ESTETICA DE LAS BELLAS ARTES

Autor: PERALES BLANCO VERONICA.
Año: 2004.
Universidad: CASTILLA-LA MANCHA.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La tesis de Verónica Perales Blanco, titulada Con el cuerpo en la cabeza. Tejidos siderales para llevar por dentro, se centra en la investigación del cuerpo como vehículo de experimentación, como objeto artístico y como frontera en la reconciliación del individuo consigo mismo y con la biosfera. Partiendo de un método de aproximación sistémico y no analítico, Verónica Perales teje un entramado relacional entre las corrientes artísticas del Fluxus de los años 70, la "nueva carne" en las últimas tendencias cinematográficas, la ausencia del cuerpo matérico en internet y su posición como artista contemporánea de cara al mundo. El arte nace en los cruces de caminos, en los encuentros impredecibles e inesperados, en la transgresión de las fronteras y las reglas, el arte es cosa de muchos, es transversal y mestizo, dice la autora. Por todo esto, la forma que toman sus propuestas artísticas, desarrolladas en el seno del colectivo artístico Transnational Temps, es la de proyectos pluridisciplinares en los que colaboración y la diversidad, ofrecen una disposición común al uso de las nuevas tecnologías como herramientas de acercamiento a la naturaleza. (Avec le corps dans la tête. Tissus sidéraux pour emporter en sois, se centre dans la recherche du corps comme véhicule d'expérimentation, comme objet artistique et comme frontière entre la réconciliation de l'individu avec lui même et avec la biosphère. En partant d'une méthode d'approche systémique et non analytique, Verónica Perales tisse une trame relationnelle entre les différents courants artistiques depuis Fluxus des années 70, la "nouvelle chair" dans les dernières tendances cinématographiques, l'absence du corps matériel sur internet et sa position comme artiste contemporain face au monde. L'art naît de ces croisements de chemin, dans les rencontres imprévisibles et inespérées, dans la transgression des frontières et des règles, l'art est la chose de tous, il est transversal et métisse, dit l'auteur. Pour tout cela la forme que prend ses propositions artistiques, développées au sein du collectif Transnational Temps, est celle de projets pluridisciplinaires dans lesquels la collaboration et la diversité offrent une position commune à l'utilisation des nouvelles technologies comme outils de rapprochement a la nature.)

Autor: GONZÁLEZ TORNEL PABLO.
Año: 2004.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: Universidad Politécnica de Valencia .
Centro de realización: Universidad de Valencia Estudi General.

Resumen: El trabajo del que es fruto esta tesis doctoral se centra en profundizar en el conocimiento de varios artistas extranjeros que trabajaron en Valencia durante los años a caballo entre los siglos XVII y XVIII, y en las repercusiones que la obra de estos artistas, Antonio Aliprandi, Giovanni Giacomo Bertesi y Conrad Rudolph tuvieron sobre el desarrollo del arte en las décadas siguientes, así como estudiar la particular situación en Valencia de las disciplinas vinculadas a la arquitectura en torno a 1700, especialmente en lo que a su vertiente decorativa se refiere. El treball de què és fruit esta tesi doctoral se centra en aprofundir en el coneixement de diversos artistes estrangers que van treballar a València durant els anys a cavall entre els segles XVII i XVIII, i en les repercussions que l'obra d'estos artistes, Antonio Aliprandi, Giovanni Giacomo Bertesi i Conrad Rudolph va tindre sobre la evolució de l'art en les dècades següents, així com estudiar la particular situació a València de les disciplines vinculades a l'arquitectura entorn el 1700, especialment en el que a la seua vessant decorativa es referix. This doctoral thesis focuses on improving the knowledge of three foreign artists that worked in the city of Valencia during the last years of the XVIIth century and the first ones of the XVIIIth century. The thesis studies the influence of these three artists, Antonio Aliprandi, Giovanni Giacomo Bertesi and Conrad Rudolph, over the development of art in Valencia along the XVIIIth century, and also the particular situation of architecture in the city before 1700, mainly its decoration.

Autor: SOSA SANCHEZ ROXANA POPELKA.
Año: 2004.
Universidad: OVIEDO.
Centro de lectura: FACULTAD DE FILOSOFIA.
Centro de realización: DEPARTAMENTO DE FILOSOFIA.

Resumen: El objetivo principal de la tesis es el análisis y exploración de las relaciones existentes entre arte y mujer para cecuperar las aportaciones de las mujeres creadoras del siglo XX. El arte hecho por mujeres es un ámbito de creciente interés en el mundo actual, y el análisis de las contribuciones de las artistas es útil para destacar cómo la participación de las mujeres en el mundo del arte ha generado un eniquecimiento del panorama artístico. Los temas que van a ser estudiados sobre las relaciones entre arte y mujer son los siguientes: Analizaré, en primer lugar, la presencia y omisión de las mujeres en el arte. Para ello será preciso revisar la sociedad en la que viven, señalando algunos eventos históricos sin los cuales se hace difícil comprender muchas de las obras producidas por las artistas. Estudiar la presencia de las mujeres en el arte nos conduce a una reflexión acerca de cómo la historia oficial del arte ha omitido a las mujeres artistas, generando un empobrecimiento de la propia historia del arte. Un segundo tema a tratar sobre las relaciones entre arte y mujer es el concerniente al lenguaje plástico de las artistas. El propósito es reintegrar a la historia del arte las contribuciones de las mujeres artistas. El propósito es reintegrar a la historia del arte las contribuciones de las mujeres artistas. Esta idea también se relaciona con las aportaciones realizadas por las artistas, lo que favorece un diálogo entre las creadoras actuales y las del pasado. El tercer tema a trata se refiere al análisis feminista sobre el arte, análisis que ha creado un espacio crítico que plantea un nuevo tipo de relaciones en la práctica artística, y al mismo tiempo propone un análisis alternativo al discurso oficial del arte. El cuarto tema a tratar, y que mantiene una estrecha vinculación con la relación entre arte y mujer, es la representación de la feminisdad. En esta tesis se ha adoptado un análisis desde la óptica de las propias artistas, tomando a la mujer como sujeto creador. Un análisis sobre la iconografía bajo este planteamiento supone considerar que el arte es un producto social y como tal surge dentro de un entorno, de un contexto histórico y sociopolítico.

Autor: PELÁEZ NAVARRETE CRISTINA.
Año: 2003.
Universidad: GRANADA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: El objetivo fundamental de la tesis es establecer una metodología de análisis de las ilustraciones para las obras "Macbeth" y "El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde" elaboradas por el artista Tino Gatagán que permita comprender unas normas de elaboración de la obra plástica. Con este análisis se pretende fundamentalmente. Dar a conocer una obra de gran importancia en el campo de la ilustración, el análisis de las ilustraciones mediante la comparación d elas mismas tanto dentro de la misma obra como entre las dos obras, establecer normas de elaboración que definan el estilo artístico del ilustrador Tino Gatagán y comprender las claves de elaboración de una ilustración para jóvenes y para adultos. Para llevar a cabo estos objetivos se llevó a cabo la siguiente metodología: Observación de los dibujos originales de "Macbeth" y de "El extraño caso del Dr.Jekyll y Mr.Hyde", entrevistas con el autor de la obra, el estudio d elas obras literarias en las que se apoyan las ilustraciones que ocupan la tesis, conocimiento de las colecciones para las que se han realizado las ilustraciones, análisis de las ilustraciones y conclusión del análisis de las dos obras plásticas con el estudio comparativo entre ambas buscando los puntos en común y las diferencias. La Tesis Doctoral comprende además: una biografía del ilustrador que incluye numerosas citas del mismo y donde expresa su particular visión del arte y de la ilustración, además esta biografía es comentada e interpretada por la autora; Imágenes a color de todas las ilustraciones que se analizan y algunos bocetos en blanco y negro de estas ilustraciones; El texto literario que tiene relación con las ilustraciones y que ha sido manejado por el ilustrador.

Autor: Pol Méndez Elena.
Año: 2003.
Universidad: AUTONOMA DE MADRID.
Centro de lectura: Facultad de Filosofía y Letras .
Centro de realización: de Arte Reina Sofía.

Resumen: La reflexión sobre la recepción de la obra de arte es tan antigua como la misma reflexión estética, desde Platón o Aristóteles. Sin embargo, no será hasta las primeras décadas del siglo XX, cuando diversas corrientes teóricas, lingüísticas, filosóficas y psicológicas, van a modificar sustancialmente las teorías estéticas y artísticas con respecto a las cuestiones relativas a la recepción del arte. Con el llamado 'giro lingüístico', el interés por el significado hará que se preste atención al receptor, además de al emisor. Más recientemente, en torno a los años 60, se ha producido una serie de cambios sobre los planteamientos realizados en la etapa anterior que conducirá a un reconocimeinto teórico de la recepción del hecho artístico. Desde esta perspectiva, en el capítulo 2, se pasa revista a las aportaciones de la semiótica, la estética analítica y la estética de la recepción. En la misma década nos encontramos con otros acontecimientos en la misma dirección. Uno sería el de la llamada Revolución Cognitiva, fruto de la cual han surgido nuevas disciplinas, nuevos interrogantes y sobre todo un empeño de base empírica por resolver dichos interrogantes. Así, la Psicología, que durante muchos años no ha aportado un modelo claro de receptor, en la actualidad en tanto que ciencia cognitiva, ha desarrollado un corpus teórico y metodológico que nos permite avanzar en el conocimiento del proceso de recepción. En el capítulo 3 argumentamos cómo, a diferencia de modelos teóricos anteriores, como el psicoanálisis, el conductismo o la estética experimental, la psicología cognitiva sí puede proveer de esta teoría mental del receptor. Además, se analizan las aportaciones al estudio de la recepción de la obra de arte, dentro de la perspectiva cognitiva, de Gombrich, Goodman, Gardner y Csikszentmihalyi. En el capítulo 4 se describen tres estudios empíricos sobre la construcción del concepto de estilo artístico desde el análisis del receptor, tomando como paradigma experimental el de los estudios de expertos/novatos. Se describe un estudio realizado en España y México sobre arte europeo y mexicano, con personas expertas y no expertas en arte. Por último, en el capítulo 5 se exponen las conclusiones, así como las implicaciones en la educación artística y el aprendizaje informal y en los museos y exposiciones.

Autor: GARCIA ANDREVA PABLO.
Año: 2003.
Universidad: SALAMANCA .
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: El objetivo de esta tesis es confirmar la validez del término Arte en la expresión Arte Infantil. El estudio surge de las reflexiones extraídas de entre 28.500 dibujos realizados por niños con edades comprendidas entre 2 y 13 años. La tesis se divide en tres partes: Herramientas espaciales de la plástica del Arte Infantil, en donde hay un análisis de los modos de operar del niño; Recursos creativos del Arte Infantil, como reflexiones sobre sus características estéticas; y Analogías entre el Arte Infantil y las primeras vanguardias, como unos análisis comparativos. El Arte Infantil se retroalimenta de un modo autoreferencial, y este sistema está ligado a una predisposición humana hacia un método discursivo y universal de aprehensión de lo real. En definitiva: los pilares de la estética.

Autor: VALENCIANO BONO CELIA.
Año: 2003.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: CIENCIAS DE LA INFORMACIÓN.
Centro de realización: FACULTAD DE CIENCIAS DE LA INFORMACIÓN.

Resumen: El objeto de investigación de esta tesis doctoral, es el de profundizar en la identidad autoral del director vasco, una de las figuras más destacadas del cine español desde la década de la noventa. Para ello se realiza un análisis pormenorizado de la obra de Medem, que se divide en dos bloques. El primero supone una reflexión sobre los rasgos identarios del lenguaje cinematográfico de Julio Medem, tanto desde el punto de vista estético como temático, a través del que se ofrece una visión global de la propuesta creativa del cineasta, así como una contextualización del cine de Medem en la década de los noventa. El segundo está dedicado al análisis de cada una de sus películas, incluyendo también sus cortometrajes; son estudios independientes, que suponen una reflexión minuciosa y en profundidad de las particularidades temáticas y estéticas de cada una de las películas realizadas por el director vasco hasta Lucía y el sexo (2001), el último film estrenado por Medem hasta el momento.

Autor: TSENG HUEY-CHEN.
Año: 2003.
Universidad: SALAMANCA.
Centro de lectura: FILOSOFÍA.

Resumen: Esta tarde es una investigación del concepto vacío en su sentido de la totalidad. Tiene una función de unir los pensamientos de antigua China con la estética de Heidegger a través de pensar en el vacío. También he aclarado las ideas incomprensibles de la filosofía de Lao-tse. En este término, considero que es posible entender las palabras de Lao-tse: el Tao, el Te, el utensilio y el Horizaonte mediante los términos heideggerianos: el Ser, el ser ahí, al obra de arte y, el Gran Arte (el mundo de la cuatridad). Para llegar a esta conclusión se debe comprender los sentidos originales del Tao, del Zen y del Ser. Por eso, los análisis del pensamiento de Lao-tse, del Zen de Huei-neng y la filosofía de Heidegger son tres partes fundamentales de esta tesis. El encuentro entre occidente y oriente no solamente se basa en el pensamiento teórico sino también en la práctica. A través del hilo conductor del concepto del iki japonés he intentado unir las dos culturas Occidente y Oriente mediante los textos chinos del estilo del i-jing (la región profunda), del Buda-Tao. Así hemos encontrado las ideas comúnes entre los conceptos artísticos de Heidegger con las ideas de arte chino. Especialmente, podemos relacionar estos conceptos heideggerianos con las ideas de Shitao y Huei-neng. He aplicado el pensamiento del Zen y la filosofía existencialista heideggeriana para describrir la obra Osmose de Char Davies, al mismo tiempo he aclarado el sentido del vacío en el Zen a través de esta obra. En esta tesis, el análisis de las obras de Eduardo Chillida sirve para comprender el pensamiento de Heidegger y la teoría artística de Shitao.

Autor: MARTINEZ LANCE MANUEL.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Esta Tesis Doctoral, realiza un recorrido histórico desde el arte primitivo, pasando por el arte egipcio, Antigüedad, arte de la Indica, arte paleocristiano, bizantino, prerrománico, románico y gótico, hasta el Renacimiento, estudiando las representaciones canónicas del cuerpo humano, prioritariamente desnudo, atendiendo a criterios matemáticos de proporción. En el desarrollo de la misma, se realizan numerosos análisis y estudios de proporciones de estatuas, pinturas y dibujos, que sirven para establecer bases comparativas, dentro de un mismo periodo o estilo y también entre épocas artísticas y concepciones estéticas diferentes. Asimismo, estos estudios fundamentan la estructura de una posible "Teoría de las Proporciones", entendida como conjunto de normas, reglas, orientaciones o tendencias, que regulan la representación de la figura humana, considerando las relaciones de proporción, entre las distintas partes y la totalidad de la misma. Por otra parte, también se aborda la vinculación entre el arte, la anatomía y las proporciones del cuerpo humano, con un eslabón importante en la estructura de la Teoría de las Proporciones; teoría que, en el contexto español de los siglos XVI, XVII y XVIII, se va complementando con las aportaciones de determinados tratadistas, que con objetivos didácticos, describen la anatomía de la figura humana y realizan propuestas relativas al canon y las proporciones. Otra dimensión, que es igualmente estudiada en la Tesis, es la contribución de las Matemáticas y la Geometría, aplicadas a las manifestaciones artísticas del cuerpo humano y sus representaciones armónicas, especialmente las relaciones que se derivan de la "Sección Áurea" y las combinaciones que dan lugar a la "regla de proporcionar" que supuso "El Modulor" de Le Corbusier. Todo ello, con el objetivom de clarificar los criterios que han predominado para representar a la figura humana, en cada momento histórico-artístico, con el denominador común de las relaciones de proporción y con la pretensión de estructurar un hilo conductor, que desde los inicios del arte, hasta prácticamente nuestros días, construya, o al menos intente aportar datos válidos, para la construcción de una potencial "Teoría de las Proporciones de la Figura Humana".

Autor: FRAENZA JOSE FERNANDO.
Año: 2003.
Universidad: CASTILLA-LA MANCHA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La presente tesis se refiere a la pragmática de la definición o determinación del arte en la sociedad contemporánea. Consiste en una prosecución de la teoría de la vanguardia tras un cambio de paradigma, de la crítica de la razón instrumental a la crítica de la razón funcionalista. Procura sacar conclusiones sobre la función (También afirmativa -MARCUSE-) del arte en la sociedad tardocapitalista, esta vez empleando nociones provenientes de la denominada "Transformación pargmático-Comunicativa" de la teoría crítica.

Autor: GARCIA CASADO DAVID.
Año: 2003.
Universidad: CASTILLA-LA MANCHA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES. CUENCA.

Resumen: Localización de elementos básicos de articulación del discurso artístico, atendiendo al instante de su producción; las razones (los mecanismos) que impelen al sujeto a construir un artefacto con capacidad de transformación estética y las implicaciones políticas que llevan al sujeto a formalizar la idea para ésta sea experimentada por otros sujetos de conocimiento.

Autor: MAGALHAES FERREIRA JOAQUIM ANTERO .
Año: 2002.
Universidad: BARCELONA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAT DE BELLES ARTS. UNIVERSITAT DE BARCELONA.

Autor: ROMERO TORRES JUSTO.
Año: 2002.
Universidad: GRANADA.
Centro de lectura: FILOSOFÍA Y LETRAS.
Centro de realización: FACULTAD FILOSOFÍA Y LETRAS.

Resumen: El trabajo realizado en esta tesis es un análisis de los relatos que los viajeros extranjeros y españoles dejaron sobre las Alpujarras en el siglo XIX y principios del XX en el que la contemplación del paisaje en una visión plural destacado junto con el viaje en sí mismo; sin olvidar la importancia que, otros aspectos como el urbanismo, los medios de transporte y el propio hombre, tienen en el medio alpujarreño. En términos generales, la explotación del mitos romántico no es posodoble, como tal, en las Alpujarras. Ocurre que el mito, en sí mismo no existe, pero la proyección romántica de este, proviene del resto de Andalucía y del que llegan embebidos los viajeros extranjeros, interpretan la desaparición del mito como la desaparición de la cosa misma, pero no de la idea. Lejos, por tanto, de convertirse las Alpujarras en un lugar de consolidación de la imagen tópico-romántica, como ocurrió con Andalucía en la primera mitad del siglo XX, quedó fijada como un lugar de escenarios naturales privilegiados, en cierto modo misteriosa, y sobre todo, una región donde se halla aisladamente un estado de original inocencia.

Autor: GONZÁLEZ MARTÍN JOSE FRANCISCO.
Año: 2002.
Universidad: GRANADA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: DOCTORADO.

Resumen: Esta tesis doctoral es el estudio de la naturaleza del género artistico contemporaneo denominado como "Libro de Artista". Estudio de la génesis e historia del libro cómun. Estudio histórico de los periodos y tendencias contemporáneas del arte del siglo XX en los que se ubica nuestro género. Descripción y clasificaciones morfológicas de los diferentes tipos/de libro de artista. Aspectos multicisciplinares de este género artístico. Conclusiones del trabajo y bibliográfia documental del mismo.

Autor: MARTINEZ SILVENTE M. JESÚS.
Año: 2002.
Universidad: MALAGA.
Centro de lectura: FILOSOFÍA Y LETRAS.
Centro de realización: FACULTA DE FILOSOFÍA Y LETRAS.

Resumen: La tesis doctoral "Picasso y el Cubismo en la literatura artística futurista" que presenta Mª. Jesús Martínez Silvente es un trabajo sólido en el que se plantea como objetivo analizar el grado de relación y deuda que los futuristas mantuvieron con Picasso en particular y el Cubismo en general, que se ha realizado sobre la base de una exhaustiva recopilación de textos publicados en revistas italianas, fundamentalmente la crítica generada por los futuristas sobre este asunto así como de los Manifiestos y otros textos emblemáticos del movimiento. En la exposición del trabajo se analiza el Futurismo y se presenta una pequeña monografía de las figuras claves de este movimiento, incidiendo muy especialmente en la relación con Picasso. El trabajo es original porque este tema no se había tratado con anterioridad, ni siquiera desde el ámbito italiano, y es bueno que se haya hecho desde otro ámbito y con una perspectiva histórica ya considerable, porque permite realizar los análisis con mayor objetividad, resultando un ensayo de solidez intelectual.

Autor: ROBLES REINALDOS GERARDO DIEGO.
Año: 2002.
Universidad: MURCIA.
Centro de lectura: EDUCACIÓN.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES UNI. CASTILLA LA MANCHA.

Resumen: La investigación se origina con la idea de participación interativa entre el espectador y la obra. En la búsqueda de nuevos sistemas de representación no tradicionales en el arte. Lambda-Zeta es el resultado del acondicionamiento de un espacio físico utilizado como matriz, es decir, que puede ser modificado en virtud del número de obras expuestas y del público participante, para el desarrollo de la experiencia. Es multifuncional. En la investigación se realizaron simulaciones del espactio artístico inédito, como apoyo a la propuesta, justificando gráficamente los contenidos. El objetivo final del Proyecto no es la simulación en espacio virtual, sino su puesta en marcha físicamente. Ha sido necesario ayudarse de recursos tecnológicos como el diseño, modelado 3D, Tratamiento de imagen, y entornos virtuales en VRML. En Lambda-zeta, se produce una situación artístico-reactiva mediante los elementos: Un entorno artificial, la existencia de un observador sujeto y la obra. Las experiencias y sensaciones enriquecen el carácter creativo y perceptivo, debido a la sensibilidad artística reflejada en el lenguaje tridimensional con imágenes y textos y el concepto del arte variable en el espacio-tiempo. Como resultado de la investigación se justifica una comunicación mutua entre obra y sujeto. Una multifuncionalidad que podrían también tener otras variantes del sistema en aspectos didácticos: velocidad lectora, adiestramiento de la percepción y atención lectora sobre aspectos de cultura e intertextualidad general. Con esta experiencia el espectador asiste a una interrelación cultural entre dos textos.

Autor: EZQUERRO PAEZ VICTOR.
Año: 2002.
Universidad: LA LAGUNA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD BB.DD.

Resumen: Este trabajo consiste en un estudio que analiza desde diversos puntos de vista la situación acutal de los estudios de Bellas Artes: Sus deficiencias y probidades, centrado en las asignaturas de dibujo en el ciclo inicial. La propuesta trata de consolidar ciertos aspectos académicos, que el devenir de las artes en la actualidad los califica de acríticos y ritualizados y que por el contrario, los sigue considerando válidos y fundamentales para la formación académica de nuestros estudiantes. Afianzan sus ángulos de visión, un estudio, en imágenes digitales de la representación objetiva del cuerpo humano y otro sobre sus componentes anatómicos.

Autor: DÍAZ MIGUEL INMACULADA.
Año: 2002.
Universidad: CASTILLA-LA MANCHA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE CUENCA.

Resumen: Habitar la fragilidad es apostar incuestionablemente por la vida que discurre entre la fisicidad del cuerpo y el espacio virtual de la mente. Obedece también a la necesidad de discernir entre la realidad matérica del mundo en que se desenvuelve el individuo y la realidad virtual a través de la cual se transmite la información cada vez más frecuentemente y finalmente es una reivindicación de lo efímero, inestable, débil, parecedero; de lo humano en su aspecto más degenerativo frente a la especulación monumentalista que las sociedades del bienestar pretenden imponer por doquier como única religión posible. Habitar la fragilidad es acercarse a la muerte a través del dolor, sin anestesias que disimilen la brevedad y la consciencia de la fugacidad de la vida. Al registrar los actos cotidianos que cualquier individuo lleva a cabo siempre de forma diferente, he puesto de manifiesto la diatriba entre lo íntimo y lo privado de una manera plástica. José Luís Pardo lo explica muy acertadamente en su libro sobre La Intimidad, éste entiende lo privado como los acontecimientos y sucesos de la vida del individuo y por tanto faltos de interés desde un punto de vista artísico, pero la intimidad es el hilo interno de estos sucesos que no se explica con la descripción de los mísmos, sino que precisa de un discurso propio que cuente la estructura del desarrollo de los hechos que habitualmente no se cuentan por medio a dejar al descubierto lo que verdaderamente nos hace vulnerables, nuestro yo desnudo, sin discursos enrevesados, sin mentiras, sin vestido sin adornos, incluso sin cuerpo. Pero también porque avisa del conocimiento del comportamiento secreto del otro, tabúes que apuntan contra la desetabilización de la sociedad basada en la protección de los derechos de unos individuos apuntados y fichados en todo tipo de asociaciones y listas. La presentación de los escritos dentro de una caja es una forma de exponer, una vez más, el contenido de la tesis de una manera plástica. La caja es un contenedor similar a los que cada día llegan a nuestras casas con todo tipo de objetos, en este caso lo que contiene son los materiales para que el lector se haga sus propias obras de arte y lleve cabo la lectura de los textos rodeado de piezas de la artista en cuestión. Sí, porqué no, se trata de un bodegón, un dibujo y una escultura portátiles y desmontables. Los textos no están pensados para que sigan un orden determinado de lectura. Cada cual puede elaborar un recorrido diferente sobre los temas tratados dependiendo de su elección individual. La fragmentación y discontinuidad de la lectura es una estrategia elegida a priori como observación de los sistemas políticos y de comunicación de los medios imperantes. El terrorismo internacional nos ha dejado un ejemplo claro de cómo hacer tambalear los sistemas establecidos consistentemente. Sólo hay que diseñar un organigrama que funcione por medio de corpúsculos independientes pero organizados como una red perfectamente entrelazada y sólida. Es así como he planteado la distribución de los textos y contenidos de esta tesis, a traves de un sistema de red que dirige los temas tratados en todas direcciones y que cuenta sin explicar, haciendo uso de todas las formas de escritura con las que como artista me expreso habitualmente. El trabajo desarrollado se divide en dos partes, aunque puedan parecer bien diferenciadas, una de las conclusiones que se apuntan a lo largo de la tesis indica que no lo están tanto. Ambas se han desarrollado simultáneamente, lo cual añade una dificultad más a las dadas en la realización de cualquier tesis doctoral. Esto implica a su vez, la fusión e interferencias de unos códigos con otros. La primera instalación que realicé abierta al público fue en una casa de Cuenca en 1995 y desde entonces de una u otra forma he seguido mirando y construyendo nuevas imágenes, estudios y modelos sobre el espacio cotidiano de la casa. Para ello he utilizado la propia observación de las distintas casas en las que he vivido y las particularidades que cada una ofrecía, así como la atención constatne a todas las casas a las que he podido entrar. He indagado y espiado cada rincón de los espacios de los otros, he analizado sus formas de vida a través de la colocación de sus enseres y de la elección de sus muebles, he meditado sobre las pequeñas manías de cada persona que me dejó sentar a su mesa, sobre las posturas que las sillas imponían a sus usuarios, sobre los espacios que en cada casa se destinaba para la existencia de otras formas de vida animal (desde las presencias microscópicas inmersas en las basuras, hasta el salvaje irracional que habita en cada uno de nosotros). Me he tomado a veces la libertad de mirar sin velos los rincones sagrados dedicados por cada cual a sus deidades, incluso cuando no me vieron llegué a trasladar algún florero unos milímetros del lugar en que se encontraba para que la mesa dejara de gritar el cansancio que le producía aquel desequilibrio de los pesos. Lo que hoy he mostrado es lo que llamo trabajo de laboratorio, notas, experimentos, pruebas definitivas o no, que llevan a otro lado y sin cuya realización sería imposible producir algunos de los objetos mostrados. Básicamente el trabajo que hay está dividido en dos partes que se mezclan sin dificultad, si bien actuó como recolectora de cosas encontradas que articulan ideas preconcebidas a la manera más puramente Duchampiana, también hay obras que están sujetas a la sorpresa del trabajo de taller, del hacer por hacer, una forma incansable que apuesta por el boceto inacabado y que expone los resultados de una mirada perdida e inconsciente que en ocasiones no puede elegir sólo mirar y dejar constancia de lo que vio. Dibujos en bolsas de plástico que no dejan de ser en difinitiva recetas de cocina. En el cuaderno 1, se ha centrado la atención en explicar: Primero, la metodología que creo que es la más acertada a la hora de realizar una tesis en bellas artes, tomando como fuente indispensable el libro La investigación en Bellas Artes de Ricardo Marín, Juan Fernando de La Iglesia y José Luís Tolosa, quienes hacen unas señalizaciones bastante lúcidas sobre cómo introducir la práctica artística en la realización de una tesis doctoral. Así mismo introduzco mis propias reflexiones sobre el asunto en cuestión. Segundo, Temas y términos, no se limita a ser un glosario de términos (y valga la redundancia) más o menos pertinentes, sino que actúa como índice de los temas que resultan indispensables para enfrentar el proceso de la investigación. La elección de esta forma fragmentada hace de nuevo referencia a los sistemas de comunicación de la sociedad en la que vivimos, de la necesidad de crear una forma de exposición que fuera consecuente con el tema que se está tratando, un modelo que se asemeja bastante a los manuales de instrucciones a través d elos cuales llegamos a aprender el funcionamientos de todos los aparatos que nos redoean en nuestras casas. En este apartado expliqué especialmente todas las afecciones que me parecieron pertinentes, aunque no aparecieran en los otro scuadernos, es el caso del fenómeno de las tiendas de todo a cien o de lo que supone la existencia del contexto artístico para el arte contemporáneo y de las limitaciones que esto aporta para el espacio en el que yo encuentro imágenes de arte, es decir la casa. También quise incidir en este apartado en los temas centrales de la tesis y explicar, cuando menos de una manera más historicista algunos de los procesos que son la génesis de la situaicón actual y el porqué de la masiva intervención de artistas contemporáneos en el espacio de la casa o la realización de obras que aluden directamente a a contecimiento que se encuentren en el terreno de la más estricta privacidad. La bibliografía aparece en este cuaderno por el aspecto referencial en que esta diseñado y entendido. El libre encuadernado en blanco y con forma cuadrada es en el que aparecen las referencia a mi obra. En el primer punto me ocupo de documentar y explicar todos los proyectos realizados hasta el momento que tienen que ver directamente con la casa o con las formas de hacer del individuo dentro de este espacio. La metodología narrativa trata de ser fiel al modelo propio de mi forma de escribir como artista, de acuerdo a las estrategias utilizadas a la hora de escribir textos para catálogos o para proyectos del entorno artístico. En ningún caso he querido imitar las formas de escirbir de los historiadores ni de los tratados de estética. Los resultados de muchos de los trabajos expuestos no fueron los esperados, poer había que recoger las prouebas y extraer conclusiones como si de un experimento fallido de laboratorio se tratara. En el segundo punto explico lo más objetivamente, en la medida de lo posible, los condicionantes de la obra que he realizado y realizo; es decir, el porqué de la elección de los materiales, el poque de la elección de los contextos, las necesidades que suergen en torno al público o los procesos de creación que aparecen reiteradamente .., entre otros. Me pareció pertinente realizar este apartado para dejar constancia de los interrogantes que como artista me planteo constantemente, para mostrar algunos d elos recorridos conscientes que se ejecutan en cada movimiento de la mano y para certificar la existencia de una forma de pensamiento articulado a través de la imagen plástica en mi producción. En el tercer punto de este libro reivindico más atrevidametne aun, si cabe, el hecho de utilzar una forma nueva y propia de decir las cosas, es por ello que son las notas para seguir creando que se orientan hacia el futuro y que apuntan directamente a las conclusiones que serán el último punto en el que se describen algunos proyectos planteados para el futuro. En este cuaderno he intentado no citar a otros artistas ni autores, para asumir toda la responsabilidad de las explicaciones de manera personal. La parte diseñada como una revista se centra en otros artistas que de alguna manera resuelven las cuestiones que me parecen esenciales al abordar los puntos sobre la intimidad y las intervenciones en espacios cotidianos en los que se habita de alguna manera. ¿Por qué estos artistas y no otros? Es una pregunta que sencillamente se contesta por exclusión. Si bien, en un principio me pareció oportuno afrontar la cuestión a lo largo de toda la historia pronto asumí la impracticabilidad de esta tarea por dos razones fundamentales: la primera es la extensión del trabjao y la imposibilidad de encontrar soluciones que pudieran concluir elocuentemente, lo cual desembocó en la segunda de las causas por las que creí conveniente acotar de alguna forma el índice de artistas, si mi trabajo como artistas, si mi trabajo como artista se estaba desarrollando en un momento determinado de la historia debía buscar respuestas que se hubieran formulado en el mismo tiempo. Bien es verdad, que algunas de las piezas de referencia están fechadas en épocas en las que yo no había nacido siquiera y con las que es difícil establecer cualquier vínculo de contemporaneidad, me refiero a los dibujos de Louise Bourgeois, pero en este caso concreto me pareció pertinente hacer un comentario sobre ellos dada la trascendencia y punto de referencia que han supuesto para los infinitos tratados feministas que se apoyaron en ellos para elaborar los discursos de la mujer y la casa. A través de estos dibujos podía nombrar este apartado que incuestionablemente era de referencia obligada, sin necesidad de cuestionar este tema que aunque converge en muchos puntos con la casa no es lo que me parece importante en mis investigaciones. No obstante, no quise olvidar esta cuestión y ha sido introducida como punto de interferencia en varios artistas como Bobby Baker, Marina Abramovic o Eulália Baldosera, por citar algunos de los ejmplos más dispares. A lo largo de la historia ha habido numerosas ocasiones en las que los artistas han abordado el interior de la casa y la domesticidad como tema de su trabajo, no hay mas que recordar los dos cuadros de Veermer o los interiores de Matisse. Las Vanguardias con su empeño de acabar con el arte o mejor aún por fundirlo con la vida real dejan infinidad de ejemplos de artistas que se refugian en la casa para escapar de la política de exposición establecida, pero es finalmente en lo sesenta y setenta cuando éstos acuden a las casas para reivindicar la necesidad de un espacio alternativo a los sistemas comerciales y es este momento, sin duda, el precedente incuestionable de las intervenciones contemporáneas. Aunque como se ha explicado en este apartado, hoy son otros los móviles de estas actuaciones. En eta parte aparecen una serie de artistas que en su momento me parecieron oportunos, una vez más la forma de maquetación como una revista explica el significado de esta información, hoy unos meses más tarde de la conclusión de estos textos, podría editar un número nuevo que recogiera nuevos ejemplos de intervenciones domésticas o reflexiones y libros que hablan sobre el tema.

Autor: ZUAZO AQUESOLO JUAN IGNACIO.
Año: 2001.
Universidad: PAIS VASCO.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Ante el agotamiento de los modelos clásico y moderno de educación artística, planteamos la necesidad de un nuevo modelo: la educación artística para el desarrollo de la conciencia. Para justificar esta necesidad estudiamos la evolución del arte, desde el Renacimiento hasta nuestros días, en función de los niveles de conciencia que se tienen en cuenta. De este modo se constatan dos modos de arte, el arte exógeno, que pone la atención en la representación de la realidad externa, y el arte endógeno, que expresa lo subjetivo. Una vez que se llega al fin de las vanguardias, y siguiendo con ese impulso de profundización en los niveles de conciencia, lo que correspondería en la actualidad, como contrapunto al arte posmoderno contemporáneo, sería un nuevo modo de arte: el arte soberano, el modo de arte que se enraíza en lo más profundo de la conciencia, en la conciencia pura o Ser.

Autor: GIMENEZ MORTE M. CARMEN.
Año: 2001.
Universidad: VALENCIA.
Centro de lectura: FILOSOFIA Y CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFÍA Y CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN.

Resumen: El objetivo principal de esta tesis doctoral es abrir caminos de investigación en el hasta ahora poco explorado mundo de la danza e intentar resolver la pregunta ¿qué es la danza?. Los diez años del festival Dansa Valenciana (1988-1997), dedicados a la danza contemporánea nacional, son el objeto de estudio desde el que se elabora una propuesta de representación de la estructura de la pieza de danza, un modelo de análisis coreográfico, concretamente, de la puesta en escena, que facilitase la comprensión de la coreografía. Establecer las características de la danza contemporánea española a través de diversos criterios. Una vez construido este modelo de análisis el siguiente objetivo fue comprobar su utilidad del con piezas clave historia de la danza, prestando especial atención a la danza del siglo XX. Elaborar la ficha artística y técnica de todos los espectáculos y recopilar el dossier de prensa de los diez años del festival para comprender, a través de la teoría de la comunicación, la relación entre público y pieza de danza. CONCLUSIONES El tiempo es uno de los primeros factores que nos ayudan a realizar la estructuración de la obra coreográfica. Así, aparecen tres clases de piezas coreográficas según su duración: obras cortas, medianas o largas. En cuanto a la composición, se puden diferenciar dos estructuras considerando los cambios en la iluminación, en el número de bailarinas y en la música, como fronteras divisorias más o menos flexibles. A rasgos generales estas dos estructuras compositivas serían: división en tres actos o escenas, o 1 sola escena. No hay una relación directa entre la estructura o composición de la pieza y su duración temporal, se repiten los dos esquemas citados. La danza contemporánea española tiene sus propias características, pues no hay diferencias estructurales ni temporales al considerar criterios como la autoría por género, pertenencia a una comunidad autónoma determinada, número de bailarines, técnica utilizada ... A lo largo de la historia se ha ido acortando la duración de la pieza y su estructura, la cual cambia según el estilo y la época, pudiendo establecerse grupos: danza clásica, danza moderna, danza posmoderna o danza contemporánea. En la danza contemporánea española, destaca la importancia de la escenografía, la iluminación y las artes audiovisuales y decrece considerablemente la importancia de la música en la estructuración de la pieza coreográfica, ya que en muchas escenas se baila en silencio. Respecto a la crítica, el rasgo más significativo es el creciente interés por la danza contemporánea española desde la creación del festival con un aumento considerable del número de artículos y publicaciones referidos a Dansa València.