PINTURA, 2

Autor: MARCO MALLENT MARTA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: El jardín es la Naturaleza reconstruida por el hombre para expresar en ella su espíritu, un lugar que induce a la contemplación, a la meditación y al sosiego. En estos espacios, la sensación de retorno a una Naturaleza añorada, benigna y dominada, proporciona al individuo en general un grato estado anímico que en el caso particular de los artistas queda de manifiesto en sus obras. En esta tesis hemos pretendido analizar la relación que se establece entre el artista pintor y el entorno ajardinado, más concretamente entre dicho artista y su jardín privado. Desde aquellos que diseñan su propio espacio, haciendo de sus jardines una prolongación de sí mismos, hasta esos otros que, sin haber intervenido en el diseño, establecen un vínculo tan intenso con la naturaleza que les rodea, que gran parte de su producción pictórica hace referencia a estos espacios, por diminutos e insignificantes que puedan ser. En definitiva, se trata de analizar los diferentes modelos de conexión entre el artista y su jardín a través de las obras surgidas de esta relación. El hecho de que algunos pintores diseñen previamente el entorno vegetal que luego será motivo de sus lienzos, plantea una de las cuestiones más sugerentes de este trabajo: constatar que la Naturaleza deviene doblemente artificial en la representación pictórica de unos jardines cuya génesis ya supone un artificio humano. El trabajo se compone de una primera parte introductoria donde se analizan los conceptos de paisaje y jardín, y se hace un breve apunte histórico de la imagen pintada de la Naturaleza. Una segunda parte está orientada al estuido pormenorizado de tres casos concretos de pintores de nuestro entorno que han creado un vínculo especial con su jardín privado: Ignacio Pinazo, Joaquín Sorolla y José Benlliure. A lo largo del trabajo se compara constantemente el hecho físico, es decir, lo construido, el jardín real, manterial y tangible, con lo pintado, es decir, el jardín ideal, representado o imaginado. En este entido, los jardines particulares de los artistas elegidos son analizados primero a través de un estudio objetivo y descriptivo del aspecto físico del espacio y en segundo luar, desde la visión conceptual y subjetiva que sugiere la imagen pintada que de ellos han dejado sus dueños. A través de esta imagen interpretamos además el sentido que cada artista a su jardín y en qué medida determinó este espacio su vida y su pintura.

Autor: MORENO MARÍN ANTONIO.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: En esta tesis doctoral se pretende realizar un estudio de las pinturas rupestres, de tipo esquemático, halladas en la denominada cueva de "La Serreta", un abrigo natural ubicado en las laderas del Cañón de Los Almadenes, en el término municipal de Cieza (Murcia). Tras mostrar los hallazgos que el trabajo de campo, dio en la cueva, y en sus inmediaciones. Entre los que se destacan las primeras muestras de arte paleolítico en la Región de Murcia. Se intenta dar una explicación al "fenómeno esquemático" que surge en el Levante Español desde el Neolítico, hasta el Calcolítico. Para ello se utiliza como eje de análisis las teorías de Haeckel sobre el par (ontogénesis-filogénesis), intentando así vertebrar las distintas hipótesis recogidas en la tesis. Muestran estas hipótesis, como se desarrolla la mente desde el nacimiento, la influencia de la cultura, así como al ser manifestaciones de tipo plástico las analizadas, como influye la percepción en este proceso evolutivo, reflejado en la obra creadora más ingente más vital, la de los niños. El arte infantil y sus fases, por lo tanto, tendrán un amplio estudio en este trabajo. El análisis ontogénico, permitirá en este documento, acercarnos al desarrollo filogenético de la especie, y así encontrar el fundamento formal en el que asienta sus cimientos el arte esquemático. Termina este trabajo haciendo un recorrido exhaustivo de las pinturas, mediante los calcos y fotografías de las mismas, para acabar estructurando una nueva teoría sobre el término esquemático, proponiéndose el de "arquetipo", para las representaciones para las que no está claro su origen figurativo.

Autor: GRANELL CAMPDERA M. LUISA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: La investigación planteada en la tesis, tiene como objetivo el estudio y la comprensión de la trayectoria artística de Ana Mendieta. Sus escenas, acciones y performances crean un abanico de signos universales capaces de transmitir infinidad de significados. Estos significados surgen de las ideas y creencias de la artista, concebidas originalmente en su infancia y modeladas posteriormente en el seno de los discursos posmodernos. Por otra parte, el carácter filosófico y la inclinación hacia la mística de la artista y su obra, nos lleva a relacionarla con las ideas y pensamientos de los intelectuales de la época, en especial con las ideas y pensamientos de María Zambrano. En resumen: Ana Mendieta construye su propia realidad mostrándose ante el mundo como mujer, como cubana y como ser humano, y su reflexión artística esta basada en la búsqueda de la integridad. Ser íntegra, ser entera y ser libre y como consecuencia: La idea de formar parte de la totalidad y de la eternidad.

Autor: TRISTÁN TRISTÁN ISABEL.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: Esta tesis doctoral consta de dos partes que se complementan entre sí. Una teórica, presentada en forma de documento escrito, aunque profusamente ilustrada. Y otra práctica, compuesta por una serie de cuadros, de cuyo proceso de creación parte el trabajo escrito. Así las pinturas constituyen la base sobre la que se asienta una posterior reflexión teórica que pretende ser una herramienta capaz de conectar ambos terrenos. Esta reflexión, planteada desde diversos campos: artísticos, conceptual y técnico, dota al trabajo del necesario soporte teórico y metodológico que conlleva toda investigación, unido a una experimentación artística como fuente directa de conocimiento. A lo largo del trabajo se examina, por un lado, las relaciones de los nuevos materiales sintéticos con el arte del siglo XX. Se trata de una breve aproximación a la atención que el arte y los artístas contemporáneos prestan a la materia, a los materiales y procesos con los que trabajan, su presencia y conciencia de su caudal expresivo. Por otra parte, se concreta al estudio de las resinas sintéticas y su empleo en la práctica pictórica. La investigación práctica se desarrolla a través del análisis de los materiales, de las técnicas empleadas y de los procesos de elaboración de los cuadros correspondientes a la producción plástica personal. Esta investigación, y a modo de síntesis, la podemos reducir a tres momentos o itinerarios que abordan el tema de la siguiente manera: 1,- Un itinerario teórico donde se plantean conceptos base que sustentan nuestra práctica: la dialéctica materia y proceso creativo, así como el sentido de la técnica y de perdurabilidad en el arte. Se analiza el desarrollo de refernecias artísticas que apoyan la relación existente entre los avances en los medios técnicos y materiales y la evolución de los conceptos. 2,- El segundo itinerario de carácter técnico propone un recorrido detallado a cerca de los materiales sintéticos, que parte del mundo de los polímeros. 3,- El tercer itinerario plantea un recorrido desde la experiencia. En esta parte se recogen los frutos de mi labor como pintora, donde la pintura se explica desde la especificidad del medio.

Autor: SILVESTRE VAÑÓ RICARD.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Autor: SALES ANDRÉS M. MAR.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: El presente estudio pretende analizar el papel testimonial en la obra del pintor Gerhard Richter, es decir, su presencia en el panorama histórico, político, social y artístico de la segunda mitad del siglo XX, cuyos extremos son la destrucción y la re-construcción. El territorio físico donde se desenvuelve el artista es la Europa devastada por las guerras del siglo -y especialmente por la 2ª Guerra Mundial-, y dentro de esa Europa es Alemania, simbólicamente concentrada en su ciudad natal Dresde. El surgimiento y las consecuencias de las ideologías totalitarias, en este periodo serían la causa directa de la destrucción, y sólo la memoria voluntaria de lo acontecido posiblitaría en último término la re-construcción. Formulada a partir de la interperlación de Adorno, se trataría de rehacer la conciencia y la ética de una civilización occidental herida, mediante un pensamiento poético complementario al conocimiento racional. Al tiempo, dentro del campo del arte se ha ido generando un uso ideológico de la estética al cual Richter se resiste con el escepticismo y el rechazo, resistencia que en la práctica se traduciría en una estrategia por reconstruir mediante la negación de fórmulas cerradas (totalitarias) utilizando para ello cuantas técnicas, recursos, disciplinas o materiales se presenten a su alcance.

Autor: ARTERO MUT M. LIDÓN.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La tesis supone un estudio teórico-práctico sobre la capacidad narrativa de la imagen, analizando, produciendo y seleccionando obras que tienen un marcado carácter subjetivo e intimista próximo al diario autobiográfico, o a la expresión de la identidad. En su desarrollo se han diferenciado dos partes, una teórica y otra práctica. La primera parte de análisis teórico queda a su vez dividida en dos grandes apartados. El primero, bajo el título Memoria, delimita el campo de estudio, analizando una serie de obras que ejemplifican ese carácter subjetivo e intimista, diferenciando dos líneas: * Diarios autobiográficos, analizando trabajos de Natacha Merrit, Tracey Emin, Tina Barney, Nobuyoshi Araki y Nan Goldin. * Recopilatorio de identidad, estudiando obras de Felix G. Torres, Gerhard Richter, Marta M. Perez, Kara Walker, Beth Moysés, Priscilla Monge, Pepon Osorio, Alex Katz, Shirin Nessat y Andres Serrano. El segundo apartado define distintos items o recursos del lenguaje plástico que potencian la capacidad narrativa de la imagen. Así, bajo la denominación general de Lenguaje se estudia el papel que juegan: * Textos, analizando el trabajo de Adrian Piper, Carrie Mae West, bArbar Kruger, Lorna Simpson y Jenny Holzer. * Cuerpo, en la bora de Nan Goldin, Lucian Freud y Francesco Clemente. * Mezcla de lenguajes, utilizados por David Salle y Matthew-arney. Intercambio de lenguajes, examinado obras de Larry Clark, Richard Prince y Cindy Sherman. * Voyeurismo, observando ese especial punto de vista en obras de Merry Alpern, Ric Fischl y Tony Oursler. * Tensión, expresada en la obra de Philip L. Di Corcia, Rebecca Horn, Louise Bourgeois, Victoria Civera y Jessica Stockholder. La segunda parte supone una relectura y selección de mi diario personal, diario prioritariamente visual que he reordenado siguiendo el mismo esquema de la primera parte. Este orden simétrico entre la teoría y la práctica refleja el continuo feedback del trabajo. Los artistas analizados en la primera parte fueron seleccionados de las notas que desde hace 11 años he ido apuntando en mi diario, artistas cuyas obras habían provocado en mí ese despliegue narrativo, hablándome de su mundo cotidiano, sus formas de vida, su entorno familiar o su problemática social.

Autor: MARÍN GARCÍA TERESA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: El principal objetivo de este trabajo es mostrar las características, estructuradas y ventajas que los equipos, como forma de creación colectiva en las artes visuales contemporáneas, ofrecen ante las nuevas problemáticas que se plantean en la compleja sociedad actual. Para definir estas características, a modo de referencia, nos hemos basado en el análisis comparado de 10 casos prácticos de equipos que han desarrollado su labor creativa en las artes visuales contemporáneas, acotando un periodo temporal reciente que abarca de 1981 al año 2000, en el contexto de la Comunidad Valenciana. PALABRAS CLAVE: equipo, artes visuales, Comunidad Valenciana, creación colectiva, proceso creativo, autoría, años 1981-2000.

Autor: SANMARTÍN PIQUER FRANCISCO JAVIER.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA.

Resumen: La tesis se presenta como un estudio teórico practico sobre el cambio del concepto de edición de vídeo, debido a: por una parte la incidencia expresiva del ruido como apertura creativa del medio considerado desde su propia materialidad y por otra parte a los rápidos cambios tecnológicos. La investigación ha sido realizada en principio, como recopilación de ensayos técnicos para la producción de ruido con varios sistemas de edición de vídeo (VM, DV500, DC30 y DC10) y en una segunda fase, con la utilización de lenguajes de programación multimedia (Macromedia Director y MAX/MSP/JITTER) para trazar un recorrido a través de los cambios técnicos y de herramientas de edición multimedia en los últimos años.

Autor: ZALBIDEA MUÑOZ M. ANTONIA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La presente memoria pretende comprender el proceso y la evolución de la vida del pintor venenciano Giambattista Tiepolo. Una aproximación a su época y su técnica artística, nos aportará datos sobre la técnica española o experiencia aportadas a jóvenes pintores, ya que el pintor pinta al fresco en Madrid varios ambientes del Palacio Real (entre los cuales encontramos la prestigiosa Sala del Trono). Para ello, nos centramos en el estudio del cartonaje o estudios previos, bocetos o dibujos que el pintor realizaba en el estudio de la técnica, para posteriormente aplicarlo en cúpulas o paredes en las que Giambattista pintaba a fresco, en colaboración con un "quadraturista" que preparaba las arquitecturas simuladas, en las se inserian las escenas narrativas. Profundizaremos en la técnica pictórica de la época, ya que este fue un pintor extremadamente versátil, capaz de moverse en numerosos campos del arte y adaptarse a compañeros, a nuevas técnicas y a dimensiones muy diversas. Ya que siempre se vio atraído por los experimentos de Giambattista Piazzetta y de Sebastiano Ricci. Aunque siempre realizó telas y frescos llenos de fantasía y joya, donde encontramos una clara referencia estilísta a Paolo Veronese. Para ello nuestro estudio lo fraccionaremos en diferentes capítulos que nos ayudaran a conocer el fin de uno de los pintores más potentes e influyentes del siglo XVIII, al menos antes de su llegada a España, donde muere en el anonimato, posiblemente por el incipiente cambio de gusto Neoclásico.

Autor: CLÉRIGUES PERIS M. VICENTA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Como indica el título, la presente Tesis, tiene, como objeto general el estudio de la figura y de la obra de Francisco Sebastián Rodríguez, pintor valenciano contemporáneo, de reconocido prestigio, cuya obra contribuye al enriquecimiento y renovación de uno de los géneros de más firme tradición en la Pintura Valenciana. El arte del Paisaje. La investigación aborda no sólo su pintura sino que se contemplan las diversas facetas profesionales, divulgando y analizando su labor tanto en el campo del Interiorismo como en el ámbito Docente y Académico. Este pintor escoge una vía de expresión personal e independiente abordando el paisaje desde una mirada intimista que impregna la obra de una especial poética, de este modo el objetivo principal de la Tesis se dirige al estudio pormenorizado de su pintura, profundizando en las cualidades específicas de su lenguaje plástico.

Autor: SALES ORTÍZ EVA.
Año: 2003.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: INFORMÁTICA.
Centro de realización: FACULTAD DE BB.AA..

Resumen: Esta tesis profundiza en el cine del donostiarra Julio Medem. En su obra, la vida se refleja en el prisma de su percepción más íntima, mostrándola de modo irrepetible. Pertenece a los directores que configuran un mundo propio, que puede gustar o no a los demás, pero que es auténtico y original. La presencia autoral es tan evidente que su obra resulta única, íntima y absolutamente intransferible, pues no existe fuera de él. El control absoluto que ejerce sobre todos los estadios del proceso cinematográfico garantiza la exclusividad del conjunto su obra, convirtiéndola en un corpus artesanal en el que, además de las huellas de un estilo personal consolidado, pueden encontrarse los profundos surcos que las injerencias autobiográficas han dejado en cada una de sus películas. La constante búsqueda de nuevas claves narrativas alejadas de los convencionalismos hace de cada uno de sus films un reto permanente, un paso adelante en el caminar hacia la creación de su propio lenguaje visual. Apartado por completo del cine comercial o de fórmula, sus propuestas son siempre arriesgadas y valientes, y poco a poco van conformando una suerte de inverso especial en el que las claves narrativas, el espacio y el tiempo, lo real y lo imaginario, transcurren de una manera especial. Es un cine que se instala en el terreno intangible de las emociones, y que te seduce o te repele; te engancha y ya no te suelta o no te conmueve lo más mínimo. Nuestro caso es, evidentemetne, el primero; la poderosa atracción que sentimos por esas imágenes conmovidas por los significados es absoluta, y la complicidad con la que percibimos su manera de contar, sus historias o sus personajes nos empujan inevitablemente a entrar de lleno en ese mundo mágico y subjetivo que propone.

Autor: FERNÁNDEZ RIERA SUSANA M. MILAGROSA.
Año: 2003.
Universidad: VIGO.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: BELLAS ARTES.

Resumen: Estudio de las relaciones entre arte, publicidad y objetos de consumo. Estructurada en dos partes, la primera es el fundamento teórico de la investigación. En ella se hace un recorrido diacrónico del arte relacionándolo con las siguientes disciplinas: publicidad, historia, sociología, economía, sermiótica y filosofía. En la segunda parte se proponen asociaciones de imágenes desde la historia del arte hasta los objetos de consumo del presente más inmediato. En esta parte aprecen las claves propias del arte: estética y de historia del arte. Las asociaciones de imágenes forman familias recorridas por un hilo argumental o tema que es el que da nombre a la familia.

Autor: GILI TERRADELLAS JAIME.
Año: 2002.
Universidad: BARCELONA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La repetición y la serialidad fueron descartadas por teóricos de la posmodernidad de un modo un tanto incompleto en los primeros ochenta. Creemos que estos temas tienen que ser revisados hoy, y que esto puede ocurrir sin separarse de las ideas y metodologías originales con que se trabaja entonces. Una de las claves para ver como esto puede ser posible la dio a finales de los sesenta Gilles Deleuze en "Diferencia y Repetición". En este libro Deleuze distingue lo que es la "generalidad" (del "todo es lo mismo", o del Eterno Retorno como concepto) de una repetición verdadera y superior, que puede incluso tener toques subversivos. En el capítulo uno hablamos de la pintura Agnes Martín como una repetidora de "generalidad", persiguiendo una única idea irrepresentable. El recorrido lo hacemos junto a Deleuze, Nietzche y Maurice Blanchot. En el capítulo dos analizamos la obra de Roman Opalka y On Kawara como dos maneras diferentes de medir el tiempo mediante la repetición en pintura. En el tercer capítulo revisamos la relación entre el marxismo y la implicación social de finales de los sesenta en Francia, con la repetición en pintura planteada por el grupo BMPT. Estos artísticas planteaban una repetición que comentara maquinarias de producción y cadenas de montaje, entre otras cosas. De allí se hace suave el paso a la obra de Andy Warhol, que más bien revisa las maquinarias de consumo. Eso analizamos en el capítulo cuarto, y también, de la mano de Craig Owens, los posibles extremos de la manera de trabajar y vivir de Andy Warhol. Revisamos los matices que hay entre la frialdad que algunos leen, y las más altas necesidades de comunicación humanas en Warhol, floreciendo todas por igual con la repetición en su pintura y sus películas. En ambos capítulos de esta parte, Walter Benjamien nos inspira con su análisis de las metrópolis en los años que le tocó vivir, y que leemos en su proyecto de "Pasajes". En el capítulo cinco, en la que es la tercera y última parte de la tesis, llegamos al arte de la última década. Allí analizamos estrategias de comprensión de un mundo cada vez más lleno de imágenes que se resuelven en una suerte de archivismo. La serialidad en la instalación pasa entonces a ser una herramienta de ordenación del caso. Como respuesta a este mundo pasamos en el capítulo final a revisar obras de arte en diferentes medios, y la relación de éstas con los medios de comunicación de masas, llegando así al final de un ovillo que empezamos a deshacer con Marx, Benjamien y Warhol, para finalmente repetir, probándola, la frase de Deleuze "la repetición es el arma del poder por excelencia". La conclusión se abre de nuevo a la vida de la mano de la propia obra artística y del texto "Fragmentos de un discruso amoroso" de Roland Barthes. Resumimos allí también la tipología de la repetición que dibujamos a lo largo de la tesis, y preparamos finalmente el terreno para las investigaciones que en adelante serán inevitables a este artista servidor, en el terreno tenso que existe entre repetición y creación.

Autor: NUERE MENENDEZ-PIDAL SILVIA.
Año: 2002.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La realización de la presente tesis responde a la necesidad de adecuar los elementos geométricos, así como los sistemas de representación de la geometría descriptiva, al ámbito de la pintura, proponiendo para ello un lenguaje geométrico adecuado a tal fin. Dentro de la comunicación y en particular de la comunicación visual, se han definido distintos lenguajes facilitadores del acto comunicativo. Nuestro interés es seguir profundizando en el lenguaje visual, aplicándolo a la geometría en el arte, y conseguir un mayor conocimiento de sus componentes básicos que posibiliten al pintor expresarse de manera personal. Por otro lado hemos propuesto un modelo de aprendizaje de los distintos sistemas de representación desde los estudios de Bellas Artes, en el que las expresiones pictóricas toman un papel relevante para su comprensión y posterior utilización. Palabras claves: geometría, sistemas de representación, lenguaje geométrico artístico, educación artística.

Autor: ESCOHOTADO GIL SANDRA.
Año: 2002.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La investigación es un estudio del autorretraro femenino a lo largo de la Historia y en la contemporaneidad. Se toma como punto de partida una utilización de este género con una intención feminista, es decir, como medio para romper con una estética tradicional de la representación de la mujer como objeto, hacia una estética más comprometida con una imagen de la mujer como sujeto o crítico con los roles femeninos en una sociedad androcéntrica. Se estudian las posibilidades emancipadoras del autorretrato y de la construcción de la subjetividad mujer. Alguna de las aportaciones más significativas de esta tesis es la relación que se establece entre las tres posiciones emocionales del sujeto en los autorretratos (sujeto esencial-narcisista, sujeto disgregado-victimista y el sujeto crítico) y las ideologías feministas. Algunos posicionamientos y algunas estrategias estéticas propician más el cambio o ruptura con unos esterotipos sociales tradicionalmente ligados a lo femenino.

Autor: HARO GONZÁLEZ SALVADOR.
Año: 2002.
Universidad: GRANADA .
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: DEPARTAMENTO DE PINTURA.

Resumen: Esta investigación recoge un campo de la actividad Picassiana al que hasta hoy los críticos han concedido una importancia secundaria. Mediante este trabajo se pone de manifiesto la verdadera importancia de esta parte del trabajo del artísta y la profunda imbricación que existe entre todas las facetas de la creación Picassiana, y como es imposible comprender el proceso de creación en el artísta obviando ninguna de ellas. Además de establecer relaciones formales, técnicas y conceptuales entre la obra en cerámica con el resto de la obra, se propone un modelo de clasificación de la cerámica Picassiana a partir de volumen de los objetos, que parte de la premisa de que es la forma tridimensional de las piezas la que condiciona el conjunto del proceso de creación de los signos que Picasso desarrolla sobre ellas.

Autor: GUERRERO CEREZO MANUEL.
Año: 2002.
Universidad: GRANADA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Este trabajo de investigación consta de los siguientes apartados: introducción, contenidos y conclusiones. Más un anexo dedicado a la bibliografía y al glosario de términos y frases. La introducción consta de los siguientes apartados: motivaciones, justificación, objetivos y metodología. La metodología, se centra en la selección de autores, obras y fragmentos, que muestran recursos o formas de ocupación destacables, para su posterior análisis y catalogación. Agrupando estos recursos en tres bloques bien diferenciados; el de las huellas no fusionadas; el de las sometidas a diferentes grados de fusion y el de otras anecdóticas de ocupación. Los Contenidos se distribuyen en 209 capítulos que incluyen: la prehistoria, pueblos primitivos actuales, culturas más avanzadas y artistica representativos, nacidos a partir del año 1260 d.C. Las Conclusiones muestran los recursos o formas más destacables de ocupación y construcción del espacio pictórico, agrupados en los siguientes capítulos: 1,- Huellas con aspecto de punto 2,- Huellas con aspecto de trazo lineal gráfico 3,- Huellas con aspecto de trazo gestual. 4,- Huellas con aspecto esquemático o abreviado 5,- Huellas de trazo gestual con grosor arbitrario 6,- Huellas de trazo con grosor modulado 7,- Huellas de trazo con grosor uniforme 8,- Huellas de trazo con aspecto tectónico 9,- Huellas de trazo con aspecto descarnado 10,- Huellas exentas de fusión alta, con valor bajo 11,- Huellas exentas de fusión alta, con valor alto 12,- Perfiles regulares, cerrados 13,- Perfiles irregulares; netos, acantilados, agrestes .. 14,- Perfiles irregulares, abiertos en grumos 15,- Perfiles abiertos, esfumados o fundidos 16,- Perfiles abiertos, con aspecto nebuloso 17,- Perfiles abiertos, desleídos 18,- Perfiles irregulares, abiertos en salpicadura 19,- Gradiente de soporte y gradiente mixto 20,- Gradiente propio, medio-alto 21,- Gradiente propio, medio-bajo 22,- Trayectoria libre 23,- Trayectoria sometida 24,- Trama y entramado 25,- Tintas planas 26,- Gradaciones armónicas 27,- Gradaciones que muestran fusión media baja 28,- Huellas fusionadas con aspecto de transparencia 29,- Huellas impresas 30,- Signos alfabéticos 31,- Reservas o espacios ocupados por defecto. 32,- Surcos de útil 33,- Huellas del útil, (de pincel punzón ..) 34,- Doble contorno 35,- Huellas con aspecto de garabato gráfico o pictórico 36,- Huella con aspecto de restregado 37,- Huellas con aspecto de chorreones 38,- Huellas con aspecto de arañazo 39,- Plegamientos del soporte 40,- Perforaciones y cortes 41,- Objeto adosados: clavados, pegados, cosidos, incrustados .. Cada capítulo muestra información a cerca de usuarios, gráficos, fragmentos representativos, y observaciones relevantes, relacionadas con esta investigación. El trabajo concluye con un gráfico global que resume de manera pormenorizada el estudio de los recursos contemplados en las conclusiones.

Autor: FRANCO RUSCHMANN CARLA BEATRIZ.
Año: 2002.
Universidad: GRANADA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES - UNIVERSIDAD DE GRANADA.

Resumen: La investigación doctoral trata de las manifestaciones artísticas que se utilizan exclusivamente formas geométricas como objeto representado. Bajo la denominación de Arte Geométrico han sido agrupadas multitud de obras realizadas en el transcurso de la historia, desde sus orígenes hasta la última década del siglo XX. Inicidiendo en cuanto a su realización en los distintos períodos culturales, sus características plásticas, concpetos, así como factores relacionados e intrínsicos. Este trabajo de investigación se divide en dos partes básicas, un primera de carácter histórico y una segunda donde se realizan unos análisis en cuanto a: 1,- Presencia de obras geométricas en las exposiciones temporales realizadas entre 1990 y 1999, por los respectivos museos: Instituto Valenciano de Arte Moderno, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. 2,- Análisis en cuanto a características plásticas de un determinado número de obras geométricas realizadas en la década de los 90 y expuestas en los mueseos anteriormente citados. Dentro de los campos de conocimiento relacionados a la obra geométrica y tratados en la tesis, conviene señalar: historia del arte, antropología, decoración y ornamentación, simbología, elementos plásticos, formas geométricas y geometría.

Autor: SOTO CALZADO INOCENTE.
Año: 2002.
Universidad: GRANADA .
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE GRANADA.

Resumen: La pintura de Pablo Picasso Mujer con estilete (la muerte de Marat) datada en 1931 e inicio -según la crítica- de una serie temática que comprende dibujos a lápiz y a tinta, grabados a la punta seca y buril en 1934 y una película en 1950, es tomada como paradigma para analizar los mecanismos creativos que se esconden detrás de estas obras. Así, se historian sus interpretaciones y descripciones y se delimitan las influencias, conceptuales o visuales, de la diversidad de modelos señalados en las invenciones picassianas, a través del análisis del contexto de significación y estético. La investigación, que implica la de otras series cercanas formal o temáticamente y la definición de las unidades plásticas de menor dimensión o subtipos, nos muestra un vocabulario visual en constante desarrollo por parte de Picasso, base de un lenguaje en el que las relaciones de contenido-forma y sus variaciones crean series formales o temáticas las cuales se añaden elementos de otras series. A través de este recorrido, especialmente centrado en los años del movimiento surrealista, descubrimos la práctica picassiana de la simultaneidad y la recurrencia, además de una heterodoxia técnica y una original pluralidad procesual.