HISTORIA DEL ARTE DE LOS SIGLOS XIX Y XX, 2

Autor: ZULAICA OROZCO AMAIA.
Año: 2000.
Universidad: NAVARRA.
Centro de lectura: FILOSOFIA Y LETRAS.
Centro de realización: FACULTAD DE GEOGRAFIA E HISTORIA.

Resumen: La presente tesis se enmarca dentro del siglo diecinueve español, período en el que tiene lugar la desamortización. Esta iba a ser una etapa de profundos cambios, que han sido estudiados fundamentalmente desde una perspectiva política, económica y legal. Nuestro trabajo se centra sobre la desamortización del clero regular y los efectos que tuvo en su patrimonio cultural, un punto de vista mucho menos trabajado y conocido. De manera particular, aborda el impacto que dicha desamortización iba a tener sobre la iglesia de Navarra. Analizamos las sucesivas etpas desamortizadoras. A lo largo del período que se extiende desde la expulsión de los jesuitas 1767 hasta la segunda mitad del siglo XIX, décadas en las que la desamortización de la iglesia se solapa también con una sucesión de guerras, para en algunos casos abarcar hasta nuestros días. La metodología empleada ha sido el estudio en detalle del patrimonio cultural perteneciente a setenta y tres comunidades situadas en Navarra, conventos y monasterios, sus edificios y contenido, analizando en paralelo los inventarios formados sobre cada comunidad a través de las diferentes etapas desamortizadoras, así como la legislación que regula el proceso, observando de este modo los cambios producidos a lo largo del tiempo. La documentación consultada principalmente para nuestro trabajo ha sido la generada por el propio proceso desamortizador, de manera particular los expendientes de supresión e incautación y de venta en los que se encuentran insertos esos inventarios, documentación que se localiza en su mayoría en los archivos de navarra, y en menor media, en los archivos nacionales de madrid. Como consecuencia de la desamortización, y fundamentalmente de la exclaustración de las comunidades regulares, una parte importante de ese patriomino cultural eclesiástico de Navarra se vio dispersado, otra parte desaprecio sin dejar rastro o fue destruida, encontrándose las guerras también como motor de estos efectos negativos. Entre los efectos positivos sin embargo,e se patrimonio pasaría también a manos públicas y privadas, para convertirse en la base de archivos, bibliotecas y museos públicos de carácter provincial que existen hoy.

Autor: TORRES ROMAN JUAN LUIS.
Año: 2000.
Universidad: ALICANTE.
Centro de lectura: FILOSOFIA Y LETRAS.
Centro de realización: DOCTORADO.

Resumen: La tesis se circunscribe a la etapa creativa tinerfeña de este pintor (nacido en Santa Cruz de Tenerife en 1910 y fallecido en Güimar en 1984), quien emigró como otros artistas de la época a Venezuela, país en el que vivió el resto de su vida, hasta que regresó para morir a su isla natal. Se resalta especialmente el grado de originalidad e independencia dentro del panorama artistico local que le atribuyeron sus contemporaneos en aquellas dos primeras decadas de la postguerra y el hecho inexplicable del mutismo oficial que padece su producción a tenor de la absoluta ausencia del artista de las diferentes publicaciones que sobre arte del siglo XX canaria se han venido sucediendo en las ultimas decadas en las islas. Pintor comprometido dado su talante progresista, dedicó la mayor parte de su producción a representar el mundo de los trabajadores del campo y el mar de su isla, a traves de un lenguaje que recogía muchas de las conquistas de la pintura moderna, asi como otros elementos plasticos propios. Pero a pesar, no obstante, de ser consiguientemente un pintor que se expresaba de acorde con una estetica propia de su tiempo, el enfasis que ponia en la misión que según el debía cumplir todo artista, yendo mas alla de lo puramente formal y estético para centrar su atención en lo social, le empujó a mantener, por esta circunstancia, un enfrentamiento con la vanguardia local.

Autor: CABO VILLAVERDE JAVIER.
Año: 2000.
Universidad: SANTIAGO DE COMPOSTELA.
Centro de lectura: GEOGRAFÍA E HISTORIA .
Centro de realización: FACULTAD DE GEOGRAFÍA E HISTORIA.

Resumen: Análisis de la imagen en la pintura surrealista ilusionista en lo referente al espacio propuesto, las formas contenidas y el tiempo sugerido por la misma. A apartir de los parámetros de la imagen realista convencional, cuyo estilo academiscita comparte el surrealismo, se van desglosando los rasgos propios de la imagen surrealista, de modo que el catálogo de sus artificios destinados a evocar una realidad ulterior queden expuestos en cuanto a sus medios y sus fines, sin olvidar las relaciones establecidas entre ellos y la presencia de precedentes en el arte tradicional o de paralelos en el contemporáneo. El objetivo de esta tesis, en suma, es trazar una guía solvente para enfrentarse al mundo propuesto por el surrealismo, más allá de las particularidades de cada uno de sus representantes.

Autor: EXPOSITO ARAGON JESUS.
Año: 2000.
Universidad: SEVILLA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: El nucleo de la investigación lo constituyen los mediadores en arte, la tesis procura arrojar luz sobre este colectivo y analizar la incidencia que pudiese haber efectuado dentro de los limites cronológicos que se establecen. Parte de la Hipotesis, de que la mediacion puede influir en la creacion y produccion plastica, a traves de la politica cultural y de fomento que se ejerza por parte de dichos mediadores. En un primer apartado, se hace una analisis de la produccion pictorica desarrollada en Sevilla dentro de los limites establecidos, desde un punto de vista social, politico y plastico relacionado con los mediadores. Resalta en este apartado, la actividad realizada en torno a la aparicion de la Autonomia (1975-85) y la actividad realizada en torno a la Exposicion Universal(1985-95). El cuarto y ultimo apartado está dedicado a las conclusiones, que con respecto a la mediacion publica, la mediacion privada, y tambien con respecto al artista, al publico y a la sociedad como receptores. Se destaca la figura de Francisco Molina, como un mediador influyente, sobresaliente, y con una gran influencia en la mediacion tanto publica como privada en Sevilla. Tambien en este apartado, la constactación de que efectivamente exista una incidencia de la mediacion, y que esta incidencia viene dada por la politica cultural y economica que las instituciones publicas y privadas ejerciten en materia de difusion y fomento. En lo relacionado con las instituciones publicas, se destaca como positivo el impulso y desarrollo que el arte contemporaneo ha experimentado a partir de la decada de los ochenta, asi como la creación y rehabilitación de nuevos espacios expositivos. Tambien se menciona la creacion del CAAC y de los talletes de creacion plastica que esta institucion oferta. Como negativo, se manifiesta la escasa preocupacion y atencion que los mediadores han dado a los aspectos teoricos de formacion, informacion, cultivo y educacion; tambien la precipitacion por obtener una rentabilidad economica y sobre todo la carencia de teoria metodo en las actividades realizadas. En lo concerniente a la gestion realizada por el Museo de Arte Contemporaneo, se destaca su linea irregular, con desigual programacion y la carencia de significacion en lo relacionado a la vinculacion con Sevilla y con la cultura andaluza, tambien una marcada preferencia por lo foraneo. Otros aspectos que se mencionan, son la necesidad de una democratizacion de sus actividades en materia de difusion y fomento; la creacion de espacios neutros en los que no participen los intereses extra-artisticos y la posibilidad de incluir la relacion arte-sociedad en los programas de enseñanzas artisticas.

Autor: FERNANDEZ RIVERA M. LUISA.
Año: 2000.
Universidad: PAIS VASCO.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: El concepto de realidad ha variado mucho en nuestra cultura, hasta llegar a la concepcion actual. Pero esta no es mas que la representacion o representaciones que nos hacemos de ella. La transformacion de nuestro concepto de realidad, la incorporacion de nuevos fenómenos y elementos al esquema de lo real, ha ido permitiendo la entrada en el arte de formas nuevas de representacion. Ya en el siglo XIX, y en XX, sobre todo, la Psicologia, la Filosofia, la Literatura, la Ciencia, descubren de diferentes modos y en sus particulares campos, que las oposiciones jerarquizadas; razon/intuición, negacion/afirmacion, ausencia/presencia, orden/caos…, no se pueden definir si no es a partir del otro. "El azar esta entrelazado con el orden, la simplicidad oculta complejidad, la complejidad simplicidad". Dar primacia a uno de los aspectos de estas dualidades es un reflejo de nuestra carga cultural. El hombre necesita atrapar la realidad que le circunde para sentirse seguro, poderoso ante aquello que parece escaparse de su dominio. Lo disperso y dionisiaco es inquietante, y por ello, busca absolutos que le den formas precisas por las que guiarse y leyes que le permitan aprehender el mundo. La deconstruccion de Derrida de la metafisica occidental demuestra como los conceptos capitales de esta-objeto, verdad, identidad…-han de remitirse finalmente a la nocion de presencia. Con el ejemplo de la teoria del lenguaje se refuta la idea de la presencia. Las estructuras las cuales esta constituido el concepto de razon se rompen. Es desde la posibilidad de la ausencia desde donde se instaura el valor de la presencia como lo siempre constante, lo siempre repetible. La compleja relación entre interior y exterior que vemos al estudiar la realidad, se repite al estudiar el arte: el marco, la peana, la piel, los limites como ficcion de una diferencia… pero tambien otras señales: Repeticion, fragmentacion y espacio entre los fragmentos, marcan es "differance" que nos aleja del origen. La teoria de la obra abierta no es otra cosa que una poetica del pensamiento serial El arte, en virtud del carácter espontaneo de su practica, puede convertirse en modelo de una concepcion de la razon que ya no se orienta a una logica de la identidad sino que se concibe por su diferencialidad. Ultimamente, desde la creacion del Museo Guggenheim, se ha oido hablar mucho de arquitectura deconstructivista, y quiza sea la arquitectura el medio donde podemos ver la aplicación de los presupuestos deconstructivistas de una manera mas llamativa.

Autor: MAGRO MARTÍN PILAR.
Año: 2000.
Universidad: NACIONAL DE EDUCACION A DISTANCIA.
Centro de lectura: GEOGRAFÍA E HISTORIA.
Centro de realización: FTAD. DE GEOGRAFÍA E HISTORIA UNED.

Resumen: El trabajo que se propone como Tesis Doctoral contiene un análisis del papel del mar en la pintura española del siglo XIX en España. Se fundamenta el estudio sobre una compilación de datos procedente de diversas fuentes, estructurada en una base de datos, (File Maker Pro 2.0, Macintosh), que dará lugar a un diccionario donde se recogen casi ochocientos artistas relacionados con el mar en mayor o menor medida. (Volumen II). La información de aquí obtenida se ha canalizado a través de unos apéndices cuyos análisis y tratamiento oportuno ha conducido a numerosas conclusiones. El volumen I contiene además, desde una aproximación a una posible definición de la Marina o el papel evolutivo de la pintrua naturalista, dentro del desarrollo global del Pensamiento, hasta un análisis y clasificación de la obra pictórica, materializado en diferentes histogrmas así como los perfiles sociológicos de los artistas y las escuelas o focos de irradiación existente. Naturalmente todo esto ha sido posible, al menos en una parte, gracias a toda esa información a la que ya se ha aludido, (Volumen II), clasificada, pesada y valorada.

Autor: LLORET MELIS JAVIER.
Año: 2000.
Universidad: CASTILLA-LA MANCHA.
Centro de lectura: BELLAR ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES (CUENCA).

Resumen: La tesis investiga y analiza las reacciones y búsquedas de signficado por parte de diferentes artistas contemporáneos que se enfrentan al dolor (como sensación corporal). El trabajo tiene enfoques múltiples que van desde la Historia, la Historia del Arte y la Historia de la Medicina hasta la vida cotidiana. Propone cuatro lecturas del cuerpo en dolor: la dificultad de su representación; la relación de dolor y placer; el arte corporal y su relación con determinados rituales iniciáticos y chamánicos; y la enfermedad como fuente principal de lo trágico.

Autor: JIMÉNEZ MARTÍNEZ INGRID M..
Año: 2000.
Universidad: SEVILLA.
Centro de lectura: GEOGRAFÍA E HISTORIA.
Centro de realización: FACULTAD DE GEOGRAFÍA E HISTORIA.

Resumen: Esta investigación pretende ser una reflexión en torno al tema del paisaje en la pintura contemporánea puertorirqueña en su despliegue histórico. El propósito de este estudio no ha sido historiar el que hacer de todos los paisajistas puertorriqueños, sino profundizar sobre la presentación y significación del paisaje en la pintura destacandolas formas en las que ha aparecido y las funciones que ha cumplido en el devenir histórico. El paisaje en la pintura contemporánea se aborda desde una perspectiva doble: primero como un documento y un testimonio visual y segundo como una objetivación estética. Se ha vertebrado el cuerpo de la tesis en seis capítulos con varios epígrafes cada uno y en los que hemos destacado lo siguiente: la teoría del paisaje, el estado actual del paisaje en la historiografía contemporánea, las convenciones de los paisajes europeos adoptados en los paisajes americanos el momento de despunte del paisaje puertorriqueño y su desarrollo hasta las primeras décadas del siglo XX, los paisajes de denucnia de la década del cincuenta y los paisajes puros, imaginarios y genéricos de las últimas décadas del siglo pasado. Cerramos nuestras disquisiones sobre el tema que nos ocupa concluyendo que el paisaje en la pintura puertorriqueña mantiene, entre otras tendencias importantes, el embellecimiento de los argumentos y la ocultación del deterioro ecológico de los entornos naturales en la representación. Concluimos también que el paisaje en la pintura puertorriqueña ha sido un recurso memotécnico eficaz de lo perdido, un modo de recuperar el paisaje natural a través del arte.

Autor: BRAVO RUIZ NATALIA.
Año: 2000.
Universidad: MALAGA .
Centro de lectura: FILOSOFIA Y LETRAS.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFIA Y LETRAS.

Resumen: LA RECEPCION CRITICA DE PICASSO EN ESPAÑA (1900-1936) reune, ordena e interpreta los juicios que los escritores españoles formularon sobre la figura y la obra de Picasso desde el inicio del siglo XX hasta la irrupcion de la Guerra Civil. Este estudio se remonta a los origenes de la critica picassiana en España, en el contexto sociocultural de la Barcelona modernista de 1900, recuperando los primeros escritos sobre Picasso, no tanto por presentar un interes como ejercicios hermenuticos -pues se reducen a cumplir una funcion divulgativa-, como por poseer el privilegio historico de descubrir el talento del joven artista. Sera entre los años 1911 y 1913 cuando la critica catalana haga aportaciones interpretativas sobre la praxis cubista que puedan parangonarse a sus ejemplos coetanos franceses. Asi, los criticos Eugeni d´Ors y Josep Maria Junoy, a traves del proyecto noucentista o mediterraneista que posibilita la entrada de la modernidad en Cataluña, fueron capaces de recepcionar, a su manera, la vanguardia que inauguraba Picasso. A partir de entonces, la critica "iberica" no parará de enjuiciar al mito de arte moderno, sirviendo Picasso de cerradura magica para abrir todas las puertas del arte nuevo. Pero, contra las voces que luchaban por la renovacion plastica, enarbolando la bandera revolucionaria del "torero" de la pintura, se produjo el alzamiento-representando la España "en negativo"-de los anticubistas, hijos de la enfermedad mas ignorante: el "pasadismo". En medio de estas tensiones se desplegaban las energias moderadas, hijas de una tradicion moderna y salvadoras de "medio Picasso", al empecinarse en descubrir la tranquilidad de su brisa mediterranea. Y, en esta maraña de "perfiles hispanicos", terminarian triunfando, en 1936, los Amigos de las Artes Nuevas, al dar a conocer en Barcelona-Madrid-Bilbao, la obra, por primera vez vista, del Picasso revolucionario, a pesar de… Aun asi, este acto heroico no tuvo la continuidad deseada; la irupcion de la guerra y los acontecimientos historicos que le sucedieron nos invitan a rememorarlo como un episodio mutilado de la historia. La autora aborda aquí el mare magnum deuna literatura artistica compleja y diversificada en sus ideologias, en la que si hubo un elemento frecuentado por la critica este fue el llamado "Picassismo", el reconocimiento de que Picasso dirige la orquesta de la nuevo, de que este genio indiscutible hace y deshace el arte, de que su obra es siempre sinonimo del devenir artistico. El criterio seguido para el analisis textual atiende al problema de la "comprension" de los escritos, obviando la simple catalogacion o el mero analisis descriptivo. Por ello, se ha tomado en consideracion, como principal contexto expliativo, cada pensamiento particular respetando la expresividad discursiva de cada autor. Entre los juegos captadores de sentido del "fenomeno Picasso" se han abordado firmas señeras de la critica española tales como las de Miguel utrillo, Josep Maria Junoy, Eugenio d´Ors, Ramiro de Mateztu, Joan Sacs, folch i Torres, Llorens Artigas, Marjan Paszkiewicz, Juan de la Encina, Ortega y Gasset, Salvador Dali, Rafael Benet, Sebastia Gasch, Corpus Barga, Ramon Gomez de la Sera, Gimenez Caballero, Jaime Sabartes, Manuel Abril, Eduardo Westerdahi, M.A. Cssanyes, Ferran Callico o Guillermo de Torre.

Autor: LAZARO DOCIO JESUS.
Año: 2000.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: GEOGRAFIA E HISTORIA.
Centro de realización: FACULTAD DE GEOGRAFIA E HISTORIA.

Resumen: El objetivo de nuestra tesis es abrir una via de investigacion en torno a la relacion que une al Método Paranoico-Critico de Dali con el psicoanálisis su deuda con las lecturas fruedianas, asi como con otras influencias que clarifican el origen de su gestación y desarrollo. Para ello, hemos realizado un recorrido por las fuentes primarias y secundarias, construyendo unas lentes graduadas que nos han servido para releer la principal aprotación de Dalí al surrealismo: su metodo paranoico-critico. Hemos devanado la madeja para poder elaborar el tejido que la conforma, siguiendo determinados pasos: -Primero nos hemos familizarizado con las influencias psicoanalíticas de su entorno más cercano. -Segundo, hemos concretado los ecos asimilados por Dalí a traves de algunos de los diferentes circulos teoricos y artisticos en los que indago. -Tercero, nos hemos concentrado en los textos de Freud que más han podido repercutir en la conformación de su método paranoico-critico, aportando el testimonio inédito de sus anotaciones a los textos freudianos. -Cuarto, hemos definido la ambivalencia del método a la luz de sus diferentes componentes contradictorios entre si y complementarios en su forma. -Finalmente, hemos analizado dos ejemplos- el primero escrito y el segundo plastico- que consideramos clave para el entendimiento del metodo paranoico-critico: "El Angelus de Millet" y "La metamorfosis de Narciso".

Autor: FONDEVILA GUINART M. ANGELS.
Año: 2000.
Universidad: BARCELONA.
Centro de lectura: GEOGRAFIA E HISTORIA.

Autor: ROGLÁN KELLEY MARK-ALLAN.
Año: 2000.
Universidad: AUTONOMA DE MADRID.
Centro de lectura: FILOSOFÍA Y LETRAS.
Centro de realización: FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS.

Resumen: Esta tesis doctoral versa sobre el coleccionismo de pintura española del siglo XIX en los Estados Unidos, desde 1800 hasta hoy en día. La investigación ha estado basada en un voluminoso catálogo de pinturas, casi seiscientas, que se encuentran en colecciones públicas de los Estados Unidos. El catálogo razonado de todas estas obras, de casi un centenar de artistas diferentes, reúne cuadros realizados por pintores españoles nacidos entre 1773, año del nacimiento de Vicente López, hasta 1881, año del nacimiento de Pablo Picasso. Además, también se ha evaluado la importancia y calidad, tanto de los artistas como de los cuadros, y un apéndice que incluye pequeñas biografías de todos los artistas que encontramos en el catálogo. Así, los cuatro volúmenes que conforman esta tesis doctoral, tres de ellos dedicados al análisis exhaustivo de los cuadros y uno al estudio del coleccionismo, ofrecen además de un importante corpus de obras, las primeras luces para comprender las pautas del coleccionismo de pintura española del siglo XIX en los Estados Unidos.

Autor: VILA DELCLOS EUSEBIO.
Año: 2000.
Universidad: BARCELONA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: BELLAS ARTES.

Resumen: Los motivos por los cuales se ha estudiado este pintor, de reconocido prestigio, son varios. En primer lugar, por la admiración personal por el pintor y su obra. En sengudo lugar, por la posibilidad de acceder a una fuentes de información y a una documentación muy proximas al artista. En tercer lugar, por el reto y el estímulo que me ha representado la necesidad de establecer las líneas o directrices de una investigación metódica y ordenada, que he pretendido tan honesta como crítica en las valoraciones. A medida que este estudio crecía se me ha evidenciado la certidumbre que Antoni Vila Arrufat (1894-1989) fue un gran y sincero artista, el interés sobre el cual crecerá a medida que la perspectiva sobre el siglo que hemos dejado atrás actue como filtro. Coetáneo del Noucentisme, su obra parte de este movimiento, del cual asimila aspectos puntuales, y se desarrollará entre un profundo clacisismo y la contemporaneidad que le da el conocimiento de las vanguardias ente la década de 1920 y 1930. Otro motivo ha radicado en el interés en estudiar una persona que persevera en su camino, en unos tiempos en que hubiera sido muy fácil seguir las nuevas corrientes que se imponian o ya estaban establecidas. Un artista que domina cualquier técnica y sigue investigandola para buscar la máxima expresividad. Un artista que toma el camino de la introspección, de la expresividad, de la plástica, de la composición mural y se impone retos, auténticos retos planteados, que soluciona ejemplarmente. Un artista que, si bien fue reconocido y elogidado, vivió plenamente centrado en su trabajo, tal como pone en evidencia las pocas exposiciones individuales que realizó así como la cantidad y la calidad de la obra que dejó. Finalmente, hemos pretendido acercarnos a este autor desde una visión rigorosa y metódica, pero también desde el punto de vista de un pintor que mira hacia otro pintor. Habiendo identificado y expuesto las constantes en su obra en lo que se refiere a procedimientos, géneros, técnicas, temas, conceptos y todo lo que permita concretar su estilo, he querido mostrar al artista pintor con una voluntad didáctica, diáfana, lejos de formulismos artificiales, divagaciones teóricas y de todo lo que pueda entorpecer la exposición clara de contenidos. Sin haber agotado el tema, pretendo motivar la reflexión y suscitar un debate aún necesario al entorno de la obra y del gran artista que fue Antoni Vila Arrufat.

Autor: LÓPEZ GARCÍA LUIS.
Año: 2000.
Universidad: ZARAGOZA.
Centro de lectura: FILOSOFÍA Y LETRAS.
Centro de realización: DPTO. HISTORIA DEL ARTE.

Resumen: En este estudio se demuestra cómo el pinto Wassily Kandinsky se basó en los conocimientos proporcionados por determinadas lecturas en Psicología, Biología, Astronomía y Cristalografía para formular aspectos fundamentales de su teoría artística durante su estancia en la Escuela Estatal de Diseño Bauhaus durante 1921-1933. Para ello se analizan fuentes primarias, inéditas en la investigación sobre Kandinsky, fundamentalmente las obras de carácter científico correspondientes a estas materias contenidas en la biblioteca personal del artista, depositada en el Centre Georges Pompidou en París, así como apuntes de sus seminarios manuscritos por algunos de sus exalumnos de la Bauhaus en Dessau. Analizando el contenido de las anotaciones personales del artista, publicadas bajo el título "Cursos de la Bauhaus", así como el de su tratado "Punto y línea sobre plano", se demuestra documentalmente que extrajo mucha información de su bibliografía científica para elaborar su teoría de la composición, mostrándose detalladamente el proceso de adaptación conceptual y metodológica desde nociones científicas a principios artísticos realizado por el pintor a la luz de la lógica discursiva que dejó plasmada por escrito.

Autor: MADRIGAL PASCUAL ARTURO ANGEL.
Año: 1999.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Dentro del periodo 1917-1936, estructuramos en tres momentos históricos correlativos el compromiso político de determinados artistas(algunos ignorados hasta la fecha por la Historia del Arte), que pusieron su trabajo al servicio de su ideología, uniendo arte y vida como base conceptual que soportaría la actitud formal de sus obras.

Autor: CASTAÑOS ALES ENRIQUE .
Año: 1999.
Universidad: MALAGA.
Centro de lectura: FILOSOFIA Y LETRAS.

Resumen: El propósito de la investigación es el estudio de la inicial contribución española al computer art, una de las más conspicuas corrientes tecnológicas aparecidas en la escena artística intrnacional durante la segunda mitad de los sesenta. Los orígenes del arte cibernético en España se sitúan con inusual precisión en la actividad desarrollada por el seminario de Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, creado a instancias de Ernesto García Camarero en diciembre de 1968 y activo hasta la primavera de 1973, periodo que constituye el núcleo del presenta trabajo. La experiencia artística madrileña no sólo ofrece una importante deuda científica con los descubrimientos y teorías del matemático estadounidense Norbert Wiener en torno a la cibernética, sino que se inscribe plenamente en un contexto internacional, en la doble vertiente de la tendencia de conceder atención a la máquina como herramienta y al programa estético como producto artístico en sí mismo. Solo desde esta perspectiva puede también comprenderse la influencia ejercida en el grupo interdisciplinar madrileño de los principales representantes de la estética cibernética, Max Bense y Abraham Moles. A pesar de ese carácter interdisciplinar, patente en la presencia de artistas, matemáticos, arquitectos y expertos en informática en el grupo, hubo en éste una preponderancia de las investigaciones en pintura, justificada tanto por la mayor participación numérica de pintores como por el interés que desde el principio despertó la obra de Barbadillo. El periodo más fructífero correspondió a los dos primeros cursos, 1968-1970, en que el seminario estuvo dirigido por Camarero, empezando a partir de entonces una muerte lenta por inanición y agotamiento, aunque no sin haber alcanzado sus principales objetivos. El núcleo esencial de artistas lo integraron Alexanco(el único que aprendió a programar y que concede una progresiva trascendencia al programa estético), Barbadillo(sintaxis modular dotada de un ingrediente cibernético) e Yturralde(figuras imposibles). Otras contribuciones de relieve fueron las de García Asensio(automatismo del color),Gómez Perales(sistematización del color), Quejido(transformaciones de formas geométricas en un espacio plano),Delgado(módulos) y Gómez de Liaño(establecimiento de una gramática generativo de la pintura). También deben mencionarse Seguí de la Riva,Sempere, Asins, Sevilla, Lugán, Molero y Salamanca. Conclusiones: experiencia positiva por: a) el interés de la Universidad; b) la enseñanza recibida por los participantes del contenido multicisciplinar del proyecto y del trabajo en equipo; c) el seminario se adelantó a la via de colaboración entre arte y ciencia; d) conexiones internacionales y apertura de España al exterior; e)atención concedida al carácter conceptual y procesual de la obra artística; f) apertura de la plástica a las nuevas tecnologías; g) estímulo para potenciar la discusión crítica sobre diversos aspectos del arte contemporáneo; h) resultados concretos en forma de productos que elevaron la contribución española al arte contemporáneo.

Autor: AREVALO CARTAGENA JUAN MANUEL.
Año: 1999.
Universidad: POLITECNICA DE MADRID.
Centro de lectura: ARQUITECTURA.
Centro de realización: E.T.S.A.M..

Resumen: El arquitecto Antonio Palacios contó habitualmente con la colaboración de Ángel García, escultor madrileño de renombre en su época y hasta ahora desconocido. Basándose en una aproximación a la obra de arquitectura desde el detalle a la totalidad, en la tesis se analizan las obras en común de Palacios y García encuadrándolas en los albores del siglo XX, cuando los más destacados escultores destinaron parte de su obra a la ornamentación edilicia. La tesis, en este sentido, sobrepasa el ámbito de esta monografía, estudiando la colaboración entre escultura y arquitectura en el contexto español y sus modelos internacionales. Se detalla la relación de Palacios y García con la docencia a través de las Escuelas de Arquitectura y de Pintura y Escultura y obras de Palacios relacionadas con las Artes Aplicadas. Por último se desarrollan el resto de encargos ejecutados por Ángel García, provenientes de destacados arquitectos de la época.

Autor: GARRIDO DE LA PEÑA CATALINA.
Año: 1999.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: DEPARTAMENTO DE PINTURA.

Resumen: Durante la segunda mitad de la decada de los setenta, Carlos Pazos(Barcelona, 1949) apoyandose en un cruce perverso entre el arte y la cultura popular, concibió, interpretó y realizó un sofisticado y convincente simulacro de la fama: El ciclo de la Estrella. Este insólito ciclo artistico consistente en la recreación nostálgica de una ficticia estrella del "star system", un decadente personaje impregnado de melancolico "glamour", esta compuesto por las sucesivas apariciones de este personaje y fue desarrollandose como un relato en doce entregas, estructurado en tres actos fundamentales: el lanzamiento, la fama y el ocaso. En el convergen unas muy particulares motivaciones biográficas, junto con las sólidas conclusiones de un especial proceso de formación artistica, que se materializa gracias al uso heterodoxo y ecléctico de multiples influencias artisticas(neodadaismo, pop art, body art y arte de accion) en el entorno del arte conceptual y de los "nuevos comportamientos artisticos". Aunque las acciones, las fotografias y las instalaciones constituyen la caracterización basica del personaje de la Estrella, Carlos Pazos complementó esta caracterización con la creación de un extenso repertorio de "souvenirs", fetiches y reliquias, supuestamente emanados por el ficticio personaje: tarjetas postales, corbatas bordadas,pañuelos estampados, un tampón con la impronta de sus labios, modelos para "petit point",moldes de escayola de su rostro y de sus manos, etc… dando lugar, tanto desde el punto de vista de la intención como desde el de sus resultados esteticos y narrativos, a una de las más coherentes y sugestivas aportaciones del arte español del ultimo tercio del siglo.

Autor: GODOY LUJAN GUADALUPE.
Año: 1999.
Universidad: POLITECNICA DE VALENCIA.
Centro de lectura: BELLAS ARTES.
Centro de realización: DEPARTAMENTO DE PINTURA.

Resumen: La tesis doctoral que nos ocupa gira en torno a una empresa de mediación artistica, que ya en su primera edición, se convertiría en uno de los eventos expositivos más importantes del siglo XX. El sensacional éxito que a partir de 1955 creó las bases para que esta iniciativa pudiese convertirse en un ciclo organizativo que alcanzo cotas inesperadas. La documenta, que va ya por su decima edición, es hoy una de las instituciones de mediación artistica más ambiciosas y prestigiosas del panorama internacional, atribuyéndosele un papel decisivo en la propagación y establecimiento de corrientes artisticas. Objetivo de esta tesis, es analizar la historia de un empresa que se ha ocupado de documentar y comentar las diversas fases de la producción artistica de la sociedad occidental de postguerra y se ha convertido en un elemento central de la industria artistica internacional,cuyas estructuras y mecanismos representa. Nuestro objetivo no era solamente el de describir con neutralidad y minuciosidad cada una de las ediciones sino tambien poner de manifiesto la importancia, magnitud y relevancia de una exposición que curiosamente ha pasado bastante desapercibida en nuestro pais y a la que no se le ha dedicado por parte del gran publico, la atencion que merece. Analizar cada una de las ediciones de la documenta, presentar y describir la institución que las enmarca y objetivar el lugar y el tiempo en el que se desarrolla, constituyo gran parte del armazón metodológico que nos propusimos como sistema de aproximación.

Autor: FERNANDEZ RUIZ BEATRIZ.
Año: 1999.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: GEOGRAFIA E HISTORIA.

Resumen: La obra juvenil de Dalí puede interpretarse a la luz de la categoría estética de lo grotesco, es un precursor, dentro del grupo surrealista de la visión grotesca del cuerpo. Este tema me ha obligado a estudiar la teoría de lo grotesco formulada a mediados del siglo XX por Mijail Bajtin, que junto a W. Kayser son los dos principales intérpretes de esta categoría estética en nuestro siglo. Lo grotesco ocupa durante siglos un lugar marginal en la historia del arte, pese a ser ampliamente explotado por los artistas en campos como la ornamentación, la estampa o la caricatura. Hay un desfase entre la calidad del trabajo de esos autores, que supieron aprovechar la permisividad de lo marginal, y la definición de la categoría estética dentro de la teoría del arte, que no ocurrirá hasta el siglo XIX.#