ESTETICA

Autor: LUCAS SANAHUJA JOSÉ.
Año: 2003.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FILOSOFÍA.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFÍA DE LA UNIVERSIDAD COMPLUTENSE-MADRID.

Resumen: La complejidad de las cuestiones de ética y estética de la composición musical que aquí se tratan se ciñen a unas sistemáticas directrices. Desde el propio seno de este binomio (aplicado aquí a la música) se pueden apreciar otros entes derivados que muestran una doble vertiente. Uno de ellos es el de teoría-praxis. Puesto que es esencial impelar a que la acción creativa se adhiera firmemente a la herencia que lega la tradición (por ser éste es el mejor cauce para conferir una progresiva cualidad a la composición) por ello mismo es muy lógico que lo que se preconiza para la praxis se asuma también para la teoría. Del binomio de tradición-herencia deriva la necesidad de adscribirse a los magistrales dictámenes de unas insignes autoridades cuyas seleccionadas citas se comentan con nuestras glosas. Las ideas generales sobre ética-estética se encauzan desde Schopenhauer y Nietzsche para pasar a las consideraciones teórico-prácticas de Strawinsky, Honegger, Bartók y Falla. En nuestra aportación se van mostrando los sucesivos grados de texné-arxé que sigue el compositor en su función creativa. No se soslaya la repercusión social de la múscia; por ello se atiende a la relación de medio-finalidad, en la dimensión moral y educativa que la música debe ejercer sobre la sociedad. Por ello se atiende también a la relación de causa-efecto que se debe prever en la gestación de la obra y a sus componentes psicológicos y fenomenológicos.

Autor: COLOME PUJOL DELFIN.
Año: 2003.
Universidad: AUTONOMA DE MADRID.
Centro de lectura: FILOSOFÍA Y LETRAS.
Centro de realización: FACULTAD FILOSOFIA Y LETRAS.

Resumen: En su texto, el doctorando refiere la existencia de veinte coreografías, en la más pura estética de la modern dance, inspiradas en la Guerra Civil Española. Producidas a finales de los años treinta, algunos de sus creadores figuran entre los más destacados coreógrafos de la danza moderna de los Estados Unidos de América. Este grupo de coreografías, detalladamente estudiadas por el doctornado, forman un pequeño pero cohesionado núcleo del hoy ya amplísimo acerbo de la danza moderna que subraya el equilibrio de una peculiar pero fecunda relación que, en un momento dado de la historia del arte coreográfico, se da entre la modern dance y la Guerra Civil Española, para poner al descubierto sus hasta ahora ignorados furtos, al menos desde una perspectiva global y contextualizada.

Autor: ARRANZ RICHIGER CRISTINA LEONOR.
Año: 2003.
Universidad: NAVARRA.
Centro de lectura: FILOSOFÍA Y LETRAS .
Centro de realización: UNIVERSIDAD DE NAVARRA.

Resumen: En época de Miguel Ángel, a propósito de ladifusión de los escritos de vitruvio, tiene lugar la discusión sobre el carácter normativo del arte. Al mismo tiempo, dentro de la teoría artística del renacimiento y provenientes del propio Miguel Ángel existen testimonios de una noción de arte que, rebasando ese carácter conceptual, reclama la prioridad de la sensibilidad en la percepción de la obra. Ya en el siglo XX, panofsky, con su método iconológico, interpreta la obra de Miguel Ángel de modo alegórico, como expresiva del neoplatonismo del artista. Summers se propone rectificar la interreptación iconológica de panofsky considerando el papel de la sensibilidad en la creación artística. Sin embargo, al separar la sensibilidad de la acción libre del espíritu, también Summers reduce la significación de la obra de arte a términos exclusivamente conceptuales, que no reconocen la relación psicológica que tiene lugar en el contacto directo con la obra. Dicha relación psicológica que tiene lugar en el contacto directo con la obra. Dihca relación es considerada por la teoría de Gombrich, que permite recuperar una visión integradora del arte que tiene sus raíces en aristóteles. Partiendo de dicho planteamiento, la presente tesis estudia la propuesta humanística de Miguel Ángel en la arquitectura, en su obra del campidoglio. En la misma, se realiza un reconocimiento fenomenológico del conjutno capitolino atendiendo a la presencia de valores táctiles, que Berenson señala con relación a la pintura de Miguel Ángel, a fin de reflexionar sobre el alcance expresivo a la obra del artista en el conjunto capitolino.

Autor: AYMÁ GONZÁLEZ LUIS.
Año: 2002.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FILOSOFÍA.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFÍA Y CC. DE LA EDUCACIÓN.

Resumen: La investigación parte de una premisa fundamental: la pregunta por la arquitectura es eminentemente antropológica, ya que apunta hacia el entramado relacional que sustenta la vida del hombre. Preguntar por la arquitectura supone intentar dilucidar qué hace el hombre al hacer arquitectura y, cómo ésta configura sus propios modos del ser. Este aspecto revela la relación estrecha que existe entre antropología, ética y creación arquitectónica. El hombre construye en la medida que se construye, es decir, en la medida en que habita. El modo espacial peculiar que surge de esta relación lo denominamos ámbito. La teoría de los ámbitos demuestra que la arquitectura supera ele strecho marco de la función, la técnica o la simple articulación espacial. Más bien consiste en la integración de diversas vertientes de lo real de modo relacional, lo que da como resultado un lugar de encuentro o ámbito. Además, dicha teoría nos permite dilucidar claramente la diferencia que existe entre conceptos como espacio físico, espacio fenomenológico, espacio de vida, espacio existencial, lugar, ámbito …, distinción sin la cual es imposible llegar a comprender la dimensión real de la arquitectura. El análisis de la evolución de los estilos arquitectónicos desde la noción de ámbito pone de manifiesto cómo cada estilo actualiza de un modo especial un aspecto entre otros muchos de la configuración del hombre como ser religado. La arquitectura sacra muestra esta singularidad de un modo excepcional, ya que consiste en una actualización integradora en forma de ámbito que en cada estilo reconstruye algún fragmento del amplio espectro del ser del hombre. Esta aproximación nos avisa sobre uno de los problemas fundamentales del hombre contemporáneo y que la arquitectura sagrada actual ha asumido: la posibilidad de fundar lugares habitables en un mundo absolutamente cambiante y fragmentario que nos habla de nomadismo existencial. El quehacer arquitectónico consistirá en establecer centros existenciales que constituyen el reflejo de la posibilidad de habitar en el exilio.

Autor: AYENSA REMÍREZ M. ASUNCIÓN.
Año: 2002.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FILOSOFÍA.
Centro de realización: FILOSOFÍA.

Resumen: Este trabajo pretende mostrar la capacidad de la mente creadora, su eficacia prospectiva que posibilita que la realidad exhuberante y abierta, con infinitas posibilidades. Para ello se hace un seguimiento del desarrollo del imaginario dentro del campo antropológico. Paralelamente, este estudio intenta hacer una revisión de la esquizofrenia y otras alteraciones mentales interrogándose sobre el origen y proyección de los fundamentalismos, considerando que el tema posee en sí mismo interés y actualidad, por cuanto se intenta demostrar es la causa que domonina y detiene el proceso creativo. Mediante la conciliación del diálogo entre las humanidades y las ciencias se opta por una explicación última: el estudio de la plasticidad cerebral por parte de los neurobiólogicos, que apoye esta tesis. Es un intento de aproximación al estudio de la realidad humana a partir de las posibilidades creativas de la mente, un intento de contribuir a evitar las atrocidades que unos seres imponen a otros mediante el uso de la fuerza, o en nombre de una razón, por absoluta, irracional. El enfoque de este trabajo es escéptico en cuanto a la potencia de los fines; está en contra de construir un futuro desde la consideración de una razón sujeta a la lógica de la identidad, por cuanto no existen certezas últimas ni soluciones definitivas. Defiende el uso de medios provisionales y revisables. Asimismo aboga por la convergencia entre los discursos de naturaleza estética y ética, precisamente por su propia permeabilidad, señal inequívoca de su dinamismo. La introducción de este trabajo expone la plasiticidad del cerebro mediante los estudios llevados a cabo por las neurociencias. Un primer capítulo desarrolla el trayeco antropológico que lo imaginario; el segundo pone de manifiesto la evolución histórica que posibilita el paso de una sociedad más horizontal y solidaria a otra más jerarquizada, en la cual se impone la fuerza sobre la razón. Por último, el tercer capítulo trata de las alteraciones mentales, que considera consecuencia de lo expuesto en los anteriores capítulos.

Autor: LAHERA AINETO JOSE MANUEL.
Año: 2002.
Universidad: ZARAGOZA.
Centro de lectura: FILOSOFÍA Y LETRAS.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS.

Resumen: Como hipótesis de partida, se ha tomado el tratado teórico-práctico musical "El porqué de la música" (1672-1699) de André sLorente (1624-1703). Para su estudio estético, transcripción, actualización, y edición de textos musicales en formato de CD. Andrés Lorente, reconocido como uno de los grandes tratanistas españoles del S. XVII. Junto a Cerone y Nassarre, es depostiario, como así lo manifiesta en su "index de autores .." de un excelente legado anterior que comprende autores formulados desde Bartolomé Ramos Pareja y Domingo Marcos Durán (S. XV), a Martinez de Bizcargui, Juan Bermudo, Francisco Salinas o Francisco Montanos (S. XVI). Se manifiesta como persona polifacética en su actividad intelectual, y es resaltado como tratanista, investigador, compositor, organero, organista, profesor de universidad, músico teórico y práctico. Técnicamente el tratado supone aplicar la práctica habitual musical del siglo XVIII a la teoría tradicional y de su tiempo analizando temas tan importantes como: género, armonía, clausulas, superación del sistema hexacoroal, intervalos estudio de la notación mensual: compasimodo, tiempo, prolación, proporción y sexquialtera, consonancias y disonancias, acústica y teoría modal. Estéticamente supuso un cambio generacional entre modelos tradicionales y nuevos valores que revalorizarán la creación musical y definirán la música como matemática y prosodia, ciencia y arte, inspiración y creación, mito y mímesis, expresión o dimensión social de la técnica artística.

Autor: BAYON MARTIN FERNANDO.
Año: 2002.
Universidad: DEUSTO.
Centro de lectura: FILOSOFIA Y CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN.
Centro de realización: UNIVERSIDAD DE DEUSTO.

Resumen: La presente tesis aborda la obra del escritor alemán Thomas Mann con la intención de estudiar cómo se construyen en ella tres conceptos-clave del pensamiento contemporáneo: "Sujeto", "Cultura" y "Forma Artística". Las hipótesis fundamentales de la investigación han sido desarrolladas de acuerdo al siguiente diseño argumental: Capítulo primero: Introducción al universo del autor mediante un diálogo con destacadas representantes de la constelación filosófica-social de su tiempo. Se ha realizado un recorrido por diferentes paisajes de la sociología temprana centroeuropea (de la mano de autores como Tönnies, Sombart, Troeltsch, Simmed y Weber) cuyo motivo inspirador ha sido la "construcción cultural de la personalidad", poniendo una atención muy especial en las afinidades existetnes entre el universo de las ficciones mannianas y aquellos procesos diagnosticados y analizados por los pensadores citados (por ejemplo, la influencia del espíritu del capitalismo sobre los métodos de racionalización de la existencia definidores de la ética burguesa, o la interpretación del fin de la modernidad a la luz de la secularización de las doctrinas sociales del protestantismo ascético). Capítulos segundo y tercero: aquí nos hemos aproximado a los conceptos de "Sujeto", "Cultura" y "Forma Artística" tal como se articulan en Los Buddenbrook y Doktor Faustus, respectivamente. En el primer caso, nos ha interesado descubrir cuáles eran los rudimentos éticos de la construcción del "Sujeto" en la ópera prima novelesca del escritor sirviéndonos del concepto de vocación como motivo inspirador del análisis: han podido destacarse de este modo cuáles son las consecuencias socio-culturales implicadas en la respuesta al deber profesional en la época del capitalismo tardío y de qué tipo son los efectos del vaciamiento religioso de las conductas profesionales susceptibles de ser incluidos bajo el término desencantamiento. Así se han descubierto interesentes afinidades electivas entre las propuestas de Mann y las invetigaciones de Weber. En el caso del Doktor Fautus, el tema de la vocación se transplanta de un modo decisivo al universo de las "Formas Artísticas" (específicamente, a las musciales) provocando que el tormentoso destino del Arte en el siglo XX, pueda ser reinterpretado a la luz no sólo del mito medieval de Fausto sino tamibén en trágica conexión con la "Cultura" europea de entreguerras que es aquí minuciosamente analizada en sus inflexiones religiosas, políticas y estéticas. El Arte adquiere en este capítulo la categoría de una actualización simbólica o de una racionalidad trágica respecto a las complejas contradicciones culturales y desgarros históricos de la época en cuestión: la furctífera colaboración filosófica entre Theodor W.Adorno y Thomas Mann hizo que la música desempeñara en Doktor Faustus el papel de depositaria simbólica de la lucha entre contreñimientos políticos y posibilidades expresivas, entre el diabólico atenazamiento ético de la época y la racionalidad poética. Capítulo cuarto: Si en los capítulos segundos y tercero nos fijábamos en los extremos del cosmos manniano (por una parte, el desfondamiento religioso del desdivinizado mundo del capitalismo tardío y el vaciamiento ético de la idea de vocación hacían que la personalidad quedara a las puertas de constituirse en Sujeto -así ocurre en Los Buddenbrook-; por otra parte, el re-encantamiento diabólico de la Cultura en la Europa de la Segunda Guerra Mundial y la condición trágica del Arte que es su metáfora crítica conllevaron la aniquilación de la idea de Sujeto, aniquilación expresada a través de la vieja metáfora del Pacto con el Diablo- tal como se relata en Doktor Faustus-), en el cuarto y último capítulo hemos querido interpretar en cambio su literatura como "lenguaje de la mediación". Y lo hemos hecho a través de estas tres estrategias expositivas: es preciso destacar, en primer término, la importancia de la hermenéutica de Thomas Mann, concebida originalmente como mediación entre los místico y lo histórico, entre lo arquetípico y lo individual-psicológico (Según la fórmula Mythos plus Psycohologie -se ha resaltado el diálogo con la filosofía de Arthur Schopenhauer encerrado en esta fórmula-); es necesario, en segundo lugar, ahondar en la visión dialéctica del autor, heredera de Nietzsche, precisando de este modo cuáles son los marcos conceptuales que empleó en la elaboración de los conceptos de "Sujeto", "Cultura" y "Forma artística" (trabajados de un modo agónico, contrafugado, polifónico, contradictorio: técnica llevada a su culminación en La montaña Mágica); en tercer lugar, hemos querido hacer justicia al carácter sutilmente simbólico de su literatura y al monumental tejido de Leitmotiven que unifican sus novelas acercándonos a las principales metáfora de mediación puestas en pie en su tetralogía José y sus hermanos (destacando la importancia que tuvieron para las concepciones del autor sus lectura de las obras de Bachofen). De la aplicación de estas tres estrategias argumentales surge finalmente la idea de Identidad abierta como clave configuradora de los tres conceptos analizados a lo Largo de la Tesis: en los tres sev produce una integración crítica de lo ancestral en lo moderno y de lo sombrío en el culto de lo divino.

Autor: LÓPEZ-REMIRO FORCADA MIGUEL.
Año: 2002.
Universidad: NAVARRA.
Centro de lectura: FILOSOFÍA Y LETRAS.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS, UNIVERSIDAD DE NAVARRA.

Resumen: El estudio de la obra de Mark Rothko ha sido objeto durante las últimas décadas de un importante número de publicaciones. Rothko se consolida como la figura clave de la Escuela de Nueva York y una de las figuras más importantes del arte del siglo XX. Sin embargo, el estudio de la obra artística de Rothko ha partido con frecuencia de un análisis sesgado, obviando por un lado la importancia del período surrealista de este autor, etapa que Rosenblum denomina terra incognita, en beneficio del estudio de su época clásica, y no atendiendo, por otro lado, a la importancia de la obra escrita de este autor. Estas dos lagunas en el estudio de la obra de Mark Rothko tienen como consecuencia principal la presentación de su obra artística y pensamiento teórico de una forma discontinua. El objetivo de la tesis era el de realizar un estudio de corte poético sobre la obra de Mark Rothko. El estudio poético se caracteriza por abordar desde una perspectiva amplia el hecho artístico facilitando vislumbrar la unidad que reside en el planteamiento artístico. Este plan de investigación parte del interés por realizar una exposición de las claves del pensamiento y práctica artístico de este artista. El desarrollo la tesis está dirigido justamente hacia este aspecto, al de realizar una aproximación a la obra de Mark Rothko teniendo en cuenta a lo largo de todo el trabajo la siguiente perspectiva: el respeto a la unidad latente en toda su obra y pensamiento.

Autor: GOMEZ MARTINEZ FRANCISCO JAVIER.
Año: 2001.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FILOSOFIA.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFIA.

Resumen: Se estudia el uso de ironia en los dialogos de Diderot, asi como las influencias recibida por este filósofo de la ilustracion: la tradicion del dialogo socrático, la ironia de la novela cervantina, la novela inglesa del dieciocho (Richardson y Sterne, principalmente) y el pensamiento de raiz empirista o sensualista (Shaftesbury). Todo ello se pone en conexion ademas con su filosofia de la Naturaleza, construida siguiendo la estela de Leibniz y de Newton. De este modo, la novela Jacques el fatalista aparece como un desarrollo irónico de las cuestiones filosóficas del fatalismo y del determinismo. El primer capitulo desarrolla ademas un analisis critico de distintos enfoques metodologicos y se plantea la cuestion de en que consiste leer un texto narrativo. Se examinan, sucesivamente, las aportaciones de M.M. Bajtin, la Hermeneutica, la Estetica de la Recepcion o la Pragmatica, y se defiende la idea de una semiosis ilimitada de los textos literarios. Las novelas de Diderot rompen con los criterios establecidos por la tradicion de verosimilitud o de verdad, desarrollando, hasta el grado máximo posible en su epoca, los artificos del dialogo y de la despersonalizacion. Por otro lado, desarrolla un uso de la ironia que es una mezcla de la ironia socratica y de la ironia puesta en juego por la novela de herencia cervantina, diferente de la ironia romantica desarrollada por Kierkegaard o Solger. El trabajo se cierra con una reflexion final sobre el uso de la ironia en la literatura contemporanea y su posible funcion en el pensamiento futuro. La estructura del trabajo es la siguiente: 0.Introduccion. La novela como ruptura de una imagen del mundo. I. Ensayo de Metodologia. II. La ironia en la novela. III. Diderot en el espacio de la Ilustracion (Estetica y Filosofia de la Naturaleza), y IV. Jacques el fatalista en la herencia cervantina.

Autor: CASANS ARTEAGA ARACELI.
Año: 2001.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FILOSOFIA.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFIA. UNIVERSIDAD COMPLUTENSE.

Resumen: El numero de Oro es una noción matematica, geometrica, bastante sencilla, conocida desde los tiempos de la Grecia clasica. Los pitagoricos descubrieron una intensificación de la belleza en las obras cuando se rigen según el numero aureo. La ciencia moderna ha reconocido la causa: Se debe a que el crecimiento de todos los organismos vivos está regido por esta proporcion, tambien llamada Fi. Representa la forma óptima como un ser vivo puede elaborar un máximo de materia con un minimo gasto de energia. Esta constante rige tambien para el ser humano, tanto en su forma corporal como en sus organos de percepcion. El especial agrado que el sujeto percibe ante el numero aureo, es un reconocimiento sensitivo de la ley del crecimiento. La filosofia está actualmente trabajando en lo que llama formas, es decir, los esquemas o ritmos racionales que ordenan los ambitos en los que se estratifica la energia-materia. En el orden mas elevado, el de los modos complejos de conocimiento, se muestra con bastante claridad una estructura triádica o trigangular. Los aspectos más sensitivos tienen una autonomia por la que su ordenacion permanece inconsciente para el entendimiento abstracto. La tesis de este trabajo es que el numero Fi, en tanto que manifiesta este orden, puede considerarse una Forma transitiva entre el conocimiento intelectual y el sensitivo.

Autor: GUZMAN VILLANUEVA JAVIER-ELADIO.
Año: 2001.
Universidad: BARCELONA.
Centro de lectura: FILOSOFIA.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFIA.

Resumen: ESTA INVESTIGACIÓN ES UN ESFUERZO POR ACLARAR EL CONCEPTO "SIGNIFICADO ARTÍSTICO" A PARTIR DEL CONCEPTO "INTENCIONALIDAD ARTISTICA" PARTIENDO DE LA OBRA DE RICHARD WOLLHEIM. EN LA PRIMERA PARTE HEMOS JUSTIFICADO LA CENTRALIDAD DE LA NOCION "INTENCIONALIDAD ARTISTICA" A TRAVÉS DEL DESPLIEGUE DE CIERTOS ASPECTOS DE LA METAFÍSICA DE LA INTENTIO, DE LA FENOMENOLOGIA,…, Y DE LA TRADICIÓN ANALÍTICA. EN LA SEGUNDA PARTE NOS HEMOS CENTRADO EN LA EXPLICACIÓN DE WOLLHEIM DEL FENÓMENO PICTÓRICO ARTÍSTICO, ATENDIENDO, ESPECIALMENTE, A SU PERSPECTIVA INTENCIONAL. Y EN LA TERCERA PARTE HEMOS DERIVADO EL MODELO INTENCIONAL WOLLHEIMANO HACIA LA DELIMITACIÓN DE LOS FACTORES QUE CONFORMAN LA AGENCIA ARTISTICA, FACTORES QUE CONFORMAN LA AGENCIA ARTÍSTICA, EMPLEANDO TAMBIÉN OTROS MATERIALES TEÓRICOS. EN ESTA LABOR HEMOS ANALIZADO LA CONSTELACIÓN CONCEPTPUAL "INTENCIONALIDAD ARTÍSTICA", HEMOS ESBOZADO UNA ANALÍTICA INTENCIONAL DEL SIGNIFICADO ARTÍSTICO Y NOS HEMOS POSICIONADO SOBRE LA TESIS ANTIINTENCIONAL. Y TODAS NUESTRAS CONSIDERACIONES SUPONEN LA NECESIDAD TEÓRICA DE APLICAR A LA FIGURA DEL ARTISTA EL CONCEPTO "SUJETO".

Autor: FERNANDEZ GOMEZ ROSA.
Año: 2000.
Universidad: MALAGA.
Centro de lectura: FILOSOFIA Y LETRAS.
Centro de realización: FILOSOFIA Y LETRAS.

Resumen: La tesis es un estudio de estética comparada entre la tradición india del shivaismo de cachemira y la tradición occidental en torno a la idea de "juego dramático de la energía", entendiéndose por esta expresión la creación del universo como proceso lúdico-dramático. En el sivaismo de cachemira la creación del universo se explica como proceso lúdico-dranático del absoluto que juega a esconder su naturaleza trascendente mediante la representación del drama cósmico; un drama que es susceptible de ser gozado estéticamente por un místico-esteta. En cambio, en la tradición occidental, aunque el mundo ha sido cmparado con un teatro y con una obra estética, no se ha entendido que la misma obra estética fue una obra de arte lúdico-dramática. En esta tradición no ha proliferado una visión de universo lúdico-dramática y estética debido a sus presupuestos dualistas de partida.

Autor: JIMENEZ ARENAS ISABEL M..
Año: 2000.
Universidad: VALENCIA.
Centro de lectura: FILOSOFIA Y CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSIFA Y CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN.

Resumen: La historia personal de Louise Bourgeois, en torno al mundo del tapiz, refleja la incursión del feminismo en el arte. La proyección de su obra en el contexto curativo demuestra que la intervención feminista enriquece el proceso terapéutico. Durante el desarrollo plástico, supedita el uso del material a la función terapéutica, de modo que las técnicas artísticas pasan a ser técnicas complementarias a las propias del psicoanálisis. Bourgeois elige la dureza, color o textural del material, así cómo la técnica, de acuerdo con la necesidad de experimentación. El grado de control del material, permite expresar, con más o menos libertad, los sentimientos que provocan los recuerdos. Por esta razón, bourgeois afirma que su cuerpo es su escultura, considerando el arte una realidad a través de la cual consigue el efecto terpéutico, alejándose, progresivamente, del trauma. Las vivencias de Borugeois durante su adolescencia, que estuvieron vinculadas a la tejeduría, dejaron huella en el proceso plástico de su madurez artística. A través del pasado, que Bourgeois invoca durante le proceso plástico, revive sentimientos de amor y odio hacia sus padres. El tejido, la aguja, la ropa, cobran protagonismo en el recuerdo del taller de restauración de tapices que sus padres dirigían, liberando el rencor. Así pues, su historia personal posibilita la mediación de la teoría feminsita en dicho proceso de liberación del trauma, a través de la subvención del lenguaje para autodefinirse como mujer y recuperar la autoestima.

Autor: ANGUERA GUAL M. DEL MAR.
Año: 1999.
Universidad: AUTONOMA DE MADRID.
Centro de lectura: FILOSOFIA Y LETRAS.
Centro de realización: FILOSOFIA Y LETRAS.

Resumen: El grupo portico, formado por Santiago Lagunas (1912-1995), Fermin Aguayo (1926-1977) y Eloy G. Laguardia (1927), se inicia en una nueva manera de concebir la práctica del arte. Esta nueva manera entra en relación con las expresiones artísticas que proliferan en la capital francesa a partir de 1945,y que apuestan por lo que más tarde se conocerá como el movimiento informalista o expresionismo abstracto. Las nuevas formulaciones que pone en práctica del Grupo Portico no han sido objeto de un estudio profundo,que permita establecer el juego de tensiones que vive el arte en este periodo de la postguerra española. Por ello en este trabajo de investigación se abordara la obra de los porticos en su conjunto -lienzos, decoración y reforma del Cine Dorado y colaboraciones gráficas-, teniendo en cuenta el contexto de limitación que supuso nuestra postguerra. Su determinación vanguardista les configura como uno de los grupos más destacados de la postguerra: Su obra se desenvuelve en la línea de un arte abstracto de raíz expresiva. Se trata de una pintura que pugna entre la analítica de la forma que tiende a construir el lienzo y la expresividad aformal en el breve lapso temporal -1947-1952- que el grupo desarrolló su actividad artística conjunta.

Autor: SAIZ RUIZ SIMEON.
Año: 1999.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FILOSOFIA.
Centro de realización: FACULTAD DE FISOLOFIA.

Resumen: Examina el lugar de la imagen en la producción de sentido y en su relación con el lenguaje, estudiando la posición que Derrida le otorga y, a través de los textos que éste lee, la ambigua consideración que la filosofía occidental ha mentenido a lo largo de toda su historia hacia la ella. Se plantea que tanto en uno como en otra la imagen es sometida a una violencia semejante a la que Derrida denuncia que la metafísica ejerce sobre la escritura. Se lleva a cabo este análisis a través de tres conceptos clave de la semiótica que en realidad son tres momentos de un mismo fenómeno: el sentido (en su convergencia y divergencia con el significado), el referente y el signo. Diferenciados entre sí, pero profundamente imbricados, son una vía de acceso a la lectura de Derrida, que no de sistematización, cuyo mero internto sería ya una traición a la lectura. Respecto al sentido, nos movemos casi linealmente a través de la primera obra, la dedicada a Husserl, que es la única que se presta a tal penetración. El problem del origen del sentido es el que se dilucida en dichos textos y en cuyo análisis se articulan los conceptos que van a configurar su producción teórica. En lo concerniente al referente, estudia los escritos de Derrida dedicados al arte y en cuya lectura el referente aparece como lugar problemático para el sentido, que parece poder pasar sin él y a la vez no pude determinarse sin él. Por último, la parte final hace un recorrido de la fragmentaria pero constante aparición de la función del signo en el lenguaje. Peirce se va a mostrar en esta ocasión una lectura no delcarada que no se puede ignorar. La imagen es fruto y razón de los desdoblamientos del signo. Que la imagen sea parte del signo o el otro del signo es lo que se anunica y se oculta en la partición entre significante y significado. Ninguno de estos tres conceptos ni de sus análisis puede ser completo sin atención a los otros coneptos implícitos en cada uno de ellos. Consecuencia de las relaciones entre estos tres conceptos, pero ya fuera del objeto de esta tesis, es la inevitable relación entre imagen, lenguaje y poder.

Autor: URPI GUERCIA CARMEN.
Año: 1999.
Universidad: NAVARRA.
Centro de lectura: FILOSOFIA Y LETRAS.

Resumen: La teoría de la educación ha manifestado en ocasiones ciertas reservas sobre el valor formativo del arte, pero naturalmente educar no es una tarea exclusiva de las organizaciones institucionales; existen otros agentes educativos que educan efectivamente sin tan siquiera intención expresa de ello. Jean Mitry (1904-1988) expone una teoría del cine válida para defender que el cine puede experimentarse como una vivencia formativa: el cine alcanza un rango artístico equiparable al de cualquier otro arte, y el arte un valor cognitivo equivalente -si no superior- al de la ciencia, así como un valor experiencial más provechoso incluso que la vida misma. El pensamiento de Mitry sobre la naturaleza humana se sustenta sobre la síntesis entre un concepto realista y otro idealista: las capacidades humanas más importantes que intervienen durante la experiencia fílmica, tales como la percepción la imaginación o la memoria, no ejercen una función meramente receptiva del significado del film o de la intencionalidad del autor sino sobre todo una acción creadora de sentido. Precisamente por tales posibilidades creativas la experiencia fílmica se vuelve formativa. La educación queda condicionada por dos efectos estéticos: la identificación y la proyección asociativa, clásicamente denominados en la teoría estética mimesis y catarsis. Entre el autor y el público se presuponen unos pactos previos, sobre la base de una misma realidad compartida. Principalmente, el autor confiere credibilidad a la ficción fílmica mientras el espectador -aunque consciente de la ficcionalidad- simula convencimiento. Esta verosimilitud permite la identificación del espectador con la acción del film reconocida como mimesis. En el sentido inverso, la catarsis surge sólo cuando el espectador proyecta sus propias expectativas sobre los hechos filmados. El resultado final es el reconocimiento de los propios ideales, de las tendencias que todo espectador guarda en su mundo interior. Paradójicamente, la experiencia fílmica ofrece una de las formas más vividas para la educación moral o del carácter. Pero algún tipo de cultura cinematográfica previa es esencial para el provecho y disfrute de los futuros espectadores. Asimismo, ciertas condiciones de calidad artística son indispensables si queremos hablar de formación y no de de-formación.#

Autor: ASTOBIZA PICAZA NICOLAS.
Año: 1999.
Universidad: NACIONAL DE EDUCACION A DISTANCIA.
Centro de lectura: FILOSOFIA.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFIA-UNED.

Resumen: La obra de Baudelaire viene a significar la culminación de la Querelle y el comienzo mismo de la Modernidad tal como es percibida hoy día. En su obra se hacer visibles las dos fases de la construcción de lo moderna. En la primera, sobresale la profunda afinidad de Baudelaire con el subjetivismo romántico. En la segunda, propone una nueva definición de la belleza moderna. La afinidad de Baudelaire con la obra de Delacroix, Balzac, Gautier, Poe y Wagner incide en la peculiar concepción del hecho creativo que posee Baudelaire y que se percibe en toda su obra. La del Romanticismo, al igual que la de Baudelaire es un visión subjetiva, intimista y espiritualizada de la realidad, donde lo importante no es representar lo sensible en toda su exactitud, sino crear una magia sugestiva que envuelva al artista y al espectador. Es decir, es una manera de sentir. En Baudelaire, la influencia del Romanticismo se manifiesta también cuando asume la importancia de la ingenuidad, del color, de las nociones de progresión y perfectibilidad-utilizadas por los románticos alemanes- al igual que en el tema de las correspondencias, donde se percibe la especial significación que para Baudelaire posee la imaginación; consiste en percibir las relaciones intimas y secretas de las cosas por medio de las relaciones de afinidad entre diferentes fenómenos de lo sensible. La influencia del Romanticismo en Baudelaire se manifiesta, asimismo, en aspectos menos relacionados con dicha teoria estetica: el sentimiento de hastio- que recorre toda la obra de Baudelaire- y el valor positivo que adquiere el mal, considerado por Baudelaire solo desde el punto de vista estético. La personalidad de Baudelaire se halla subyagada por todo lo maléfico, diabólico, extraño y raro que el poeta percibe en la vida moderna. Esta atracción por el abismo es el sintoma, además, del profundo spleen que embarga al hombre moderno, al hombre que vive en una ciudad. La segunda fase de la teoria sobre lo moderno de Baudelaire se manifiesta en la parte final de su obra. La apertura hacia los pequeños sujetos y detalles vulgares de la realidad, que comienzan a ser plasmados en los Cuadrod de epoca de Heine con unos perfiles positivos, da lugar a una nueva vision de la realidad. Ahora bien, en Baudelaire la experiencia de lo cotidiano tiene un matiz subjetivo, muy poetizado, donde se percibe la influencia de la obra de Balzac. En Baudelaire se perciben dos sentidos diferentes de moderno: 1)potencia lo presente en detrimento de lo antiguo. 2) lo moderno tiene que ver con lo pasajero y efimero. Baudelarie, más alla de valorar las costumbres contemporaneas, como lo hacen Balzac,Heine, Standhal, quiere introducirse en la vertiente efimera de la belleza moderna.

Autor: CAIROL CARABI EDUARD.
Año: 1999.
Universidad: BARCELONA.
Centro de lectura: FILOSOFIA.
Centro de realización: FACULTAT DE FILOSOFIA.

Autor: LUCAS SANTAREM FRANCISCO JAVIER DE.
Año: 1998.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FILOSOFIA.

Resumen: En esta tesis se ha tomado la filosofía de Nietzsche como punto de partida y referente polémico para un ensayo sustantivo de la estética como fundamentación de la eticidad a partir del pensamiento nihilista. La primera parte de este estudio representa el cuerpo ensayístico en el que se cimenta y se plantea la estética como fundamentación de la eticidad, arrancando de los conceptos metafóricos nietzscheanos. Durante la segunda parte, se muestra el carácter probatorio, en la que se analiza e interpreta paralelamente la obra de Nietzsche siendo consecuente con el objetivo final de esta tesis. Los conceptos de ética y estética son redefinidos desde un punto de vista tanto ontológico como óntico, es decir, tanto categorial como empírico, con objeto de probar que la existencia del hombre transcurre en una constante contradicción y lucha entre lo necesario y lo contingente. Por ello se apela al ethos como lo más íntimo, inalieanable y necesario, desde un criterio eudemónico, para la realización del ser en el mundo.

Autor: PINILLA BURGOS RICARDO.
Año: 1998.
Universidad: PONTIFICIA COMILLAS.
Centro de lectura: FILOSOFIA Y LETRAS.

Resumen: La tesis analiza el pensamiento estbetico de Krause a lo largo de toda su obra, desde un punto de vista a la vez genético y sistemático, situándolo en el contexto filosófico y artístico de la época. Se comienza con un estudio de las primeras obras del filósofo, en las que se advierte una presencia central, aunque difusa, del factor estético, que luego evolucionará hacia una ubicación más matizada y sistemática. Después se aborda la formación artística de Krause y su relevancia, para pasar en seguida a la revisión genética del proceso de acotación y fundamentación metafísica de la Estética como disciplina dentro del sistema generalde su filosofía. A partir de ahí se desarrollan y analizan los pilares fundamentales de la Estética madura krausiana: una abarcante teoría de la belleza, que aborda la síntesis de los conceptos subjetivo y objetivo de lo bello (análisis categorial), caracterizando esta cualidad como semejanza a Dios, y que descubre lo bello como una tarea de la Humanidad y como una importante clave de interpretación del mundo; y, de otro lado, la teoría del arte bello, que se encuadra en una amplia filosofía de la acción y de la cultura, y que se desarrolla como roganismo de las artes bellas, dentro del cual se presentan las teorías especiales de cada arte, entre las que destacan, por distintos aspectos, la poesía, la música, el drama y la arquitectura. Conclusiones principales: la dimensión estética, entendida como una amplia filosofía de lo bello y del arte bello, es un eje constante y fundamental en la filosofía krausiana, está en plena coherencia con ella, y aporta elementos fundamentales para comprenderla mejor.