto de vista empírico del autor, ofrece una serie de propuestas y alternativas procesuales prácticas que el escultor puede abordar en su estudio. El último punto es una vía por donde se pretende llegar a demostrar y plantear las incógnitas acerca de la hipótesis primigenia: ¿se puede generar un discurso o lenguaje contemporáneo a partir de los procesos sustractivos indirectos? Con los ejemplos expuestos, no dejan ningún lugar a duda de que se abre una vía de experimentación e investigación en el mundo de la reproducción indirecta, tanto en la utilización de técnicas tradicionales como en las últimas tecnologías, así como en la utilización de otros materiales, nuevos o tradicionales, susceptibles de ser tallados.

Autor: ANGULO ALEMÁN TANYA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: En el contexto del arte contemporáneo, una investigación centrada en la autoría de Marcel Broodthaers nunca es inocente. El examen de su trayectoria artística con un enfoque teórico y crítico permite valorar su trabajo como una obra heterogénea y coherente más que como una serie de experimentos que abastan la poesía, la fotografía, el cine o la escultura en el sentido estricto de los géneros. Globalmente, sus propuestas giran en torno a la cuestión del papel del arte en la sociedad y del papel del artista. Broodthaers comienza a realizar sus primeros assemblages a finales de 1963 preguntándose si no podría vender algo. Después, en 1968, construye en Bruselas la ficción del Musée d'Art Moderne, Départament des Aigles en medio del ambiente de revuelta social con la intención de escenificar el enfrentamiento entre la violencia institucional y la violencia poética. La huella de esta experiencia justifica posteriormente la concepción de exposiciones retrospectiva o antológicas como otras formas de ficción y la idea de Décor deviene la síntesis de sus interrogantes sobre la función social de la obra de arte. Lógicamente, la repercusión del trabajo de Broodthaers y su relación con las instituciones artísticas - galerías, museos, ferias de arte, macroexposiciones, bienales, etc. - es de lo más interesante. La autoría de Broodthaers constituye un modelo de utopía, pero no se trata de una utopía romántica pura sino de una utopía bastarda y mestiza que actualiza los legados artísticos de Mallarmé, de Baudelaire, de Duchamp, de Schiwitters y de Manzoni. Este modelo de autoría consigue ser una forma de ejercer la libertad artística y de preservar la memoria: una estrategia de resistencia y de supervivencia espiritual, lo cual resulta hoy día muy estimulante.

Autor: ESTÉVEZ GANTES JORGE JUAN.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: Se propone aquí desarrollar los currículos del área de Plástica en las Enseñanzas Medias desde el punto de vista, fundamentalmente, del ARTE CONTEMPORÁNEO posterior a la década de los 60. Los contenidos comprenderían, por tanto, toda esa amplia gama de nuevas formas de expresión artística que Rosalind Krauss vino a acuñar con la fórmula de "arte expandido". También las Vanguardias deberán tener una presencia importante en el currículo, en la medida en que son un tránsito indispensable entre lo "viejo" y lo "nuevo". Del análisis que hemos realizado sobre los planes de estudio y otros aspectos, se deduce que las manifestaciones tradicionales del arte y de la geometría cubren la casi totalidad del currículo, por lo que proponemos un "reequilibrio" que posibilite tanto una relectura de la tradición desde la contemporaneidad como la "expansión" del campo de la enseñanza en los niveles medios, incorporando las nuevas formas del arte. En la sociedad contemporánea, en la que la imagen va adquiriendo cada vez mayor protagonismo, hasta el extremo de que el crecimiento de la demanda laboral en los sectores ligados a la imagen y a la inteligencia creativa con ella relacionada es uno de los más dinámicos, le haríamos un flaco favor al alumnado si no adaptándose una visión actualizada en los programas. La omnipresencia de la imagen, con su carga seductora y su utilización intensiva por parte de los que detentan el monopolio emisor para implantar unilateralmente sistema de ideas, pautas de comportamiento y de consumo, inclinaciones éticas y políticas, hace prioritairo que la enseñanza en un campo tan sensible adquiera un fuerte contenido crítico, facilitando la formación autónoma del alumnado. De ahí que nuestra propuesta de criterios curricularse se plasme con un considerable acento social, como corresponde al arte contemporáneo. Con tal fin, se presenta aquí una serie de Unidades Didácticas en las que se plasman de una forma concreta los contenidos teóricos desarrollados a lo largo de todo el escrito. Esperamos que ello contribuya la labor renovadora de los y las profesionales de la enseñanza de nuestra área que así se lo propongan.

Autor: MARTÍNEZ OLIVA JESÚS.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: Representaciones de la masculinidad en el arte de las décadas de los 80 y los 90 es un intento de analizar y sistematizar algunas de las vías más importantes en las que se ha enfocado la representación de las masculinidad en la escultura y las artes plásticas, en las dos últimas décadas del pasado siglo. A partir de un enfoque temático y con el apoyo de una metodología interdisciplinar se establecen tres niveles de acercamiento al tema propuesto, que se reflejan de forma clara en la estructura tripartita de la propia tesis. En la primera parte se establece un marco teórico con el que abordar la masculinidad desde diversos aspectos decisivos en su configuración y diferentes perspectivas, en la segunda se plantean diferentes enfoques plásticos del tema a lo largo del siglo XX, que pueden actuar como líneas genalógicas de varias de las propuestas de los dos últimos decenios del pasado siglo, y por último en la tercera parte se estructuran de forma temática la eclosión de trabajos artísticos de los ochenta y los noventa, centrados en la problemática de la virilidad . Las visiones de la masculinidad que reflejan el grueso del conjunto de las obras estudiadas suponen fundamentalmente una redefinición, o más bien, una desestructuración de ésta como un concepto claro y preciso. Las obras plantean una multiplicación en las formas de conceptuar y habitar la virilidad, con la que se pone en entredicho la bidimensionalidad masculino-femenino, heterosexual-homosexual y se da cabida a un espacio más complejo en el que pueden convivir la masculinidad y la feminidad, el afeminamiento, la virilización de la homosexualidad, la virilidad de la mujer…

Autor: MONTALVO GALLEGO BLANCA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: El objetivo de esta tesis es desarrollar un modelo que aquí llamamos Narración Espacial para, a través de su aplicación, acercarnos al estudio de instalaciones interactivas creadas con tecnología multimedia, y que desarrollan narraciones no lineales. Comenzamos el estudio definiendo de manera general en concepto de Narración Espacial, atendiendo a sus características básicas y definitorias, aquellas derivadas de su ser digital, de los conceptos de tiempo y espacio que desarrolla y de la relación que se establece entre el autor y el usuario, a través de la interfaz digital y la interactividad. Continuamos la segunda parte de la investigación aplicando esas características iniciales del modelo de Narración Espacial al análisis de obras no lineales, desde las narraciones orales de la Grecia clásica, pasando por algunos ejemplos de narraciones escritas, cine, instalaciones audiovisuales, e hipertexto, hasta las narraciones multimedia en Internet. Hemos denominado a estas obras antecedentes, pues con ellas pretendemos referenciar algunos puntos de una posible historia de la narración no lineal, que nos muestra muchas de las características que definen las obras estudiadas en el siguiente apartado. En el tercer apartado aplicamos el modelo de Narración Espacial al análisis de instalaciones interactivas multimedia que desarrollan narraciones no lineales, dividiendo este modelo en cuatro apartados, atendiendo a la estructura narrativa que desarrollan: obras de estructura ramificada; obras de estructura rizomática; obras algorítmicas; y un último grupo de obras englobadas aquí como más allá de la estructura. En las conclusiones recapitulamos las características básicas del modelo de Narración Espacial, tras el análisis aplicado al estudio de las obras vistas, y lo delimitamos, destacando las coincidencias que las estructuras del modelo tienen con otras narraciones no lineales.

Autor: KRAKOWSKI ANJA M..
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: Toda práctica artística, a través de los tiempos, se ha ido desarrollando a partir de, o en contestación a, determinados modelos de identidad cultural. Durante mucho tiempo esta identidad cultural se constituía alrededor de un eje de espacio-tiempo que la hacía coincidir con la idea de nación estado. Sin embargo, desde los años sesenta, la noción de la linealidad del tiempo que acompñaba a la idea de un lugar cerrado y claramente determinado ha entrado en crisis; una crisis que ciertamente fue inaugurada por el fracaso del proyecto moderno y que encuentra sus primeros reflejos en la crítica de la postmodernidad. En el contexto de nuestra actualidad, marcado por el entramado complejo de redes transnacionales, la identidad se presenta a modo de paradoja: la disolución aparente de las fronteras coincide con la fragmentación en grupos nacionales, étnicos y religiosos cada vez más pequeños. Esto, más que ser una contradicción, pone en evidencia el artificio de las presunciones homogéneas que durante largo tiempo han amparado la supuesta idea de la unidad abstracta. El pardigma de la paradoja ha decantado nuestro interés hacia aquellas practicas artísticas que disputan los tradicionales modelos de una identidad cultural de consenso, al tiempo que tratan de resistir los efectos globalizantes. Estas prácticas son afines a un pensamiento que, en un primer momento, se articula en los márgenes del discurso dominante y a partir de la experiencia efectiva del desarraigo cultural. En sus versiones más recientes, estas teorías y prácticas disidentes apuestan por estrategias híbridas que no sólo desplazan los conceptos modernos, sino que revisan los aspectos críticos de la posmodernidad, configurando una actualidad que se entiende como transmodernidad. Las obras de arte que se analizan en esta tesis proponen una reelaboración crítica de la identidad cultural desde una perspectiva del desarraigo pueden, a nuestro entender, ser identificados por el fenómeno de la Imagen diaspórica; concepción de una visualidad que localiza la identidad en un territorio que transgrede la noción de un espacio propiamente físico y cuya mayor característica son los flujos y contaminaciones culturales. Imagen diaspórica: identidad cultural desde la perspectiva del desarraigo, quier hacer referencia a la doble vertiente de una práctica cultural que se expresa mediante la paradoja de la (des-)identificación y (des)territorialización. Esta doble articulación niega y afirma simultáneamente el vínculo entre territorio e identidad. En el arte estas presunciones adquieren formas limítrofes que se alejan de las disciplinas tradicionales y que desde una perspectiva específica, encarna las experiencias del desarrigo cultural por medio de prácticas performativas. Sus manifestaciones visuales producen un lenguaje alternativo que trata de superar las limitaciones del monolingüístico excluyente que, en la distancia, ha perdido su significado de garantía cultural.

Autor: TEJERO OLIVARES DANIEL PABLO .
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: En este estudio, hemos partido de la obra de tres artistas concretos que produjeron arte reinvindicativo de una identidad gay en la Comunidad Valenciana durante la década de los 90. Partiendo de la base de que hasta que un concepto no se denomina, no puede poseer una identidad y por tanto ser ni reivindicada o sbuyugada, hemos comenzado por el análisis de las obras realizadas durante esta década por Ricardo Cotanda, Jesús Martínez Oliva y Alex Francés, para desenmarañar las intenciones personales de los mismos, con este tipo de producción y temática artística. Una vez realizado este análisis, podemos concluir que encontramos: gracias a la utilización de la categoría del sexo que hace Ricardo Cotanda su obra, una búsqueda de una identidad gay; la obra de Jesús Martínez Oliva con la categoría del género como una reivindicación de esta identidad; y la de Alex Francés mediante la de la sexualidad como asimilación de la misma.

Autor: ACHIG SÁNCHEZ MIGUEL ÁNGEL.
Año: 2002.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: LA CULTURA DE SAN AGUSTÍN San Agustín es una importante civilización precolombina de Colombia. Fue habitada hace muchos siglos por varias culturas sucesivas, que dejaron para la posteridad una colección de más de 400 estatuas monumentales entre: estelas, cariátides, sarcófagos monolíticos, desde pocos centímetros hasta cinco metros de altura, en piedras planas y cilíndricas. El panorama que nos ofrece San Agustín es vasto y complejo. Se extiende un inmenso mundo de mitos, tradiciones, símbolos, ritos, costumbres, formas de vida, etc. Destacamos que pese a esta multitud de formas en que se manifestó la escultura agustiniana, los símbolos en que expresaron sus conocimientos son análogos y se refiere únicamente a la misma cosmogonía. Estos símbolos están íntimamente ligados a cómo se piensa y ordena el mundo, en referencia siempre a un orden sagrado, donde la preocupación y las acciones principales están dirigidas a la mantención de la reciprocidad y el equilibrio. Pero esta correspondencia, a su vez, nos abre nuevos horizontes en el ámbito espiritual. De esta manera, también inciden, por las características de esta cultura en su mundo de las ideas. En este sentido, son relevantes a su vez, y están directamente implicados, tanto los conceptos abstractos, como geométricos y matemáticos, que forman parte de este arte. Todas estas variaciones parecen no afectar a la funcionalidad; es decir, tienen tras de sí un mismo concepto generador, una misma idea para la realización de la estatuaria: "el mas allá", "la vida después de la muerte". Estos conceptos llegan a ser tan importantes, porque, lo que se pretende es un ritual de acercamiento al origen de la vida. Proceso por el cual se puede apreciar como la idea va cambiando hasta que el origen desemboca en la muerte, cumpliendo un ciclo vital.

Autor: PÉREZ BOCHONS RICARDO.
Año: 2002.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: Este estudio es una exploración y una investigación acerca de la utilización de la figura geométrica del cubo en la escultura de la segunda mitad del siglo XX. Para su desarrollo se ha realizado previamente un estudio indagando en sus orígenes de una forma ontológica, en los campos de la matemática, la geometría, la filosofía y el arte, para comprender sus distintas significaciones a través de las épocas que componen la Historia, hasta nuestros días, e intentar comprender el por que de su pertinaz presencia en el arte. El estudio ha seguido un orden cronológico, sin obtener por ello unos datos lineales, de la regularidad y solidez que refleja en el mundo clásico y mecanicista, a las contradicciones de las ilusiones ópticas, el uso irónico e indeterminista en la relatividad del espacio-tiempo. Este elemento tan simple ha sido portador de significados múltiples como punto limite o grado cero de la práctica escultórica, siendo actualmente su utilización tan vigente como hace más de dos mil años. A partir de estos datos se ha realizado la parte central de la tesis, una taxonomía de su uso en la escultura del siglo XX planteada como clasificación abierta que, apoyándose en diversos casos destacados, ha articulado su significación a partir de los siguientes conceptos: presencia, representación, vacío, estructura y secuencia, el habitar y la ilusión y la percepción.